9
Divino Niño
Last Spa On Earth
Winspear / 2022
23/Sep/2022
¿Viento y café en Last Spa On Earth?
¿Qué pasa si ponemos ingredientes extravagantes en la licuadora, sabores que nunca pensamos que se llevarían, pero al final sí combinan? Algo similar ocurrió con el nuevo disco de Divino Niño, cuya experimentación pandémica los llevó a explotar sus propios recursos y sus propias mentes y, de paso, las nuestras. Su nuevo disco Last Spa On Earth tendría una imagen visual bizarra y atractiva a la vez, seria aquel tipo con shorts y camisa estridente con sandalias, un hombre difícil de descifrar; las 12 canciones que componen este LP no pueden encasillarse en un género, un ritmo o tratar de predecirlas.
Este resultado tan novedoso y osado se dio durante el mismo tiempo de pandemia y, en donde el quinteto cerró los canales de comunicación con la escena “blanca” del indie en Chicago y se adentró en la música que los mismos integrantes compartieron entre ellos, de tal manera que llegaron al neo-reggaetón y volvieron a sus raíces cafetaleras, para mezclar lo que han vivido y aprendido por su convivencia en el país del norte. La experimentación y el atrevimiento se dieron naturalmente y, según la misma banda, esas reglas que ponen los límites a la creatividad, de repente, ya no estaban.
La canción con la que abre el álbum es “Magia”, que te lleva por la sensualidad que puede tener el R&B, parece que el resto también seguirá la misma línea; en “Nos Soltamos”, las colaboraciones de Will Miller de Whitney en las trompetas y el Lap Steel de Colin Croom de Twin Peaks acompañan de buena manera la composición. La estrella de este disco es “Tu Tonto”, uno de los sencillos de Last Spa On Earth, que habla de estar enamorado y perder el sentido común, pero con ritmos de neo perreo, una combinación psicodélica que le da mucho poder al equilibrio que se busca tener en este material.
El disco está escrito en su mayoría en español, pero las canciones bilingües que se incluyen “I Am Nobody”, con arreglos sintéticos y sonidos sintetizados, “XO”, que habla de la religión profana expresada con toques de ironía y en cuyo video se muestran los extremos de la moralidad y los tabúes establecidos dentro de las iglesias latinoamericanas y “Mona”, que es la canción más pop del disco y hace explotar con la mezcla de ritmos. Esa esencia latina de Colombia se puede identificar claramente en “Toy Premiado”, donde aparece de nuevo el neoperreo y “Drive”, que es una canción con cambios deliciosos de ritmo, comenzando con ritmos latinos que se transforman a psicodelia, que dejan sabor a café con hongos.
Para “Ecstasy”, la voz estridente, con modificaciones y un tanto robótica, hacen recordar a Daft Punk; “Papelito”, otro de los sencillos de Last Spa On Earth, es muy underground, estridente y noventera, nos hace recordar al Beck de los 90 y, finalmente, “Especial”, con la audacia de los Beastie Boys.
Para quienes no han escuchado esta banda emergente, este disco es una carta de presentación que muestra las facetas que tiene la agrupación; las canciones son de fiesta, pero las letras hablan de romance y de cultura, esa que está mezclada con la escena indie norteamericana y el resultado, es este, un producto sin nombre ni etiqueta, que no necesita descripción, sino experimentación.
9
Marcus Mumford
(Self-Titled)
Island Records / 2022
22/Sep/2022
Marcus Mumford encuentra la fortaleza en la confrontación y la libertad al sincerarse mediante la mejor forma que conoce, su música.
En medio de unos años caóticos provocados por el encierro y cambios en la banda incluyendo la salida del guitarrista Winston Marshall, el compositor y vocalista de Mumford & Sons lidiaba con sus asuntos pendientes a través de la música. Así, después de innumerables sesiones de terapia, confrontaciones con su pasado, confesiones a su madre y una lucha constante para encontrar paz, Marcus Mumford nos regala su primer álbum en solitario, que de primera instancia se puede sentir invasivo.
El álbum abre con un trago amargo: la confesión del abuso que sufrió siendo niño. Es tan explícito y crudo que no hay manera de que no se entienda el mensaje. “I can still taste you and I hate it // That wasn’t a choice in the mind of a child and you knew it” son las líneas con las que empieza “Cannibal”, donde le habla directamente a su abusador en una melodía tensa de guitarras. La voz de Mumford es más áspera que en otras piezas y no hay alargamiento en ella, lo que hace que se perciba cierta rigidez, como si le costara decirlo. La canción va creciendo en tensión y emoción y para puente de la canción las cuerdas se sienten romper, literal y metafóricamente hablando, es él sacándose del pecho la emoción reprimida, es él queriendo comenzar de cero, queriendo ser libre.
Aunque parece ser una decisión arriesgada, se entiende la intención al escuchar la canción siguiente, “Grace” que continúa con un ritmo más alto que su antecesora y contiene otro nivel de tensión que refleja perfecto la conversación que el cantante tuvo con su madre tras confesarle lo que sufrió años atrás. Sin embargo, entra en una irónica situación, al volverse el consolador, asegurando a quien lo oye, que todo va a estar bien y que la gracia (del perdón) es mejor que la culpa que corroe el alma. Las guitarras rasgadas y los riffs que se disfrutan a través de la canción acompañan el sentimiento de esperanza y fortaleza de la voz y la letra de la canción.
“Prior Warning” y “Better off High” nos muestran otra faceta de él, donde lidia con problemas mentales, emocionales y de adicción. Aunque ambas tocan temas más oscuros de los que acostumbrados con él, la primera es una melodía pesada, con pocos cambios de ritmo y percusiones bajas. Sin embargo en la última, la melodía es animada y en ciertas ocasiones hay explosiones de energía propias de quien está aparentemente feliz, lo que contrasta con la letra que refleja la realidad de la dependencia y los trucos de la mente.
El álbum nuevamente sufre una caída en el ritmo en “Only Child”, como lo hacen las emociones del autor, reflejando la culpa y las dudas de quien es perseguido por su pasado y se cuestiona si merece lo que tiene. La voz que generalmente nos evoca positivismo, ahora rebosa de nostalgia y vulnerabilidad a lado de una sola guitarra acústica. Por otro lado, en “Better Angels” experimentamos un lado más “heavy” del artista al escuchar guitarras distorsionadas, deelays y efectos fuzz al final de la melodía que aportan textura al álbum.
“Dangerous Game” a lado de Clairo, es la primera de las cuatro colaboraciones que aparecen en el álbum y mientras las otras tres marcan lo que podríamos llamar la etapa sanadora, esta no es lo más destacable del álbum. “Go In Light” junto a Monica Martin, sientes refrescante y crea un ambiente esperanzador gracias a las armonías bien ensambladas. Por su puesto, una de las colaboraciones más esperadas era con la cantante Phoebe Bridger, y aunque “Stonecatcher” es una canción bien construida, que refleja la condición más humana del compositor, una con la que es fácil identificarse y sentirse en medio de aquellos versos, nos queda debiendo mayor participación de la cantante, que se siente algo desperdiciada.
El álbum termina en una nota emocional con “How” otra balada a lado de Brandi Carlile. Es la parte en donde finalmente lo vemos sanando, “but I’ll forgive you now // release you from all of the blame I know how” dice la letra.
(Self-Titled) de Marcus Mumford es un álbum liberador que nos muestra que ser vulnerables y dejar ir los sentimientos negativos no es sinónimo de debilidad ni cobardía. Es otra cara del vocalista conocido por llenar sus canciones con banjos y tambores alegres. Es su álbum más personal y que probablemente no sea del agrado de quienes esperaban algo exactamente como Mumford & Sons. Definitivamente mantiene su esencia pero con un toque más orgánico y crudo.
