Entrevista con Cariño

Entre risas y canciones de amor, Cariño nos cuenta sobre sus procesos creativos y sus formas de trabajo.

Cariño regresó a México para promocionar y tocar en vivo su álbum homónimo en el Lunario del Auditorio Nacional, con su visita a tierras mexicanas tuvimos la oportunidad de platicar con ellas. La banda se llena de satisfacción con el público: “Siempre México muy bien, como que la gente tiene un calor especial, unas ganas de concierto, de escuchar música; ese disfrutar nos lo contagian a nosotras. Nos gusta mucho venir. Hace dos semanas estábamos en Nueva York y pensábamos ‘por favor vámonos ya a México’”.

Las españolas María Talaverano, Paola Rivero y Alicia Ros se presentaron en el Coachella este 2022. Para ellas fue una experiencia totalmente nueva y emocionante, Alicia cuenta que “era un poco vivir una película, nunca habíamos ido a Estados Unidos, era un mundo nuevo para nosotras, pero fue alucinante, muy agradecidas de poder estar ahí”. También Paola agrega: “es tal cual como lo cuentan. Hace mucho calor, mucho estrés, distancias muy largas. Tres chicas con sus instrumentos en Coachella cantando en español de España, ¡y gente viendo y escuchándonos!”.

Crear una lista de tracks para tocar en vivo les toma tiempo para pensar, organizar y darle orden al corazón y a la intuición. Alicia confesó que les cuesta crear los setlist, pues piensan que será sencillo poner una canción vieja y una nueva, intercalar es una opción, pero al final terminan haciéndolo por temática. “Lo hacemos más de las que son para bailar, también depende de quién va a cantar, si María o yo. Llevamos tan poco tiempo con el disco lanzado y estamos viendo la acogida que tienen las canciones y según eso formaremos los setlist, a ver qué emociona más a la gente”.

Paola, por su parte, opina que el trabajo de Cariño y las viejas canciones se mezclan demasiado bien, “hay que darle un poco de tiempo, porque el disco acaba de salir, la gente se las está aprendiendo. Yo lo siento un poco como el hijo pequeño y el hijo mayor. Al final al recién nacido le tienes que hacer más caso y el otro ya va caminando solo”.

Cariño, el bebé

Su hijo menor, el nuevo álbum llamado Cariño, es un trabajo que tenían planeado y elaborado desde antes de estallar la pandemia, sin embargo, siempre hay detalles y procesos que tardan en realizarse. “El estreno del disco se iba alargando un poco, entonces se nos ha hecho muy larga la espera, sobre todo porque era algo que teníamos muchas ganas de hacer. Antes de la pandemia queríamos sacar otro disco, pero esta situación nos dio la oportunidad de parar y tener mucho más tiempo para prepararlo, pero a la vez nos ha retrasado. Aunque yo creo que ha salido en un momento perfecto, porque ahora sentimos que se puede tocar y presentar al público”, menciona Alicia.

“Yo creo que era un disco que si la gente no lo podía bailar y no se podía tocar en conciertos, perdía también un poco el sentido”, expresa Paola. Las tres creen haber hecho un buen trabajo con Cariño, “lo sentimos muy de cariño, por eso también era un poco el nombre. Hemos aprendido mucho desde que empezamos, hemos evolucionado personal y profesionalmente, podíamos aplicarlo ahí y creo que lo hemos conseguido. Ya que a la gente le guste o no, no sé”.

Paola se atreve a hablar de lo que sucede cuando se es artista: “el síndrome del impostor nos pegó un poco. Al ser mujer sientes como que te quieres mostrar más”. Además su preocupación más grande es que, dentro de la industria musical, el segundo disco es “el que posiciona al artista”, Alicia expresa que ellas mismas se exigieron mucho más: “¿qué canciones elegimos?, nos preguntábamos. Ha habido presión, pero vamos a hacer lo que sabemos hacer y a quién le guste, bien, y a quien no le guste también”.

Si Quieres”, es el primer track y es la canción a la que Cariño le tiene más cariño: “Creo que es la que mejor define el nuevo sonido que pueda tener este disco y la que mejor nos ha quedado. También fue con la que empezamos y con la que se abrió a la veda de toda esta movida”, cuenta Paola. Es una canción que además disfrutan mucho tocar en vivo y no dejará de ser parte de su setlist, “la tocamos siempre al final porque la gente la canta tanto y yo nunca había estado en un concierto nuestro en donde todo mundo la cantara así”.

El amor define las obras de The Darlings y Las Supernenas

Para Cariño como banda no es complicado trabajar en equipo ni compartir ideas. Aseguran que lo más difícil es decidir qué van a comer cuando están juntas, platicaban entre risas. Alicia nos explica la forma en que cada una hace su tarea: “creo que las tres aportamos. No está decidido, pero María y yo hacemos más letras y melodías, Paola se encarga de la parte más instrumental, de la producción; entonces cada una aporta por su lado, lo que sabe hacer y que siempre ha sido natural entre las tres. Nos ha salido el trabajo porque nadie se pisa y creo que se da una buena combinación”.

Paola dice que se llevan tan bien que son como Las Supernenas (o como las conocemos en Latinoamérica, Las Chicas Superpoderosas). La forma en que Cariño hace el proceso creativo y la conceptualización de su trabajo es mediante un grupo de WhatsApp que se llama The Darlings. “Nos pasamos las ideas siempre por nota de voz y vamos valorando qué nos apetece hacer y luego vamos a grabar eso”.

Paola describe su forma de trabajar como algo diferente a las demás artistas: “el modo que tenemos de trabajar es un poco raro. A lo mejor una banda se encierra en el local de ensayo, hace un tema, graban, se van al estudio y tal. Nosotras trabajamos mucho con los formatos, porque de cada canción hay partes diferentes, es muy de ordenador y de móvil”. Alicia cuenta la experiencia de una de sus canciones más bromistas creada en el espacio de The Darlings: “Bonus Trap”, salió así, Paola hizo una base de reguetón y para no aburrirnos mientras estábamos encerradas por la pandemia, empezamos a mandar notas de voz María y yo”.

Respecto al proceso creativo y su inspiración para escribir las letras “la base es que nos vaya bien o mal en el amor, estar enamoradas o no. De esos sentimientos es donde nace siempre la semilla de la canción; luego ya entre todas es cuando la construimos. De todas las canciones hay una historia y una persona detrás concretamente, casi siempre tienen nombre y apellidos”, cuenta Alicia.

Luego de tener experiencias amorosas que las invitan a componer, van directo a la habitación de Paola, “trabajamos con el ordenador, luego, cuando ya tenemos una idea de la que no puede haber fallos, vamos con Juan; empezamos a mirar otra vez sobre esa misma idea”.

Una broma que se ha salido de control

Al preguntarles cómo decidieron hacer el cover de “Llorando en la Limo” de C. Tangana, explicaron que todo surgió entre risas: “literalmente una patada, una broma que hicimos en pijamas”. Paola cuenta: “Nos gustaba mucho la canción y pensamos ‘qué letra, pero qué letra’, porque la lírica era muy potente, lo que pasa es que la música, claro, era trap; recuerdo que nos preguntamos ‘si lo llevamos al pop, ¿qué pasa?’, y obviamos cualquier acorde que existiese, cualquier nota tonal que existiese en esa canción para alejarnos del trap. Montamos con tres acordes y una batería 808, o sea, hay cuatro pistas en la grabación de ese tema, literalmente cuatro pistas, es más demo que instrumentación”.

Alicia expresa que sí, “la banda es una broma que se nos ha ido de las manos… de repente a la gente le hace mucha gracia”. De esta manera surgieron dos canciones: “bonus trap” a mi me hace mucha gracia, es como un frikiton, es como un pop con un reguetón, pero no es. Una broma, o sea, el grupo en sí desde el principio ha sido un poquito una broma”, explica Paola. Además, su canción “Soy Una Perra”, de acuerdo con Alicia “salió así también, en plan Paola ladrando, al final no nacen igual que una broma, pero cuando nos juntamos, nos lo pasamos bien para terminar la idea”. Para ellas lo más importante es divertirse y tener un buen momento cuando se juntan, desde que comenzaron como banda esa es su prioridad.

Además, Paola, María y Alicia agregan que este cover les hizo muy bien “el disco se escuchó mucho más gracias a esta canción, a la gente le encantó, por lo menos en España. Estábamos en un nicho del pop y el indie, y un montón de gente que no pertenecía a eso, nos escuchó”.

Ahora quieren promocionar y tocar su disco en todos lados, aunque están emocionadas por comenzar a trabajar en un álbum nuevo, “hay que empezarlo a hacer ya para que salga dentro de dos años”, comentan y se ríen, al mismo tiempo que desean no pasar por tantas trabas con su próximo hijo.

Se despidieron con un grito de “¡Viva México, cabrones!” y pidiéndole a sus fans que escuchen mucho el nuevo disco porque así podrán volver a tierras mexicanas muy pronto. Si de ellas dependiera, vendrían de visita cada mes, pues de verdad el país les encanta.

A 30 años de 'El León' de Los Fabulosos Cadillacs

"Y que el silencio se convierta en carnaval", hace 30 años Los Fabulosos Cadillacs presentó El León, su propia revolución.

Muchas cosas podemos decir, al final el tiempo le ha dado a Los Fabulosos Cadillacs la vigencia necesaria y la valía en la historia de la música latinoamericana para comprenderlos como algo más que "una banda de ska". Un 22 de mayo de 1992 salió a la luz El León, posiblemente su álbum más emblemático y un bálsamo refrescante para el rock en español, que cruzó una frontera gracias a esta obra.

Si no fuera por la existencia del recopilatorio Vasos Vacíos, El León sería el disco en el que todos piensan al nombrar a la banda liderada por Vicentico, Flavio Cianciarulo y Mario Siperman. Los seguidores de la banda así lo reconocen, ya que El León logra capitalizar en un álbum los más grandes éxitos del proyecto hasta la fecha.

Luego de que la banda atravesara por una serie de transiciones en cuanto a lo creativo y a los cambios de integrantes en 1991, con El León llegaría una nueva oportunidad para reivindicarse y dar un nuevo salto en la industria.

Argentina vivía una transición importante, en el 92 y hacía adelante ya partían bandas como Babasónicos o Illya Kuryaki & The Valderramas que aspiraban a darle un nuevo color a la música; Fito Páez consolidaba su leyenda mientras Soda Stereo llegaba a un nuevo nivel artístico; el rock dejaba de ser distorsión y se convertía en todo menos eso.

¿Dónde quedaban los Cadillacs? ¿Cómo podía una banda 'rebelde', considerada así por sus inicios como un combo de ska que optaba por la diversión, dar un golpe sobre la mesa?

Bueno, mientras el camino en los noventa se inclinaba a buscar sonidos que ocurrían afuera del continente, la agrupación se metió a las venas de Amértica Latina para conseguir influenciarse de la salsa, el cuarteto, el reggae, el bolero, el vals, la samba e incluso la música ranchera.

El resultado fue una paleta de sonidos emocionante y al mismo tiempo sofisticada, ya que la agrupación comenzó a consolidar una imagen elegante, que eventualmente permitió a Vicentico pasar de los shorts con playera en el escenario a los elegantes abrigos color negro. Más allá de la imagen, con El León la banda dio un 'palancazo' hacia un nuevo camino en el que ya no serían esa banda divertida, sino que serían una de las instituciones artísticas y creativas de la música en Latinoamérica.

Los Fabulosos Cadillacs_1992

La muerte y el león del ritmo

El León es un vendaval de éxitos de la banda, impulsados por una agrupación renovada y por la variedad de ritmos. "Carnaval Toda la Vida" es un hermoso inicio, con un tema inspirador que te puede dejar sonriendo o llorando porque "la vida es un carnaval" como decía Celia Cruz, y porque "se te va pasando el tiempo y la vida se te va". Un tema poderoso, sin duda, que apenas es el inicio.

Amenazadoramente llega "Manuel Santillán, El León", una obra que para muchos es el recuerdo de un estudiante que protestó en la dictadura de Jorge Rafael Videla. Aquél "León Santillán" le dijo una frase a la policía que les habría dejado atónitos, recordando que toda la gente "va hacia el mar" junto a sus sufrimientos. Esta ficción se volvió legendaria.

Más tarde en el disco llega "Gitana", "El Aguijón" y "Gallo Rojo", temas que se han metido en el acervo de toda la gente, incluso las que no escuchan esta música. Suenan en las fiestas de XV años, en los bares, en los carnavales, en los estadios, en el Vive Latino, en Lollapalooza, en el Madison Square Garden, en O2 Academy. Es claro que con esta recopilación de temas obtenidos en El León la banda se consolidó para siempre.

La canción más importante es "Siguiendo La Luna", por supuesto. Una balada destructora, un reggae que desde las primeras notas de vientos ya te duele y un Vicentico desangelado que canta dolido y realista en un principio, pero que en los coros deja un sanador "vamos mi cariño que todo está bien, esta noche cambiaré", mirando hacia un futuro mejor.

Esta fotografía se puede traducir a miles de situaciones familiares y de pareja, al grado de que sigue vigente 30 años después.

Con El León nacen muchos mitos que la banda fue construyendo sobre el resto de su discografía. A lo largo de la obra de los Cadillacs la muerte es un tema recurrente, está en "El Matador", en "Saco Azul", en "Los Condenaditos", y en toda La Salvación de Solo y Juan, su ópera rock.

Además de la muerte, la agrupación tiende a recordar a un "león", que podría ser el mismo Santillán o podría ser ese personaje ficticio que acompaña a Los Fabulosos Cadillacs y es reflejo de una agrupación combativa, sentimental y siempre con ganas de más.

Las otras canciones de El León

Pienso que si El León es el 21 mejor álbum en la historia del rock argentino por la Rolling Stone es por más que esas seis canciones mencionadas en un inicio. El álbum es una seguidilla de temas memorables, que van desde lo festivo de "El Crucero del Amor" hasta lo doloroso de "Desapariciones", una canción original de Rubén Blades que toma el tema de las desapariciones forzadas en Latinoamérica, asunto que aún sigue en el dolo de las comunidades latinas.

Toma los males de las relaciones amorosas y el abandono con canciones como "Venganza", "Cartas, "Flores y Un Puñal", "Soledad", "Destino de Paria" y "Ríos de Lágrimas". Sugiero detenerse a escuchar las letras de estas canciones y venir acá a decirme que no tienen poesía o que son olvidables. No es así. Estos temas pegan fuerte.

El álbum se torna combativo con "Arde Buenos Aires", una canción reventada por un bajo medio funk con una base agresiva y que recuerda la violencia de las calles de Baires, una ciudad herida por los años y que, a pesar de haber entrado a la democracia 10 años antes, la gente no estaba del todo bien. Este tema recuerda lo complicado que era ir a un concierto de rock en tiempos de dictadura.

Sorprende que la agrupación nunca deje del lado ese espíritu revolucionario en su discografía, ya sea con historias de ficción o hablando de la situación política en Nicaragua, hay un peso político que siempre hay que reconocer.

El ritmo del león, el ritmo de los noventa

Los Fabulosos Cadillacs hizo en los noventa lo que hoy se le aplaude a los artistas jóvenes: no tener prejuicio a la hora de hacer música. Me resulta gracioso y un poco triste que siga siendo considerada una banda de ska, cuando la agrupación en El León pasa por al menos ocho géneros musicales, y curiosamente se roza con el ska de a poco.

Ese sello que tiene la banda desde hace años la convierte, y lo digo sin miedo, en uno de los proyectos artísticos más evolutivos, experimentales e innovadores en la historia de la industria del rock hispano. Si algún día te avientas un chapuzón por su trayectoria confirmarás esta hipótesis.

Lo que es cierto es que El León es una muestra brillante de talento de la banda. Desde la versatilidad en los ritmos hasta el manejo de toda la banda.

Los vientos en "Siguiendo la Luna" y en "Carnaval Toda la Vida"; los bajos en "Arde Buenos Aires"; las percusiones en "Gitana", "Desapariciones" y "Destino de Paria" son cosas brutales.

Al final, El León fue en muchos sentidos una revolución para Los Fabulosos Cadillacs, una banda que se consagró por no tener miedo a entrarle a otros géneros, a ser político, a hablar de la muerte y las desapariciones y sobre todo, a tener carácter. Quizás, detrás de aquellos autos lujosos se esconde una fiera con "canciones que abrazan hasta el sol". Y quizás también "el refugio del León (Santillán)" está en aquellas "canciones que abrazan hasta el sol" que narra La Salvación de Solo y Juan.

La música salvará al mundo.

A 30 años de 'El Silencio' de Caifanes

El Silencio: A tres décadas del mestizaje del rock mexicano.

Un disco insignia del rock mexicano, El Silencio, cumple tres décadas de existencia y a tantos años de su lanzamiento continúa siendo emblema del momento cumbre no solo de Caifanes, sino del rock nacional en México.

Agrupaciones como Café Tacvba, Maldita Vecindad y los Hijos del 5to. Patio, Fobia, entre otras, comenzaban a sonar fuerte en el país al arrancar la década de los 90, gracias a la frescura de sus propuestas y a que las compañías discográficas vieron un negocio redondo en el género, como clara consecuencia del eco de bandas extranjeras (principalmente españolas) en territorio nacional.

En este contexto, la escena mexicana veía la consolidación de una de sus bandas más relevantes gracias a El Silencio, álbum que consolidó conceptualmente la identidad caifana.

Su debut en 1989 con el sombrío Volumen 1, Caifanes causó sensación al introducir al país de forma sólida el sonido del post punk británico. De este se desprende “La Negra Tomasa”, una cumbia de Guillermo Rodríguez Fiffe y la cual tocaban al abrir sus presentaciones por diversión, sin embargo, sería esta canción un anticipo de sus trabajos subsecuentes.

Aún con reminiscencias del llamado "Disco Negro", El Diablito en una formidable experimentación de sonidos tradicionales y etéreos que abrió paso a El Silencio, el cual se volcó hacia algo poco visto hasta entonces: el mestizaje del rock, un sonido profano para los puristas y venerado por la mayoría de la época. En este, relucen trompetas, percusiones latinas y guitarras que rememoran lo tradicional de la música mexicana mezclada con rock.

Grabado en Lake Geneva, Wisconsin, y con la producción de Adrian Belew (colaborador de Frank Zappa, David Bowie, Talking Heads y King Crimson, por solo citar algunos) este trabajo representó para Saúl Hernández y compañía la transgresión de fórmulas anteriores y el afianzamiento de la forma sonora de la banda. Aunado a ello, este disco representa su consolidación como músicos, basta con analizar la estructura, composición y ejecución de quienes conformaban el grupo.

Además de tratarse de un álbum icónico e influyente para generaciones venideras, el sincretismo cultural logrado por Caifanes entre la cultura mexicana y el rock, posiblemente sea el mejor realizado de la música en nuestro país y a lo cual debe su importancia y vigencia.

Así mismo, dicho material representa la antesala de su disolución, pues la tensión entre el quinteto quedó marcada en este álbum, cuyo nombre y letras (principalmente en “Nos Vamos Juntos”) fueron indicio del difícil momento por el que pasaban, razones por las cuales es considerado un trabajo conceptual.

La amalgama del rock con fragmentos de folclore mexicano condensó lo que quizá, fue la producción más transgresora y mejor elaborada de la época, la cual, pese a los años, sigue siendo referente del género a nivel musical y cultural no solo en México sino en Hispanoamérica.

STRFKR en el Foro Indie Rocks!

La banda conquistó los corazones de cientos de chilangos.

Con la emoción a tope y una entrega total a sus seguidores en la Ciudad de México, STRFKR se presentó anoche 20 de mayo, en el Foro Indie Rocks! haciendo vibrar a cada uno de los asistentes que se dieron cita para celebrar el regreso de la banda al país, 11 años después de su primera presentación en la capital mexicana.

Con gran anticipación, cientos de fanáticos ataviados con sus mejores outfits, fueron llegando al venue y no dudaron en armar el precopeo, en lo que llegaba la hora pactada para el show, que comenzó minutos pasando las 20:00 H.

Das Kope fue el encargado de abrir el espectáculo y con nada más que su guitarra y una gran energía, logró conectar rápidamente con la audiencia, que no dejaba de mover los pies y la cabeza, al ritmo de sus poderosos riffs, acompañados de alucinantes visuales, que ensalzaron grandes temas como: “Ready for the summer”, “Kids in the sky” y “Fascination” y prendieron incluso a los no conocían al proyecto.

Después del número de apertura, la regiomontana Kirnbauer subió al escenario, guitarra en mano para interpretar los temas de su álbum debut Algo Bien, los cuales fueron coreados por sus seguidores, quienes pudieron disfrutar de la primera presentación en vivo de la cantante, antes del show estelar de la noche.

Pasadas las 22 horas, la impaciente audiencia coreaba el nombre de la banda más esperada: ¡Starfucker… Starfucker! resonaba dentro del foro; cuando se apagaron las luces y el cubo emblema de la banda apareció en la gran pantalla sobre el escenario, anunciando que el momento había llegado.

En medio de gritos de alegría, aplausos y caras desbordantes de emoción, Joshua Hodges, Shawn Glassford, Keil Corcoran y Patrick Morris, subieron al escenario para comenzar el repertorio con “While I’m alive”, en lo que fue un estadillo de euforia por parte del público, mismo que fue creciendo cuando la banda continuó con los temas “Malmo“ y “Mystery Cloud”.

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Le siguieron “Atlantis” e “Isabella of Castile”, canciones que los fanáticos cantaron a todo pulmón, para que luego, una horda de mantarrayas invadiera la pantalla del escenario, dando lugar al tema “Florida”, que fue seguido de “Tape Machine “, el cual puso a saltar la entregada audiencia; para después disfrutar del tema “Open your eyes”, uno de los más coreados de la noche.

Cuando los primeros acordes de “Girls just wanna have fun” sonaron, el público y STRFKR  vibraban a la misma frecuencia, entregándose a la más pura diversión y pasión por la música y luego de tremendo momento, el guitarrista Das Kope fue invitado al escenario, para convertirse en el quinto miembro de la banda durante las siguientes once canciones, entre las que destacaron las interpretaciones de “Never the same”, que puso el momento romántico de la noche y “Kahlil Gibran”, una de las rolas consentidas de los seguidores de la banda.

La noche siguió y con ella el repertorio de grandes canciones. Después de tocar “Cold Comfort”, el invitado dejó el escenario, para que STRFKR pudiera cerrar tan grandiosa noche en intimidad con sus fanáticos.

El cierre llegó con “Fantasy” y “Maps” rolas que metieron al público en un éxtasis tal, que no dejó de pedir otra. Cuando STRFKR dejaba el escenario y la concurrencia comenzó a desalojar el venue, para sorpresa de todos los que  aún  estaban dentro, la banda volvió a la tarima para regalar la última canción a su fiel público que brincó como nunca.

Antes de abandonar definitivamente el escenario del Foro Indie Rocks!, Patrick aventó su par de baquetas a la fanaticada, al tiempo que Hodges inmortalizaba el rostro de su público, con la cámara de su teléfono.

Tras la presentación de STRFKR, el foro se descongestionó rápidamente, haciendo del after party a cargo de Tayrell, una experiencia exclusiva que solo pocos decidieron experimentar.

Después de todo, la energía se mantuvo a tope durante las 24 canciones que tocó la banda. Afuera del salón, la tienda oficial se volvió un hervidero de fanáticos  fieles y nuevos seguidores de STRFKR, deseosos de adquirir la playera o el poster, para inmortalizar la noche en que la banda conquistó los corazones de cientos de chilangos.

Metric en el Pepsi Center WTC

Metric arranca su gira y celebra 20 años en el Pepsi Center WTC.

La vuelta a los conciertos en vivo ha sido un proceso gradual y cauteloso, cada vez se percibe más aforo y caras descubiertas, pero aún se ven muchas personas con cubrebocas e inseguridad. Algo es seguro, ver a tus artistas favoritos y corear todas sus canciones con una multitud de fans sirve para descargar esas energías reprimidas durante la pandemia y Metric tiene un público fiel en México que siempre los recibe con ganas de bailar y brincar.

Para arrancar su Doomscroller Tour y como preludio de su presentación en el Corona Capital Guadalajara, los canadienses Metric hicieron una parada en el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México. Originalmente iban a estar acompañados por Young The Giant, pero el quinteto canceló su presentación por motivos de salud, en su lugar Axel Catalán trajo su indie rock que no sonaba fuera de lugar y se ganó al público que le pidió una más antes de que se fuera.

Metric arrancó fuerte con un clásico del Fantasies, “Gold Guns Girls”, por algo es su álbum más popular y del cual suelen desempolvar más canciones. “Risk”, un corte más reciente, la siguió con una interpretación vocal muy emotiva por parte de Emily Haines quien se paseaba constantemente de un lado al otro del escenario mientras Joules Scott-Key y Joshua Winstead formaban una imparable sección rítmica y Jimmy Shaw aprovechaba cualquier oportunidad para improvisar un estridente solo de guitarra.

El cuarteto continuó con otro corte del Art Of Doubt (su último disco hasta la fecha), “Dark Saturday”, para dar paso al primer estreno de la noche: “Doomscroller”. Este experimental sencillo de 10 minutos de duración se estrenó apenas dos días antes y México fue el primer lugar en escuchar esa mezcla de oscura electrónica minimalista y balada de piano. “Cascades” fue la transición perfecta con sus característicos efectos vocales por parte de Haines.

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“All Comes Crashing”, primer sencillo de su próximo álbum, Formentera, también hizo su debut en México ante una respuesta muy positiva por parte de los fans quienes ya la coreaban a pesar de tener poco tiempo de haber salido. En seguida, la banda tocó tres favoritas de los fans al hilo: “Help I’m Alive”, “Sick Muse” y “Gimme Sympathy”, como mencioné anteriormente, no por nada Fantasies tiene un lugar especial en el corazón de los fans.

Metric no dio un momento para descansar pues “Synthetica” solo hizo brincar más al público hasta que “Now Or Never Now” se convirtió en uno de los momentos más emotivos de la noche sin perder el ritmo. Ante estrepitosos aplausos, los canadienses se metieron tras el escenario y Haines cambió su atuendo dorado por uno del color de la noche para el encore.

Del soundtrack de Scott Pilgrim vs. The World, “Black Sheep” estremeció a los espectadores una vez más antes del inevitable final. “Dead Disco” fue una de las canciones más pedidas a lo largo de la noche, así que cayó como anillo al dedo y fue recibida con mucho entusiasmo por el público que quería escuchar algunas de sus primeras canciones. Como es tradición desde hace tiempo, “Breathing Underwater” es la canción encargada de cerrar la noche en una nota esperanzadora donde Haines pasa el micrófono a la audiencia para cantar todos como uno solo las últimas notas del concierto.

A pesar de un aforo un tanto reducido y la cancelación de otro acto esperado, Metric se ganó una vez más al público capitalino y dejó que la música hablara por ellos. Ahora será el turno de Guadalajara de recibirlos en el Corona Capital y seguro también serán bienvenidos con los brazos abiertos.

A 25 años del 'Ok Computer' de Radiohead

¿Qué sucedió el 21 de mayo de 1997?

Probablemente el clima era ideal para tener una tarde llena de melancolía, desesperación, dolor, tristeza y quedarse inmerso en el sofá mientras sonaba por primera vez Ok Computer, de Radiohead.

Thom Yorke y compañía publicaron el 21 de mayo de 1997 su tercer material discográfico titulado Ok Computer bajo EMI Parlophone y Capitol Records. A su vigésimo quinto aniversario, este es uno de los más recordados y reconocidos por el público a nivel mundial, en compañía de The Bends (1995) teniendo grandes singles como Paranoid Android “Karma Police” y “No Surprises” dentro de esta selección.

Radiohead no se molestó en crear un álbum de desamor deprimente, o algo por el estilo, se centró en problemas del día a día, “No Surprises”: presión social agobiante por la que sin duda alguna todos hemos pasado en algún momento de nuestras vidas. Temas políticos con Electioneering” o una asfixiante soledad en “Climbing Up The Walls”.

A lo largo del álbum la banda experimentó con diversos sonidos y variantes rítmicas, las cuales les permitieron darle al álbum la atmósfera ideal de una entrega depresiva y nostálgica en potencia; siendo así una de las bandas pioneras del género rock alternativo. Sería hasta el año 2002 que nuevas bandas como Muse tomarían como referencia algunos de los matices de Ok Computer para sus primeras entregas Origin Of Symmetry (2001)  y Absolution (2003).

Cual obra de arte, el álbum se posicionó de inmediato en el prestigiado top 200 de Billboard, situándose en el puesto número 21 y encabezando el primer lugar en la lista de álbumes de Reino Unido y por sí no bastara, Yorke y compañía ganaron su primer Grammy a Mejor Interpretación de Música Alternativa con este material.

El legado prevalece

Radiohead es una banda que realmente hace maravillas con su música, sin temor a nuevas experiencias auditivas, y la prueba está en que una vez más, en 2010 la banda logró posicionarse en primer lugar con este álbum de acuerdo a una encuesta de la revista Q en la cuál se reconoció a los mejores discos en los últimos 25 años, sobrepasando a grandes bandas como Nirvana, U2 e incluso Oasis. Seguido de este álbum, The Bends tomó el octavo lugar mientras que Kid A se posicionó en el número 18 e In Rainbows el 23.

En 2019 pasaría algo crucial en torno a este álbum, ya que la banda comunicó mediante Twitter que fue hackeada y alguien extrajo materiales de grabación de Ok Computer en minidiscs, y pedían la cantidad de $150,000 dólares para que esté inédito no saliera a la luz. Sin embargo, a Greenwood y el resto de la banda los tuvo sin cuidado, por lo que lanzaron las sesiones en bancamp para que así, se disfrutara de un día lluvioso y melancólico.

 


Seguramente también se encuentran algunas fotos o material audiovisual en la biblioteca pública de Radiohead, que se inauguró de forma digital en enero de 2020. ¿Ya tienes tu credencial? Si eres amante de la melancolía y el dolor visto desde su ángulo más bello no deberías tardar en tramitar la tuya.

Desde sus inicios Radiohead marcó a no sólo una, sino a varias generaciones, tanto de seguidores y músicos que han tomado como influencia su música, haciéndolas sentir en alma y esencia ese vacío y sufrimiento que caracteriza a la banda. Siendo capaces de imaginar y sentirnos en el camino de la miseria y la tristeza de una forma sublime, confundiendo el dolor con la felicidad.

 

El Shirota + Las Nubes + Mengers en Bajo Circuito

“Hay música increíble allá afuera y lo único que quiero es sentirla suceder”.

Quienes se envuelven de sonido pasan su vida soñando con el tape de ese primer concierto, curtido en alcohol barato y asbesto, con amplificadores tan miserables como era permitido, ahogado en el sentir de blast resonando hasta extinguirse entre columna y esternón. El primer stack de reverb en blues driver a los pies de Kevin Shields, el debut de Kim Gordon haciendo arder en sónica al puñado de junkies-perdidos-melomaníacos frente a ella, el desgarre vocal pionero en la garganta de Black Francis; la sensación de que el ruido sobre el escenario frente a ti impactará en la memoria colectiva de tu underground, naciendo de la ciudad en que has crecido, rodeado de los rostros exhaustos-afónicos-resplandecientes de amigos futuros, sintiendo la música suceder y a ti con ella. 

Experiencias así solo pueden ser argumentadas desde el instinto, cayendo en el dogma de la piel revuelta al primer rasgueo en “Estrés”, presentando al triplete de la Magdalena Contreras acompañados por la mística de Hugo Quezada amarrado a su Hagstrom vintage, la agalla partida en dos al escuchar los cánticos del sacro fuzz en “Tiempos Suicidas”, “No Hay Futuro” y “Pantitlán”. Nos volvíamos proyectiles de un instante al tronar de “i/O” hilada “Automático”, recalcando el ahora al interior de Mengers y reventando contra el slam melódico de “Fin de la Era”.

Mengers_Bajo Circuito_David Durán (4)

El relevo caería en el impulso dreamgaze de Alejandra Campos liderando a la agrupación multinacional, resultando en cascadas de influencias noventeras que hidrataban las paredes de concreto sello de Bajo Circuito. Grunge, garage, punk, dream pop, moody sound y shoegaze hasta donde el capitalino promedio puede soportar, fueron el arma elegida por Las Nubes para dar fin a la atadura sonora de los asistentes, elevándoles a un samsara de sonidos distorsionados atravesado únicamente por la claridad lírica de la vocalista.

Tras reformularnos en las texturas del triplete, la atmósfera recobraría densidad fundiendo partículas de feedback con el oxígeno al interior del venue, creciendo en un rugido constante para recibir de tímpanos florados a Nacho, Rubén, Gabriel y Mauricio; El Shirota a un acorde de estallar.

El Shirota_Bajo Circuito_David Durán (4)

El setlist arrancaría con el tema que da nombre al último EP de la agrupación, hundiendo en “Niebla” hipercorporal las intenciones slam del público frente a ellos. Nos veríamos arrastrados entre relámpagos de materiales pasados y las nuevos himnos al alma del indie kid asistente, coreando los versos de “La Ciudad”, “Más de una vez” y la ya imprescindible “Carreta Furacao”, contando con la presencia de Las Nubes para reforzar la imagen de culto aparecida sobre el escenario.

El cuarteto intercalaría la bélica sonora en cada track con las profundidades soundscape entre meditación y meditación, entregándose al cariño genuino de los asistentes e inmolándose tirados al riff abrasivo de “RTL”. El encore llegaría a nosotros tras una larga pausa de tinnitus eléctrico, reviviendo en forma de “Chiluca” seguida de “Tibio”. Habiendo cargado en hombros del huracán humano a un fanático de nombre Gabriel, lubricado en sudor, sin playera, con los pulmones hechos pedazos de tanto gritar; un David hecho de carne tallado como monumento al sonido frente a él.

Los Blenders estrena “Me gusta” ¡Escúchala aquí!

Una canción perfecta para el amor en tiempos de redes sociales y distanciamiento social.

Luego de su último álbum Mazunte 2016, una de nuestras bandas chilangas favoritas está de regreso con su nuevo sencillo “Me gusta”, una pegadiza canción de verano con toques rock pop que te pondrá a bailar.

Como buena representante de la realidad moderna, Los Blenders nos presenta otra situación con la que más de uno podrá identificarse, seguro. “Me gusta” trata sobre el crush que nace en redes sociales, de un like, una historia o una interacción y que poco a poco se va convirtiendo en un drama adolescente donde no se sabe cómo sobrepasar la pantalla.

Las guitarras y batería nuevamente se vuelven protagonistas de esta historia, que logran crear un ritmo animado y una melodía fresca, volviéndola una canción divertida perfecta para la temporada. Además, Alejandro Archundia juega con un eco simulado en la voz y repeticiones en el estribillo con la palabra me gusta, que podrían asemejarse a los likes que dejamos en todas las publicaciones de nuestro crush ¡Qué sutil!

 

“Me gusta” es el primer sencillo de su nuevo EP: Playa Privada, producido por el mismo Alejandro Archundia y que será lanzado de manera independiente.

No dejes de seguirla en sus redes sociales y plataformas para saber más sobre sus proyectos musicales y sus próximos lanzamientos.

 

 

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Los Flakos presenta su LP debut homónimo

El estilo despreocupado, sencillo y directo de esta banda tapatía los ha llevado a ser considerados para el Marvin Gateway de este año.

En 2020, en plena pandemia, Los Flakos asaltaron la escena independiente en Guadalajara con su primer canción titulada "Los Japoneses" , misma que abre su LP debut homónimo y a partir de ahí, sencillo tras sencillo, la banda ha logrado obtener cierta notoriedad fuera de Jalisco, ya que este año participará en el Marvin Gateway.

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Pero la popularidad de Los Flakos no ha sido fortuita ya que desde el año pasado la banda ha estado visitando la CDMX varias veces y muchas de estas fueron en el Foro Indie Rocks! como banda estelar y teniendo una participación bastante buena por parte de su fanaticada chilanga. Ahora Los Flakos recién estrenó su primer disco de larga duración bajo un título homónimo que está compuesto por nueve canciones que recorren vivencias que el adulto joven promedio de México vive antes de su madurez. Amor, desamor, diversión, camaradería y experiencias fuera de lo cotidiano son los temas que están acompañados de una música que será del agrado de quienes gustan de bandas como Los Románticos De Zacatecas o grupos más punk como Chingadazo de Kung Fu.

No dejes pasar la oportunidad de escuchar Los Flakos totalmente en vivo la próxima vez que la banda se presente cerca de tu ciudad y no te olvides de darle play a su disco que te dejamos aquí abajo para que sea el soundtrack perfecto de tu fin de semana.

Foals comparte su nuevo single, “2001”

Un viaje al pasado y un intento de salir de él, Foals lo logra con "2001".

Esta nueva canción de Foals es el cuarto adelanto de lo que será su próximo álbum Life Is Yours. El estreno del track viene acompañado de un video grabado en Costa Brava, España y fue dirigido por Esteban.

2001” parece ser muy especial para la banda, pues para ellos es como una postal al pasado. El single fue escrito durante el invierno de la pandemia, de acuerdo con el vocalista, Yannis Philippakis, es un intento de escapar del encierro, tanto del confinamiento por la COVID-19 como el que los tenía atrapados en la adolescencia. También agrega al respecto de “2001”:

Nos mudamos a Brighton en esa época, éramos una banda joven, y estaba la sensación de probar por primera vez la independencia. En el momento en que obtienes esas libertades, estás rodeado de tentación. Las referencias a los dulces en la playa y al rock de Brighton son símbolos de drogas y hedonismo”.

En el videoclip, un par de amigos son los protagonistas. Dentro de su departamento deciden mover su sillón y lo llevan cargando por diferentes calles de la ciudad donde viven hasta llegar a la playa. Ahí mismo comen un dulce que los hace tener un viaje especial (o espacial). Todas las personas que se encuentran en el camino están comiendo dulces de diferentes tipos y sabores, mientras Yannis Philippakis los observa desde lejos.

Escucha aquí “2001”: