Seis óperas de rock en español para revivir su formato

Obras memorables para oír de inicio a fin y redescubrir las grandes historias que puede contar la música.

Uno de los pequeños salvavidas de muchos durante la pandemia ha sido la música. El poder sumergirse en canciones, discografías y letras con la calma del hogar sin duda es diferente a escuchar en el transporte público, sitios de trabajo y de estudio, cada uno con su magia, por supuesto. Y aunque se extrañan las grandes aventuras de las calles, hemos descubierto que podemos viajar de otras maneras gracias a los álbumes.

Cada disco es una historia, un universo al que vale la pena meterse, y aunque narran diferentes anécdotas dentro de sí es posible sentir una atmósfera que hace parecer que todo fluye en paralelo. En el caso del ópera rock es más fuerte el discurso, podemos disfrutar historias que conectan al álbum desde el primer track hasta el último suspiro. Hay inicio, desarrollo, clímax y cierre, y sobre todo muestran una capacidad importante de los referentes para hacer más que canciones.

Si bien, este formato pasó a la historia por los grandes discos y en muchos casos películas que presentó Pink Floyd y The Who, entre otros, a continuación te compartimos un listado de óperas de rock en español para que te acerques de una manera distinta a este poderoso ambiente. Los ejemplos que verás a continuación, en algunos casos, fueron conceptualizados por la misma opinión pública como ópera rock, y en algunos de los mencionados son tan añejos que resulta casi imposible el acceso al material en formatos físicos o de streaming a como fueron planeados originalmente por agrupaciones y/o disqueras

Vox Dei - La Biblia

Sería un desatino no decir que La Biblia es el álbum concepto por excelencia en el acervo musical latino. Mientras comenzaban las represiones de los años 70 a algunos de los padres del rock argentino como Luis Alberto Spinetta y Almendra, o el caso de Los Gatos que comenzaba a cerrar su carrera, Vox Dei apostó por narrar desde su punto de vista al libro más leído de toda la historia en ocho canciones que se unen sobre un hilo conceptual.

Aunque parecía una apuesta aún más contestataria de lo que se hacía comúnmente con el rock en esos años, La Biblia fue bien recibido gracias a la supervisión de la misma iglesia católica, que pidió al sello Mandioca acceso a las letras antes de su publicación para dar un visto bueno. La narrativa de Ricardo Soulé más que intentar desafiar al organismo religioso, lo interpretó desde el punto de vista del hombre, dejando como resultado una honesta y vanguardista obra lírica.

Es así que el disco retoma pasajes como el génesis, la historia de Moises, David contra Goliat, la muerte y resurrección de Jesucristo, así como el Apocalipsis por mencionar algunos ejemplos. Las canciones son largas, si, y eso nos hace entender al álbum como una serie movimientos donde el hard rock, blues, la psicodelia y el progresivo entre otros conforman un ambiente épico. Las guitarras y baterías matizan acorde a las necesidades de la narración y entonces se hace una obra espectacular. Dale play a continuación a uno de los mejores discos en la historia del rock argentino de acuerdo al listado de Rolling Stone a continuación.

Con el tiempo fue reversionado y se le añadieron más capítulos, pero te dejamos aquí la versión inicial.

 

Los Fabulosos Cadillacs - La Salvación de Solo y Juan

2016 trajo consigo el primer álbum de canciones inéditas por parte de Los Fabulosos Cadillacs en 17 años, luego de aquel poderoso registro llamado La Marcha del Golazo Solitario. Con La Salvación de Solo y Juan, Vicentico y Flavio Cianciarulo lo querían hacer de una manera distinta, así que construir esta historia les tomó más de una década, ya que se comenzó a escribir desde finales de los 90. Por otra parte, las percusiones distintivas de la banda fueron excluidas, y el disco se acercó a un sonido folk rock que estaba lleno de talento, energía y drama.

Junto al escritor mexicano, Adolfo Vergara Trujillo, los dos estandartes de la banda materializaron la historia de los hermanos Juan y Solo Clementi, que viven una infancia y juventud llena de traumas, rencores y sombríos pasajes que definirán su futuro. La ausencia de su madre, los maestros de escuela y el fantasma de su padre, Averno, un hombre emblemático vivo como muerto, que baila swing como nadie pudo hacerlo jamás.

El término "Salvación" va más allá de un rescate cualquiera, es una pelea donde los hermanos luchan por salvarse del pasado, por salvar su mundo. Se torna sentimental si pensamos en esas batallas silenciosas por las que pasamos todos, donde las decisiones que tomamos en instancias complicadas definen nuestro futuro para bien o para mal. "La Música Salvará al Mundo" es el cierre con el que se asegura que solo algo tan poderoso y honesto es capaz de hacernos voltear a ver los problemas en individual y colectivo, por ende, será posible rescatarnos a nosotros si hacemos por ello.

Los Fabulosos Cadillacs cambió su estética por completo, los integrantes se transformaron en marineros elegantes que dieron una de las giras más exitosas en la historia de la música latina. Con participaciones en Viña del Mar, Lollapalooza Argentina, Personal Fest, Cosquin Rock, Vive Latino, Cruilla en España, un lleno en O2 Academy en Londres y otro más en el Madison Square Garden, la agrupación regresó para hacerse leyenda. Además, la estética y energía en vivo tuvo como personajes principales a Florian Capello y Astor Cianciarulo, que renovaron la dinámica de la banda con solos de guitarra, dos baterías en vivo o dos bajos también.

La Salvación de Solo y Juan es una obra que no puedes dejar pasar. Uno de los discos más ambiciosos que se han hecho en la música latina de los últimos años, que refleja un mar en blanco y negro dentro de cada clip musical y que sin duda te hará reflexionar por muchas cosas. Dale play a continuación. Puedes leer la historia de los hermanos Clementi que complementa la obra en este enlace.

 

Charly García - La Hija de la Lágrima

"No te olvides nunca que yo soy la hija de la lágrima", escuchó Charly García decir a una mujer que peleaba con otra durante una estadía en Barcelona. Este hecho inspiró a que el referente de la música argentina comenzara un proceso de escritura y composición nuevo, y aunque dos décadas atrás el hombre de bigote bicolor se había adentrado a la experimentación de rock progresivo con La Máquina de Hacer Pájaros y a los discos de propuestas conceptuales como La Grasa de Las Capitales, nunca había entablado un ópera rock.

La Hija de la Lágrima sería una obra que marcaría un parteaguas en la carrera de Charly. En primer lugar, significaba el fin a su primer etapa gloriosa como artista pop, la de los grandes álbumes que marcaron historia desde Yendo de la Cama al Living y Clics Modernos hasta Filosofía Barata y Zapatos de Goma. Por otra parte, el disco dignificaba el comienzo de su etapa Say No More, que estaría marcada por los escándalos, las adicciones, los conciertos para más de cien mil gentes y una línea creativa más oscura y compleja, que dejaba ver su enorme capacidad como multiinstrumentista.

El concepto que enmarca la ópera en el disco de Charly García está inspirado en la historia de la pelea de las dos mujeres que vio en Barcelona, aunque el fantaseo del argentino fue abocado a una mujer que vive "bajo la tierra", aunque se puede entender como una persona que está en la marginación total, que sufre lo que todos sufren y que ve el mundo desde una esfera. Ahí encuentra al amor, lo pierde y se encuentra a sí misma.

Lo que más destaca en La Hija de la Lágrima es la capacidad musical de Charly. Esta obra de veintitrés tracks se mueve por complejos parajes entre el jazz, rock, pop, industrial y progresivo, dando una obra tan emocionante como auténtica. Finalmente, para este registro el artista tomó como referente al recién fallecido Kurt Cobain, y se pintó el pelo como él. Fue internado por su familia debido a las adicciones y comenzó un vendaval de problemas en su figura. Dale play a continuación.

Arco Iris - Sudamérica o el regreso a la aurora

Los múltiples intentos que Gustavo Santaolalla hizo para poder obtener un lugar dentro de la escena creciente de Argentina tuvieron sus frutos a inicios de los 70. El trabajo de Arco Iris era reconocido en materia nacional gracias a su enorme audacia de mezclar el folclore con el rock y ser una de las banderas más importantes del movimiento hippie. Sudamérica o el Regreso a la Aurora es la obra maestra que le da a la banda un lugar en la historia.

Sudamérica o el Regreso a la Aurora es un álbum bestial. 27 tracks dan como resultado poco más de una hora y media llena de mezclas entre sonidos del folclore latino más inteligentes arreglos que revocan al rock, jazz, pop, blues, entre otros. Cada canción tiene diferentes movimientos y por ello se considera como un disco progresivo, lleno de cambios de ritmo, armonías elegantes y sensibles espacios sonoros.

El drama musical sin duda refleja el calibre literario de esta ópera rock. La obertura de 12 minutos narra el nacer de Sudamérica, una tierra que creció sin nada artificial y se fue invadiendo. La interpretación musical permite entender que en cada paso de la historia de nuestro continente se han vivido batallas, conquistas y al mismo tiempo se ha vivido la música, somos hijos de ello.

La lírica del álbum nos cuenta la historia de Nahuel, un indio que fue adoptado por un emperador. En su andar se da cuenta de las dolencias de su pueblo, y durante un viaje astral descubre que es el elegido para realizar una travesía junto a distintos peregrinos que se van sumando y desapareciendo en lo que sería una especie de odisea donde lucha el protagonista por un nuevo comienzo.

Te invitamos a escuchar esta impresionante obra musical a continuación, sin dudas será algo parecido a ver una película o leer un libro de mitología, solo que abocado a las culturas sudamericanas.

 

Guillermo Briseño - Viaje al espacio Visceral

Una de las piezas de culto claves para entender al rock mexicano como contrapeso político es, sin duda, Viaje al Espacio Visceral. Este álbum va en paralelo con la evolución ideológica que enfrentaba la juventud en México luego de los años de censura post Avandaro, por lo que es posible escuchar un ópera rock comprometido con la crítica y los señalamientos a la clase política.

Guillermo Briseño presenta letras poéticas acompañadas de virtuosos arreglos sonoros donde sus teclados tienen protagonismo junto a poderosos bajos y guitarras. La complejidad de este material progresivo es notoria en cada uno de sus tracks y parece al mismo tiempo algo sin precedentes, ya que existían bandas de psicodelia y de progre, pero ninguna se tenía tal elegancia.

Briseño se une en este material a la multi-instrumentista y artista en muchos sentidos, Hebe Rosell, hermana de Andrés y Javier Calamaro. Les complementan Mario Carrasco y Gilberto Flores. Te invitamos a darle play a esta obra que es un repaso por un México que pelea constantemente contra sí mismo, y que refleja muchas etapas de la política en la sociedad local.

 

Los Jaivas - Alturas del Machu Picchu

La agrupación pasaba por una estadía en Francia cuando se hizo presente el productor Daniel Camino, quien se encarga de hacerles saber una idea para crear un álbum de concepto, mismo que estaría inspirado en las palabras de Pablo Neruda para el poema del mismo nombre, incluido en su libro Canto General de 1950.

La agrupación chilena tenía como objetivo dentro de esta obra el dar matices a los momentos sentimentales del poema, por lo que podemos encontrar dentro de los siete tracks diferentes atmósferas ilustradas de manera orgánica. La interpretación de la banda no abarca todo el poema, pero si toma en cuenta puntos de gran peso en cada uno de los cantos que lo conforma. Asimismo, el canto toma espacios para descansar y ahí aparecen enormes arreglos de teclados, batería y potentes solos de guitarra.

Alturas del Machu Picchu es un disco que pocas veces recarga en los ritmos sencillos, está lleno de elementos sonoros que juegan con el folclore y hasta se pueden acercar a la cumbia y no tiene miedo a encontrarse con efectos especiales que aumentan el drama de la obra. Su gran impacto se vio reflejado con una presentación desde el sitio arqueológico en Perú con una introducción de Mario Vargas Llosa. Dale play y descubre una hermosa historia sobre lo efímera que puede ser la vida y el legado de la humanidad, viendo el nacer, crecer y morir como un proceso hermoso. Puedes leer el poema en este enlace.

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