Fotografo: Luis Victoria

Slipknot en el Parque Bicentenario

Un ritual de furia y devoción entre explosiones de energía y conexión con sus seguidores.

La noche era joven y el cielo despejado, de un oscuro profundo que prometía en el Parque Bicentenario de la Ciudad de México vibrar, con una expectativa que podías tocar, el ambiente de los asistentes mostraba entusiasmo y garantía de un espectáculo sin igual. A lo lejos, las luces de la ciudad parecían fundirse con el resplandor de los reflectores que iluminaban el escenario. Entre fanáticos, espectadores, familias y amigos, miles de almas vestidas de negro, se movían por el parque buscando el mejor lugar para presenciar una noche inolvidable, una noche en la que Slipknot, la leyenda del nu metal, estaba a punto de desatar con una tormenta de energía y caos.

Slipknot celebra 25 años de trayectoria, ante ello, se esperaba una asistencia adulta; sin embargo, había pequeños con sus padres y grupos de familia disfrutando la velada. El negro fue el color que predominó en la indumentaria de cada persona. Las máscaras, que representaban a cada miembro de la banda, también se hicieron presentes, con ello los fans mostraron devoción y estima absoluto. Slipknot ha penetrado en el imaginario colectivo cuando del género metal se habla.

Antes del plato fuerte, el escenario perteneció a las bandas que calentaron los motores y el ambiente, preparando el terreno para la brutalidad salvaje que estaba por llegar. Orbit Culture fue la primera banda en salir. La agrupación sueca, conocida por su metal melódico con tintes de death metal, trajo consigo un sonido potente que resonaba en los rincones del parque. Los asistentes reaccionaron de inmediato al escuchar las guitarras pesadas y los riffs estruendosos que parecían anticipar lo que el público estaba por experimentar. Con temas que caracterizan a Orbit Culture, la banda cumplió su misión de despertar los instintos más primitivos de la gente alrededor, quienes recibieron el show con entusiasmo. 

Luego vino el turno de BabyMetal, y el ambiente se transformó. Las tres integrantes del grupo japonés se presentaron en el escenario con una energía que desbordaba los límites convencionales del metal, fusionando el J-pop con la brutalidad del heavy metal de una manera que solo ellas pueden lograr. Canciones como “BxMxC” y “METAL!!” desataron la locura en el público, preparando a cada asistente en el Parque bicentenario para un éxtasis total. La propuesta de BabyMetal es única: su espectáculo combina coreografías precisas, vestuarios bien cuidados y una ejecución musical impecable. Lo que demostró BabyMetal en el escenario fue disciplina y entrega total con los escuchas, además se esforzaron en comunicarse en español con los asistentes, agradecimiento y elevando la energía. Con una experiencia visual y sonora hipnótica, se entregaron al público mexicano y fue recíproco en el momento preciso donde la asistencia levantó los teléfonos celulares y encendieron sus luces, creando una atmósfera íntima. La banda se movía en el escenario como si fuera su propia casa, y la audiencia respondía a cada uno de sus movimientos y gritos, aumentando la expectativa para lo que estaba por venir. BabyMetal dio una presentación increíble.

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Para entonces, la urgencia por ver a Slipknot era incontenible. A las 21:35 H, el público ya empezaba a mostrar signos de impaciencia, pero el ambiente permitió ir por una bebida antes de que los gritos y el coro del nombre de la banda resonaran en el Parque Bicentenario. La tensión se hacía evidente en los rostros de las personas que esperaban ansiosas y la sensación casi materializada flotaba en el aire mientras los minutos parecían estirarse de forma indefinida. Cuando el reloj marcó las 21:50 H. y Slipknot aún no salía al escenario, la desesperación era indudable. Cada segundo de espera solo se incrementó la desesperación de los fans, hasta que finalmente, en punto de las 22:00 H., el estruendo de los primeros acordes de “(sic)” rompió la tensión y desató la euforia contenida. Los fanáticos por fin, desataron su furia y energía que elevó al éxtasis total el comienzo de la presentación.

Uno a uno, los miembros de Slipknot aparecieron en el escenario con sus icónicas máscaras, y el Parque Bicentenario explotó en una ovación ensordecedora. Corey Taylor, el carismático vocalista de la banda, lideró en todo momento a su “familia” en lo que sería una noche de catarsis colectiva. Un slam intenso se formó entre el público, desatando el ánimo de cada participante. La banda continuó con “Eyeless”, y el público se entregó sin reservas, gritando cada palabra y saltando al ritmo de la percusión violenta y las guitarras afiladas. La intensidad no disminuía; la energía en el lugar estaba en su punto máximo y los asistentes no parecían querer nada menos que una noche de entrega absoluta.

La cercanía que Corey Taylor mostró con el público fue uno de los momentos más memorables de la noche. En un intento de conectar aún más con sus seguidores mexicanos, el vocalista prometió mejorar su español para su próxima visita, un gesto que fue recibido con aplausos y ovaciones y que asegura otra visita a tierra Azteca. La banda, que celebra 25 años de trayectoria, se mostró agradecida por completo con sus fanáticos, a quienes Taylor llamó “familia”, haciendo énfasis en el vínculo que Slipknot ha cultivado y cuidado con su audiencia a lo largo de su carrera.

El set continuó con canciones como “Me Inside”, “Purity” y “No Life”, temas emblemáticos que el público recibió como himnos. Acompañaron cada uno de los temas con precisión, manteniendo la energía y agitando sus cabezas con fuerza en una entrega total. La dedicación que mostró Slipknot en el escenario era absoluta; cada miembro de la banda parecía estar poseído por la música, moviéndose y tocando con una intensidad que pocas bandas pueden igualar. A las 22:54 H., tras un aniquilante recorrido por su repertorio, Slipknot se despidió del escenario, dejando a sus seguidores y fanáticos anhelando más. Sin embargo, la multitud no estaba dispuesta a aceptar el final. Los fans coreaban “¡Slipknot! ¡Slipknot!” con una fuerza que resonaba por todo el parque, acompañados de aplausos que pedían un regreso. La energía permaneció así por algunos minutos.

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Después de un momento breve, Corey Taylor volvió al escenario, y el estruendo del público alcanzó un nuevo aire. El vocalista, con un español esforzado pero que resultó efectivo, se dirigió nuevamente a sus seguidores, arrancando sonrisas y gritos de aprobación. Sin más rodeos, la banda lanzó “Spit It Out”, una de las canciones más agresivas y queridas por los fans. El público respondió con una energía renovada, como si este último tramo del concierto fuera una segunda explosión de adrenalina.

Slipknot cerró su show con “Surfacing” y “Scissors”, dos temas que son un reflejo de la furia y oscuridad que caracteriza a la banda. Cuando los últimos acordes resonaron y las luces se apagaron, la sensación de satisfacción y éxtasis era evidente en cada rostro. El público, exhausto pero extasiado, se despidió de la banda entre aplausos y emociones intensas, agradeciendo por una noche que de forma difícil olvidarán.

La organización del evento parecía impecable y así lo fue, lo que permitió a cada uno de los asistentes disfrutar del concierto en un ambiente seguro y bien controlado. La seguridad fue precisa y suficiente. Un punto que pudo ser mejor fue el escenario que se encontraba hasta el fondo del Parque, la caminata fue larga y se podía sentir la eternidad. La vibración de la música indicó que el escenario estaba cerca y así fue después de varios minutos de caminata.

El parque contó con food trucks de alimentos que iban desde la pizza y hamburguesa tradicional, hasta burritos y botana que los asistentes pudieron disfrutar en bancas suficientes para todos los congregados, antes y durante todo el espectáculo. También hay que puntualizar la limpieza del lugar; aunque hablamos de un parque, la asistencia era suficiente para desbordarse en cúmulos de restos y desperdicios. Sin embargo, eso nunca pasó y los jardines eran cómodos para recostarse y deleitarse del concierto.

La energía se mantuvo al máximo durante toda la noche, y el esfuerzo de Corey Taylor por dirigirse en español a los espectadores fue un detalle que los fanáticos apreciaron de manera amplia. Slipknot no solo cumplió con las expectativas, sino que dejó claro por qué, después de más de dos décadas, sigue siendo una de las bandas más queridas y respetadas del metal.

La presentación de Slipknot en el Parque Bicentenario fue mucho más que un concierto; fue un ritual de comunión entre la banda y sus fans más fieles, un encuentro de furia, energía y agradecimiento mutuo. Cada canción, cada grito y cada acorde fue una celebración de la música que une a esta comunidad de seguidores fieles. La promesa de Corey Taylor de mejorar su español y volver a México es una declaración de la profunda conexión que Slipknot tiene con su audiencia mexicana, y que seguro los fans esperan con ansias. En una industria donde la originalidad, autenticidad y la intensidad son antepuestas por lo comercial, Slipknot demostró que sigue siendo una fuerza imparable, capaz de ofrecer a su público de forma puntual lo que necesita: una experiencia de catarsis total.

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Hipnosis presentó: Wild Nothing en el Foro Indie Rocks!

Trazar melodías a través de la luz, el nacimiento de una imagen musical.

Cada que elegimos escuchar una canción, estamos decidiendo una manera de interrumpir el silencio, de alimentarlo con sonidos, letras y texturas, que a su vez, dan paso a una imagen que muta en algo más. La experiencia musical es una manera profunda de encontrarse con las verdades del mundo etéreo y material. Propuestas como la de Wild Nothing, logran crear un flujo que unifica diversas sensorialidades para, finalmente, deleitarnos con una imagen musical. 

Sin duda, el proyecto musical de Jack Tatum es uno de los más queridos por el público de nuestro país. Después de 15 años de presentarse como Wild Nothing, ha logrado volverse un referente dentro de las diversas propuestas de dream pop de los últimos años. A cinco años de su última presentación en México, anoche la banda fue recibida con gran entusiasmo por los asistentes al esperado show

Para iniciar la noche subió al escenario Bilbao, banda originaria de Monterrey, Nuevo León. A través de temas como “Amor de Furgoneta” y “las calles de mi ciudad”, esta última tocada en compañía de Planeta No, proyecto del músico chileno Gonzalo García, crearon una atmósfera de alegría y celebración. Antes de bajar del escenario Aarón Lozano, vocalista de Bilbao, expresó su agradecimiento y afecto por el público de Ciudad de México y se despidió lanzando flores a los asistentes. 

Fue así como apareció Tatum acompañado de su banda para abrir con el icónico tema “Nocturne” que, de inmediato, inundó de adrenalina el venue. Le siguieron “Suburban Solutions” y “Wheel of Misfortune”, con las cuales nos adentramos en la extensa discografía de Wild Nothing que, por primera vez, nos presentaría temas de Hold, su más reciente álbum. 

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Conforme avanzó la noche, la banda nos envolvió con su manto de incandescencias sónicas. El show estuvo acompañado de una serie de visuales que transportaron al foro a un espacio expandido, donde el tiempo parecía no existir, mientras imágenes poéticas colapsaban con las guitarras destellantes y la batería incesante distintiva del sonido de la banda. Durante el concierto se pudo apreciar un diálogo entre la imagen y el sonido que, en conjunto, aterrizaron en una experiencia audiovisual memorable. 

Con “Shadow” llegamos al punto cumbre de la noche que prepararon los oídos del público para recibir “Dial Tone” de su nuevo álbum. Para cerrar la noche escuchamos “Paradise” que, sin duda, fue el momento más nostálgico de la velada. Con una fecha pendiente aún en Guadalajara, Jack y su talentosa banda se despidieron del foro agradecidos por la calidez y el entusiasmo y con la promesa de volver pronto la ciudad.

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The Marías en Foro Puebla

Una noche transformada en un sueño.

La llegada:

La noche del 11 de junio nos dimos cita en el Foro Puebla para vivir una experiencia mágica en el que sería el primero de cuatro conciertos que dará The Marías en Ciudad de México. La llegada fue muy sencilla, gracias a la buena ubicación del recinto y la proximidad al sistema de transporte Metrobus. En el exterior del recinto, se podía observar una buena variedad de mercancía no oficial de The Marías y a un público ansioso por cruzar las puertas para tomar el mejor lugar posible. 

Desde el primer segundo que te parabas por las proximidades del recinto, podías disfrutar de un público entregado al objetivo de vivir una experiencia inolvidable, con una muestra de compromiso total al ver los outfits invadidos por el color azul, característico del recién lanzado Submarine (2024), o playeras con el nombre e imagen de la banda de Los Ángeles. 

El concierto:

Accedimos en punto de las 19:30 H y encontramos muy buen lugar en una sala que suele ser muy noble con la audiencia por su diseño escalonado. De principio a fin, se sintió un ambiente muy tranquilo, con una atmósfera relajada y que no peleaba por estar hasta adelante, solo importaba obtener un lugar donde se pudiera ver bien el escenario y disfrutar de la totalidad del show

Llegadas las 20:00 H, las luces se apagaron por primera vez, para dar paso a Diles que no me maten, proyecto mexicano que expone un estilo que puede ser difícil de consumir para algunas audiencias pero que, sin duda, sorprendió a varios con su performance crudo y vanguardista que refleja los matices sonoros que invaden las calles de nuestra amada ciudad. 

A pesar de tener un espacio que no superó los 40 minutos, Diles dejó todo sobre el escenario, mostrando su versatilidad y capacidad de adaptabilidad a las situaciones que salen de sus manos. Terminaron su presentación agradeciendo el espacio y a The Marías por la oportunidad. 

En punto de las 21:10 H, las luces se vuelven a apagar desencadenando una reacción de emoción y euforia en el público. Una tenue luz azul se apoderó del escenario, mientras Maria Zardoya, Joshua David Conway, Edward James y Jesse Perlman tomaban su lugar en el escenario para interpretar los primeros acordes de “Hamptons” para poner a bailar a todos los presentes. 

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Durante la primera etapa del concierto pudimos disfrutar de “Run Your Mouth” en la que María aprovechó para agradecer el cariño que estaba demostrando el público, y el lleno que se logró dentro del recinto. “Real Life”, “Only In My Dreams”, “Little By Little” y “Un Millón” terminaron de completar el inicio del concierto, en el que pudimos experimentar una mezcla inmaculada de emociones, guiadas por la hermosa voz de María. 

Con la frase “¿Ya escucharon Submarine?”, comenzamos la segunda etapa del concierto con la interpretación de “Blur”, para dar paso a uno de los momentos más icónicos de la noche, “Para la siguiente canción subiré a una gran amiga mía”, Girl Ultra se unió a The Marías para la interpretación de “Lejos de Ti”. Durante este momento, se percibió un aumento en la emoción de la audiencia que cada vez se mostraba más entregada a los artistas que dominaban el escenario. 

“Ruthless”, “Care For You”, “Love You Anyway” y “Vicious Sensitive Robot” fueron los tracks que completaron esta segunda etapa, siendo “No One Noticed” una de las más emotivas, debido a que María tomó una guitarra y antes de comenzar comentó: “Esta canción es muy especial para mí y espero les guste”. 

Comenzamos la etapa final del concierto con “Ay No Puedo”, y es cierto que con todas las canciones se conseguía un sentir colectivo muy bello, pero sin lugar a dudas, se alcanzaba un aura de complicidad y emoción con la interpretación de canciones en español en la que todos los presentes cantaban al unísono. 

De esta manera llegamos al momento que mayor emotividad causó dentro de la audiencia y de los mismos intérpretes con la interpretación de “Sienna”. “Aquí no se pudo, pero si en un universo paralelo tuviera una hija, se llamaría Sienna. Continuamos con un momento en el que María recordó e interpretó dos de las colaboraciones que más exposición le han dado al proyecto con “Mañana” y “Otro Atardecer”

Cerramos la noche con la interpretación de “Echo”, “Hush” y “Paranoia”, tres tracks en los que pudimos disfrutar de un escaparate del talento de todos los músicos presentes en el escenario, quienes lograron elevarnos a un estado de éxtasis con una increíble ejecución de las piezas, para después ser reconfortados por el silencio total interrumpido por la voz dulce de María. El ritual estaba completado, la gente emocionada, los artistas satisfechos sabiendo que dejaron lo mejor de sí en el escenario. Agradecen y se despiden por primera vez. 

La velada pudo terminar en este momento tan alto, pero se percibía la ausencia de una pieza importante de la historia de The Marías, el proyecto regresó al escenario para la interpretación del encore con “All I Really Want Is You” y “Cariño”, poniendo la cereza en el pastel y con una María entregada a la audiencia lanzándose sobre nosotros para ser cargada a lo largo de la pista.

“Muchas gracias por venir y por disfrutar con nosotros” , de esta manera terminamos una noche que comenzó con el objetivo de ser memorable, pero culminó en un sueño total del principio al fin.

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Deap Vally en el Foro Indie Rocks!

Una despedida estridente y llena de fuzz.

Después de una trayectoria de poco más de una década, el dúo conformado por Lindsey Troy y Julie Edwards se encuentra en medio de su tour final tras anunciar su separación. Deap Vally hizo parte a la Ciudad de México de su gira de despedida con un show estridente, potente y lleno de poder femenino que inundó un Foro Indie Rocks! atiborrado de fans. 

Para calentar motores, la banda nacional Vondré quedó como anillo al dedo con su psicodelia y oscuridad. Temas como “Rotura”, “Lilith” y su nuevo sencillo “Qué linda” fueron bien recibidos por el público. Es una agrupación a la que habrá que seguirles la pista. 

A las 21:45 H salieron por fin al escenario las dos integrantes de Deap Vally con la pinta de boxeadoras entrando al ring e inmediatamente se despojaron de sus chaquetas para revelar sus atuendos de retro-rockeras y tomar sus instrumentos. “End Of The World” fungió como un apocalíptico comienzo, haciendo a los asistentes levantar el puño al unísono con el bombo de Julie.

Foro Indie Rocks Deapvally Luisvictoria 1 El dúo no bajó la energía mientras interpretó temas como “Baby I Call Hell”, con su infeccioso riff principal que fue intensamente coreado por los asistentes; así como “Walk Of Shame”, “Creeplife” y “Gonna Make My Own Money”. Ni la intensa temperatura ni la altura bajaron los ánimos y Lindsey Troy contínuamente intercaló potentes riffs saturados de fuzz y alaridos blueseros con agradecimientos al público por su apoyo. 

El primer álbum de Deap Vally (Sistrionix) fue la estrella de la noche y es que este debut fue tocado en su totalidad para deleite de los fans ya que es su trabajo más popular, está celebrando una década y encima fue regrabado por conflictos con la disquera. Actualmente se pueden encontrar estas canciones con la insignia Deap Vally’s Version en streaming (reminiscente a cierta popstar estadounidense). 

Para “Lies”, Julie Edwards ayudó con sus armonías vocales, mientras que “Bad For My Body” y “Woman of Intention” desataron el caos con su espíritu rebelde que muchos critican que hace falta en el rock actual. “Raw Material” y “Six Feet Under” dieron cierre a la primera parte de la noche con un fondo de luces psicodélicas que añadieron un perfecto estímulo visual. 

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Haciendo su mejor esfuerzo por hablar en español, la baterista dio un emotivo agradecimiento a sus fans que han estado ahí todos estos años, enfatizando a los de las primeras filas que se sabían todas las letras. Ha pasado un largo tiempo desde aquel Corona Capital 2013 en el que se presentaron bajo el potente sol de la tarde. 

El dúo también pidió un fuerte aplauso para los teloneros y dio paso a la segunda sección del concierto con lados B y un par de temas de sus otros discos. Canciones como “Ain’t Fair”, “Bring It On” y “Perfuction” mantuvieron los ánimos a tope en una noche que nadie quería que terminara, pero “Smile More” y “Royal Jelly” fueron la despedida definitiva de Deap Vally para México en medio de gritos y aplausos.

Lamentablemente nada es para siempre, aún le quedan un par de fechas en Europa al dúo para despedirse definitivamente de los escenarios, pero en cuanto a México este fue el adiós y habrá que estar al pendiente por si las integrantes de Deap Vally emprenden nuevos proyectos en el futuro. Nos dejan con cuatro álbumes de impetuoso fuzz rock, furia femenina y buenos recuerdos, una estampa del rock de los 2010 cuya antorcha siguen cargando muchos otros proyectos en la actualidad y que siempre tendrán un público hambriento de riffs distorsionados.

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Tamino en el Foro Indie Rocks!

Sutileza e incandescencia en forma de alquimia musical.

La voz humana es probablemente uno de los sonidos más fascinantes que existen. Desde nuestro interior y hacia afuera, creamos y recreamos a diario nuestro propio sonido, materia invisible, huella de que existimos y de que no hay y nunca habrá otro como nosotros. Los alcances de nuestra voz, en la mayoría de los casos son desconocidos, ¿Qué podríamos hacer con ella si jugáramos y la dejáramos ser en su totalidad? Magia en forma de canción. 

Tamino, músico belga-egipcio, es, sin duda, un experto en la alquimia vocal y anoche lo dejó claro. Por primera vez, el artista se presentó en México con dos fechas abarrotadas en el Foro Indie Rocks! dónde encontró un público que ha esperado por años para presenciar en vivo una de sus hipnóticas presentaciones. 

Desde una hora antes del show, los asistentes comenzaron a llegar, formando una fila que le daba la vuelta al recinto, en espera de encontrar un buen lugar para disfrutar de la prometedora velada. Cómo primer acto, presenciamos a Maya Burns, quien nos deleitó con su propuesta que oscila entre el folk del ranchero y bolero y la frescura del rock. Escuchamos temas como “Alligator Blues” que llenó de energía a los asistentes. Acompañada únicamente de su guitarra, Maya logra crear atmósferas cálidas y envolventes que transforman el entorno en un campo abierto, lleno de vida. 

El tiempo pasaba y la hora de conocer al protagonista de la noche se acercaba. Las luces se apagaron y de inmediato el venue se llenó de gritos, se sentía la emoción en el aire. Así apareció Tamino, iluminado por una delicada luz mientras flotaban suaves nubes de humo a su alrededor. Entre aquel escenario celestial se presenciaba apenas su mirada, y fue así que reveló su voz dejando al público perplejo. “A Drop Of Blood” fue el tema que dió inicio a su presentación. 

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Desde Amir hasta Sahar, Tamino nos guió por una sutil danza de cantos y cuerdas incandescentes, que revelaban un aire de ensueño y libertad. Su proyecto musical se encuentra en un momento álgido, en 2022 liberó su segundo álbum de estudio, Sahar que nos comparte una energía reflexiva y texturas sonoras memorables, donde incorpora el laúd mismo que nos muestra paisajes sonoros de la cultura árabe mientras conversa con sonidos contemporáneos de una manera sinigual. “The Longing” y “The First Disciple” fueron algunos de los temas más aclamados de este álbum que sonaron anoche. 

“Indigo Night” de Amir, su primer álbum, fue probablemente uno de los momentos más hipnóticos de la noche. De manera casi espectral, Tamino inundó el foro con su voz, que resonaba como un huracán etéreo. Pero el momento cumbre llegó con “Habibi” una de las canciones más entrañables del artista que fue coreada con un gran sentimiento por todos los asistentes. Aparentemente había llegado el final, fue entonces que Tamino regresó al escenario para cantar una última canción: “My Dearest Friend and Enemy”

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Escuchar a Tamino en vivo es presenciar un diálogo atemporal de sonidos místicos, que nos lleva a recordar más allá de nuestra memoria individual, una experiencia que nos conecta con una memoria ancestral. 

Con la promesa de volver pronto con el resto de su banda, Tamino se despidió del público y agradeció el entusiasmo con el que fue recibido. Mientras tanto, nos queda el recuerdo del luminoso ritual de estás dos noches, prueba del talento y la algidez de la escena musical del momento.

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Royal Blood en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes

Una larga espera merece una noche llena de headbanging con Royal Blood.

Tuvieron que pasar 10 largos años para que el dúo británico, Royal Blood, les diera un show en solitario a su legión de fanáticos mexicanos. Frescos de su show en Pa'l Norte, Mike Kerr y Ben Thatcher se dieron cita en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes para dar 90 minutos de adrenalina y energía sin parar a un recinto abarrotado de fans ansiosos.

Puntuales a las 21:00 H arrancaron con el furioso riff de dos notas de “Out Of The Black” el cual fue coreado e hizo de las voces del público un instrumento más, cosa que se repitió varias veces a lo largo el show, lo cual habla de lo pegadizos que son los riffs del conjunto. “Mountains At Midnight” es quizás el corte más potente de su nuevo disco Back to the Water Below y fue recibido entre saltos.

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“Come On Over” trajo de nuevo la nostalgia por ese álbum debut homónimo y la respuesta del público abrumó a Kerr, quien agradeció profundamente su energía y el entusiasmo, además de que señaló que ha sido una larga espera y había que compensar por el tiempo perdido. Es increíble el estruendo que pueden causar solo dos personas y cero guitarras eléctricas, solo el característico bajo efecteado del vocalista y la batería de Thatcher (ocasionalmente apoyados por un tecladista para los temas más recientes). “Lights Out” de su segundo álbum fue recibida con el mismo ahínco. 

No todo fue sacudir la melena y dolores de cuello, el dance-punk de temas como “Boilermaker” y “Typhoons” hizo a los presentes sacar sus mejores pasos en medio de las coloridas luces neón que rodeaban el escenario. Los temas de su más reciente disco como “Shiner in the Dark” tuvieron una recepción un poco más modesta, con algunas excepciones como “Supermodel Avalanches” (que por alguna razón fue un bonus track), “Pull Me Through” en cambio fue uno de los momentos más tranquilos de la noche con su vibra bluesera. 

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Después de aquella ligera bajada de ritmo, el violento riff de “Little Monster” y su tempestuoso ritmo cimbraron el Pabellón Oeste, el dúo incluso extendió el popular tema para generar suspenso y darnos un final explosivo con un solo de batería de Thatcher. Contrario a lo que imaginaba, se notó una amplia diversidad en el público, desde pequeños cargados en hombros hasta adultos mayores que no pierden las ganas de rockear duro con los años.

Fueron pocos los cortes de su segundo disco, pero “How Did We Get So Dark?”, el tema titular, no podía faltar. “Tell Me When It’s Too Late” y “Loose Change” cerraron la primera parte de la noche, la cual se fue volando entre la impetuosa marea de gente brincando y una lluvia de cerveza en la sección de enfrente.

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No es un show en México sin el tradicional “olé, olé, olé (inserte nombre de la banda)” como invitación a regresar para el encore. A modo de complacencia, dieron gusto a las peticiones de los fans y debutaron “Limbo” en este tour, una última oportunidad para bailar al ritmo de sintetizadores y ominosos riffs aderezados por el pedal octavador de Kerr, su arma secreta. Naturalmente “Figure It Out” fue la encargada de decir adiós al público mexicano, su intro es perfecta para probar las aguas y hacer de los aplausos del público el bombo perfecto y su outro es una bomba de frenesí perfecta para una última sacudida antes de partir a casa. Kerr y Thatcher se quedaron un momento para absorber los vitoreos y aplausos de la audiencia en medio del feedback del bajo distorsionado. Así concluyó el debut triunfal en solitario en México de Royal Blood.

La competencia era dura con Blink-182 tocando al lado en el Palacio de los Deportes, pero eso no les quitó a su fiel público. Se podría decir que así como se fueron volando los años desde que escuché por primera vez su álbum homónimo cuando entraba a la universidad por el lejano 2014, también se fue volando la hora y media de Royal Blood en aquel pequeño recinto. 

Así como han generado congregaciones inmensas en festivales en México y considerando lo rápido que fue sold out este show, estoy seguro que son capaces de llenar espacios más grandes, pero la intimidad que genera tener de cerca a una banda de rock de esta magnitud es algo bastante especial. Esperemos que no tenga que pasar otra década para que sus seguidores mexicanos de hueso colorado (y otros tantos que no consiguieron boleto para esta fecha) puedan vivir esta experiencia de nuevo. 

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Pitchfork Music Festival CDMX: Sky Ferreira en el Frontón Bucareli

El talento femenino iluminó el Frontón Bucareli.

El tercer día de la primera edición del Pitchfork Music Festival CDMX llegó al Frontón Bucareli con un cartel de talentosas mujeres en el marco del 8M.

La encargada de iniciar la noche fue la originaria de Saltillo, Noa Sainz, quien desde la primera canción buscó animar al poco público que había llegado temprano al recinto. Su sonido R&B se ganó los oídos de los afortunados que pudieron presenciar su set, el cual incluyó “Azul” de su álbum debut, mismo que llegará este 15 de marzo. Además, contó con la aparición especial de Vanessa Zamora para interpretar “Castillo de Arena”. Hacia el final de su show de media hora, el público logró encenderse y cada vez había más gente en el venue de la colonia Juárez.

NOIA tomó el escenario puntualmente, ataviada con un outfit negro y unas mangas onduladas con detalles blancos. Acompañada de visuales proyectados en las pantallas y tres sillas plegables, su set desbordó una gran energía entre su sonido pop y el performance que hacía en cada tema. La española deleitó a sus seguidores interpretando canciones tanto de sus primeros lanzamientos como de gisela, su disco más reciente, del cual se desprenden “reveal yourself” y “estranha forma de vida”. La cantante decidió bajar a saludar al público durante la última canción, sin embargo, el audio se cortó abruptamente a media interpretación, pero los gritos y el ánimo del público hicieron que un momento incómodo se convirtiera en un gran cierre.

En punto de las 22:10 H, Yeule subió a la tarima al lado de su baterista. La artista de Singapur fue recibida con gritos mientras revelaba su atuendo, el cual consistía en un par de alas de pájaro, una falda blanca y una blusa y corbata negras. Sin duda era de los actos más esperados de la noche y la gente aprovechaba cada momento entre canciones para gritarle cuánto la amaban, a lo que la artista respondía que era recíproco y que la CDMX era el lugar donde más cariño ha sentido. A pesar de que hubo un par de fallas técnicas con sus guitarras, Yeule logró mantener los ánimos muy elevados gracias a su carisma y gran poderío en el escenario, como fue el caso de “aphex twin flame”, una de las últimas canciones de su set.

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Finalmente había llegado el momento de disfrutar del regreso de Sky Ferreira a México después de casi 10 años de ausencia. Sin embargo, pasaba el tiempo y la cantante no aparecía en el escenario. Pasados 40 minutos, la audiencia empezó a chiflar y gritar en desesperación por no saber qué sucedía con el concierto, hasta que las pantallas del Frontón Bucareli proyectaron el mensaje: “Gracias por su paciencia, Sky Ferreira presenta una complicación de garganta. El show SÍ se llevará a cabo, les pedimos su apoyo para cantar con ella y ayudarla en este momento”.

La incertidumbre se mantuvo durante unos minutos más, hasta que a las 00:15 H finalmente subieron al escenario Sky y su banda. “No tengo voz, no se supone que debería cantar, pero vine y quiero hacerlo, así que necesitaré de su ayuda para que no pierda mi voz. Espero que tenga sentido, es por eso que me tomó un segundo llegar aquí”, dijo la estadounidense antes de iniciar su presentación con “Boys” y “24 hours”, la cual reinició tras tener algunas complicaciones.

A pesar de su molestia en la garganta, la voz de Sky sonaba bastante bien y solo en algunas ocasiones se escuchaba ronca o no alcanzaba las notas. Sin embargo, el constate apoyo del público la mantuvo motivada a seguir adelante con un set que no siguió el orden previsto de las canciones.

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Además de escuchar el icónico Night Time, My Time casi en su totalidad, Sky Ferreira nos deleitó con sencillos como “Lost in My Bedroom”, “Downhill Lullaby” y su más reciente, “Don’t Forget”. Mención especial para su banda, pues cada uno de sus músicos dio todo de sí para lograr que cada canción sonara a la perfección.

Sky aprovechaba las pausas entre canciones para tomar tragos de té de un termo, así como para disculparse constantemente por su voz, aunque realmente logró regalarnos una excelente interpretación de “Heavy Metal Heart”. Hacia el final de su presentación era evidente que estaba batallando más con su garganta y se notaba en temas como “You’re Not The One” y “I Blame Myself”, con la que decidió terminar el show, no sin antes tomarse unos momentos para agradecer a la audiencia y disculparse de nueva cuenta para abandonar corriendo el escenario.

Sin importar las complicaciones de la cantante, su presentación dejó satisfechos a la mayoría de los asistentes, quienes también disfrutaron de algunos de los actos femeninos más interesantes de la escena musical alternativa actual. Quizás el Pitchfork Music Festival CDMX podría mejorar realizándose en otro venue o con menos inspecciones y cateos en pleno concierto, pero la calidad de artistas que se presentaron en este tercer día sin duda es un paso adelante en la primera edición del festival en nuestro país.

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Wilco en Frontón México

Un viaje a través de paisajes sonoros.

Tras tres años sin visitar la CDMX, Wilco nos llenó el corazón nuevamente, esta vez dentro del Frontón México, lugar que fue rediseñado de forma horizontal a lo largo del recinto, con el fin de brindarnos una mejor experiencia con mayor comodidad, aunque esto implicara un poco de confusión entre los mismos organizadores al momento de asignarle asiento a los asistentes.

Mint Field fue la banda invitada a abrir el concierto y aunque el recinto no se notaba lleno para el momento de su presentación, la conexión creada con el público fue palpable, pues durante su set se percibió ese silencio causado por la introspección al que su música te transporta, apagado por el estruendo del aplauso al final de sus canciones.

La expedición por este viaje sonoro comenzaba. Desde el momento que el enigmático frontman Jeff Tweedy subió al escenario el público enloqueció, a lo que sonriente nos agradeció con su clásico gesto de quitarse el sombrero, y sin más preámbulo “Infinite Surprise” fue el tema que inauguró el recital.

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El setlist fue curado cuidadosamente, siendo el nuevo álbum Cousin el más tocado, sin embargo dio un recorrido por más de nueve álbumes para buscar darnos una pequeña muestra de su gran trayectoria. “Imposible que toquemos todas nuestras canciones, pues tenemos 800, así que solo tocaremos 500 de ellas”, nos mencionó irónicamente Jeff.

Uno de los aspectos a subrayar del show es la impecable pericia musical. Cada miembro de la banda demuestra una maestría en sus respectivos instrumentos, creando un entorno musical tan rico y dinámico como en sus grabaciones de estudio, destacando el virtuoso trabajo de la guitarra de Nels Cline, pues le añade complejidad y emoción a la majestuosidad de cada canción. La química entre los miembros de la banda es evidente, creando una sinergia musical que elevan la experiencia de su acto en vivo.

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La habilidad que tiene Wilco para reinventar sus propias canciones al momento de ejecutarlas es impresionante, por lo que el público se emocionaba al notar la evolución de sus canciones preferidas con jams extendidos o reinterpretaciones experimentales. Se nota el interés de la banda en brindar una experiencia única para las distintas audiencias ante las que se presentan.

La presencia en el escenario de Jeff Tweedy es magnética. Su emotiva y aclimatada voz resonaba suavemente por el recinto, conectando profundamente con canciones como “Hummingbird”, “Soldier Child” o “Impossible Germany”, manteniéndonos atentos en todo momento. Mint Field acompañó a la banda norteamericana a interpretar “Jesus, Etc.” con un bellísimo resultado, aunque con un par de fallas en el micrófono de Estrella.

De fondo, ligeras cuerdas fueron alineadas forma minimalista, fungiendo como lienzo para los visuales proyectados durante el show, complementando las texturas sonoras. De igual forma la iluminación jugó un rol crucial al transformar el sentimiento a transmitir en cada canción, pasando de la pasividad y tranquilidad del agua, al caos que puede traer una tormenta eléctrica, y a su vez retornar rápidamente a la paz que su música transmite.

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Tras una breve pausa, el momento climático del show llegaría, pues la energía con la que “Via Chicago”, “California Stars” y “Spiders” fuesen interpretadas eran acompañadas por las palmas y los cánticos del público, y aunque al principio la coordinación no fue nuestro fuerte, volvimos a intentarlo con mayor entonación y sincronía.

El espectáculo de Wilco fue una masterclass en arte musical, desde su forma de contar historias, la intensidad de la interpretación y cada elemento dispuesto sobre el escenario, todo contribuyendo para brindarnos una noche inolvidable, tanto para los fans más devotos como para aquellos que los veían por primera vez, mostrándonos el poder de la música para conectarnos, inspirarnos y elevar nuestro espíritu.

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Show Me The Body en el Foro Indie Rocks!

Una noche frenética y explosiva llena de acción y mucho mosh pit.

En la vida de todas las personas hay días que no se olvidan, estos pueden ser alguno que haya marcado nuestro pasado, alguna fecha importante, nuestro cumpleaños etc., pero la noche del sábado 2 de diciembre del 2023 es una fecha la cual pocos van a poder olvidar. La primera vez que alguna banda viene a tocar a tierras mexicanas se pueden esperar varias cosas que muchas veces salen mal, para Show Me The Body no fue así en ningún momento ya que la agrupación oriunda de Nueva York vino con intenciones de darnos un show cargado de adrenalina solo apto para los más fuertes a la hora de estar en el mosh pit.

Antes de que todo esto pasara el Foro Indie Rocks! fue testigo de dos agrupaciones mexicanas que dejaron todo en el escenario y sus seguidores fueron felices al escucharlos en vivo, la primera agrupación en tomar control fue Dismorfia, banda de grindcore y punk originarios de la Ciudad de México que llegaron con letras cargadas de verdad tocando temas como la desigualdad, la guerra y la miseria, después de ellos venían los favoritos de muchos presentes ya que desde antes de que tocaran ya estaban ovacionándolos. Flores y Fuego, cuarteto de punk y hardcore originarios de Guadalajara pusieron a todos a bailar con temas como “Muerde el Anzuelo” y “Circulo Vicioso”, en ambas bandas podemos ver el poder femenino de sus vocalistas y el dominio absoluto que tienen para tomar control de cualquier escenario ya que desde el primer tema no hubo un solo momento de tranquilidad para los asistentes.

Eran las 22:00 H en punto cuando las luces se apagaron para dar inicio al acto principal, Show Me The Body por fin se apoderó del escenario, al iniciar la agrupación los únicos 3 minutos de tranquilidad de toda la noche se hicieron presentes al empezar su presentación con “Out of Place”, seguido de esto “Boils Up” nos daba la bienvenida a la noche más hardcore del año, en la parte delantera los seguidores de los neoyorkinos en todo momento animaron la velada con un mosh pit potente en donde salió volando de todo.

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Seguido a esto “Food From the Plate” y “We Came To Play” sonaron siendo estas consentidas de los seguidores de la banda quienes cantaron a todo pulmón las letras de estas mientras seguían empujándose en armonía con las líneas del banjo de Julian Cashwan, después de “Radiator” vino el tema favorito de muchos, finalmente “Loose Talk” se hacía presente en el escenario y la energía de todos los asistentes se hacía presente.

La verdadera sorpresa de la noche vino cuando el trio hizo un homenaje a los Beastie Boys al tocar “Sabotage”, seguido de “Camp Orchestra” intercalado con la balada “Metallic Taste” para retomar la parte final de la primera canción. En la última parte del recital pudimos escuchar demás favoritas de los fanáticos para que Show Me the Body terminara su tan esperado debut en México, sin duda alguna es una banda que mantiene vivo el verdadero espíritu del hardcore y que en un futuro cercano crecerá demasiado y lograra el estatus de banda de culto, una noche llena de adrenalina, mosh pit y punk que jamás se ira de la memoria de los asistentes que pudieron presenciar esta catedra de como mantener vivo el espíritu del hardcore neoyorkino.

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Road to Hipnosis: Melody’s Echo Chamber en Foro Indie Rocks!

Como parte de la fiesta de Hipnosis, Melody’s Echo Chamber dio un sideshow lleno de dulces sonidos reverberados.

Aprovechando su visita a México durante el festival Hipnosis, la agrupación encabezada por la francesa Melody Prochet se dio cita en el recinto de la colonia Roma para dar un show más íntimo a sus fans. Pero antes, Petite Amie calentó el escenario con sus melodías atmosféricas encabezadas por sus dos vocalistas, el quinteto capitalino quedaba como anillo al dedo para ambientar al público.

Después de ofrecer 40 minutos de psicodelia pop con letras fluctuantes entre francés y español con una clara influencia de la banda titular del concierto, se despidieron agradeciendo el cálido recibimiento y. en punto de las 22:00 H. bajó al escenario Melody’s Echo Chamber en medio de una fuerte ovación. Las primeras notas sabor Raga de “Some Time Alone, Alone” causaron euforia entre los espectadores de abajo y del balcón superior del Foro Indie Rocks!, inundados en medio de visuales coloridos y psicodélicos de la naturaleza y los elementos.

“Where the Water Meets the Illusion” y “Looking Backward” de su más reciente álbum fueron recibidas con entusiasmo en seguida. Los sonidos de Melody’s Echo Chamber no inspiran precisamente bailar, pero tampoco sacudir la melena, sino un punto medio. Un estado de ánimo para dejarse llevar, incluso cerrar los ojos momentáneamente y dejar volar la imaginación.

La vocalista de la agrupación inspira timidez a pesar de estar celebrando una década de su aclamado álbum debut, pero las pocas veces que se dirigía al público demostraba su gusto por estar ahí y su agradecimiento, no obstante empezó a mostrar más soltura a lo largo del show. Su discografía es pequeña, pero aún así nos llevó de la mano entre sus primeros temas como “Mount Hopeless” hacia el presente con “Personal Message” y a “Pêcheuse de lune”, corte de su álbum perdido y recientemente recuperado.

Con “Endless Shore” aumentaron los decibeles y recordamos el sonido más distorsionado y shoegaze de sus inicios, mientras que para su más reciente sencillo (en colaboración con Crumb), “Le Temple Volant”, la banda toma un enfoque más delicado.

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La segunda mitad del show no hizo más que escalar en emoción e intensidad comenzando con “Crystalized”, quizás el momento más estremecedor y el cual se convirtió en una extendida sesión de improvisación. Con “Shirim” bailaron las almas entre dulces acordes limpios y “Bisou Magique” ahogó el lugar con sonidos y paisajes de otro mundo. Los visuales fueron una parte muy importante del momento, definitivamente convierten un show musical como este en una experiencia memorable.

El tema reciente “Visions of Someone Special” de nuevo destaca una influencia oriental y misticismo, cosa que aplaudo puedan plasmar en vivo usando los típicos instrumentos de una banda de rock y un teclado. El quinteto se despidió por primera vez del público con agradecimientos y un despliegue de habilidad en los instrumentos y para hacer ruido durante “Quand les larmes d’un ange font danser la neige”.

En México existe un público considerable para la música psicodélica y Melody’s Echo Chamber, banda inicialmente apadrinada por Kevin Parker, ha sido recibida con la más cálida bienvenida en el país desde sus inicios. En el balcón superior pude apreciar a un par de personas mostrando orgullosamente sus vinilos de la banda (quizás con la esperanza de recibir un autógrafo luego) y no tardaron ni tres minutos los aplausos e imploraciones del público en hacer a la cantante y a su banda regresar para un par de temas más.

Por supuesto, “I Follow You” fue una de las canciones más esperadas de la noche y una lluvia de celulares arriba. 10 años después, el sencillo de su primer álbum sigue trayendo fuertes emociones y nostalgia, su outro y su respectivo solo de guitarra aullador siguen poniendo la piel chinita. Las notas de teclado de “Quand Vas Tu Rentrer” acompañada en el arranque solo por la dulce voz de Melody bastaron para mantener los ánimos a tope hacia la recta final con “Cross My Heart”.

Conmovida se quedaría corto para describir la impresión de Melody Prochet al despedirse del Foro Indie Rocks! (con todo y su doctor Simi que alguien logró escabullir). El sábado 4 de noviembre Melody’s Echo Chamber se estará presentando una vez más en el mismo escenario que Temples, Toro y Moi, The Flaming Lips y muchos otros durante la edición 2024 de festival Hipnosis y seguramente será otro show imperdible para los amantes de la música que eleva a otros planos sensoriales.