Fotografo: Ernesto Pareja @holaernie

James Blake en el Pepsi Center WTC

Delicadeza sonora entre beats profundos y confesiones musicales.

El pasado martes, el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México fue testigo de un espectáculo inolvidable con James Blake como protagonista. El cantautor británico, maestro en fusionar lo emocional con lo experimental, ofreció una experiencia única que resonó profundamente entre los asistentes.

Desde el primer acorde hasta el último aplauso, los escuchas fuimos transportados a un espacio donde las emociones se tradujeron en vibraciones y melodías sin igual. Con cada interpretación, Blake demostró por qué es considerado uno de los artistas más influyentes de su generación.

El show comenzó a las 20:00 H. con Airhead nombre artístico de Rob McAndrews, un talentoso músico y productor británico conocido por su constante colaboración con Blake y su estilo distintivo en el universo de la música electrónica  que tocó una mezcla suave deleitando al público. Su fusión de música vino bien para lo que James nos tenía preparado.

Airhead ofreció un set que sirvió como la introducción perfecta al universo sonoro de la noche. Con un enfoque minimalista pero emotivo, su música llenó el recinto con paisajes sonoros construidos de forma cuidadosa y precisa, el sonido estuvo caracterizado por texturas ambientales, ritmos complejos y progresiones melódicas que invitaban a sumergirte en una mirada interna profunda.

Rob McAndrews, ha acompañado a James en numerosas ocasiones y, sin duda, conoce al público brindando un excelente acompañamiento y como el génesis de una noche íntima y alucinante, sentó bien.

Aunque Airhead no es un nombre tan conocido como James Blake, su acto de apertura en el Pepsi Center WTC dejó una impresión con buen sabor en la boca. Logró capturar al público presente con su habilidad y talento para crear momentos de calma profunda, seguidos por explosiones rítmicas que llenaban el espacio. Fue la introducción ideal para una noche que estallaría en talento, preparando a los asistentes para la intensidad emocional que vendría después con Blake.

En resumen, Airhead no solo cumplió con el papel de telonero, sino que demostró ser un artista completo, capaz de sostener su propia narrativa musical mientras complementa de manera perfecta el espectáculo principal. Su presencia en el escenario fue un recordatorio del nivel de talento y visión que acompaña a James Blake en su gira, haciendo de la presentación una experiencia única.

James Blake (1)

Pasando las 21:00 H. los fanáticos y el público en general ya estaba listo para ver en escena a James Blake, el ambiente imperturbable y relajado se respiraba en el recinto, no había prisa; cuando las luces se atenuaron y los primeros sonidos se hicieron presentes, el lugar se desmoronó entre gritos y aplausos que dieron pie a la primera canción, “Life Round Here”, marcando el tono del espectáculo: una atmósfera etérea donde las luces se movían en perfecta sincronía con los beats, creando un entorno íntimo. Desde el inicio, James Blake supo establecer un puente con el público. A lo largo de la noche, su capacidad para transformar un recinto enorme en algo entrañable y personal fue uno de los puntos más destacados.

Para el tercer tema James ya había hecho magia atrapando a los asistentes que comenzaron a cantar al unísono, uniendo sus voces. En ese momento, se podía sentir la conexión interna que Blake genera a través de sus letras repletas de una melancolía delirante, y de esos beats únicos que parecen resonar en lo más profundo del pecho. Fue el inicio de una montaña rusa emocional que iría en crescendo hasta alcanzar momentos de gloria absoluta.

El primer gran estallido emocional llegó con “Mile High”, una canción que logró conquistar por completo a su público más leal. La producción minimalista y su voz como un susurro hipnotizante, se combinaron para crear un momento de profunda intimidad. Pero lo que realmente destacó fue cómo James involucró a sus fans, invitándolos a corear el estribillo de “Say What You Will”, lo que creó una atmósfera cálida y de comunión única.

Con cada intervención que tenía después de cada canción, James se mostró bromista, agradecido y cercano. “Gracias por estar aquí”, dijo en un momento, antes de bromear y arrancarnos algunas risas. Este tipo de interacciones, lejos de ser simples cortes entre canciones, añadían un grado más humano al show, permitiendo que la audiencia lo conociera más allá del sonido que emana desde el escenario.

La libertad del artista independiente.

Durante la noche, Blake tomó un momento para compartir una noticia de gran relevancia y significado con sus seguidores. Con humildad, explicó que había decidido convertirse en artista independiente, una decisión que, según sus palabras. "No fue fácil, pero ahora puedo disfrutar de mi libertad creativa", comentó, provocando una oleada de aplausos. Estas palabras no solo dieron contexto a su presente y al futuro que tiene por delante, porque también declaró que está por lanzar un nuevo álbum. La noticia desató una euforia colectiva que Blake recibió con gratitud y dio paso para interpretar “Thrown Around”, un tema que resonó como un eco de esa independencia recién adquirida.

James Blake (6)

El escenario carecía de adornos y era innecesario ya que contaba solo con una batería, un sintetizador y un teclado. Esto resalta y demuestra el talento puro de James y su equipo, que supieron llenar el recinto con un sonido envolvente y profundo. En un momento de la noche, presentó a cada uno de sus músicos, agradeciendo su aporte para lograr el set de la velada, marcando la humildad y sencillez del artista.

Las canciones fueron ejecutadas con una precisión casi perfecta, pero sin perder la calidez emocional que caracteriza a Blake. Temas como “Godspeed” y “Loading” llevaron a los asistentes por un viaje emocional, mientras las luces dibujaban patrones que parecían bailar al ritmo de la música.

La velada alcanzó su punto más alto con “Retrograde”, donde logró el clímax de la noche, el sencillo es una de sus canciones más emblemáticas y el público estuvo acompañado por luces que parecían palpitar al ritmo de la música, dejando a todos sin aliento. Desde los acordes iniciales que provocaron una ovación inmediata, y al terminar. 

Aunque el concierto parecía haber llegado a su fin, los gritos de “¡Otra!” no tardaron en llenar el recinto. El británico no se hizo de rogar y volvió al escenario para ofrecer un último tema. Las primeras notas estallaron como una estrella en el espacio, dejando rastros de intimidad y belleza que fue creciendo hasta llenar a cada asistente y cada rincón del lugar, Blake dejó a todos los escuchas con un sentimiento de plenitud, llenos y agradecidos por la noche espectacular.

Un cierre para recordar con simpleza y magia.

Al finalizar, Blake se acercó al borde del escenario para interactuar con algunos fans, firmar discos y entregar el setlist de la noche, un gesto que marcó su aprecio por el público y por quienes lo acompañaron, cerrando la velada con broche de oro.

El concierto de James Blake en el Pepsi Center WTC no necesitó de grandes visuales para brillar. Su fuerza radica en su talento innato, la lírica profunda y beats que llegan hasta la médula, llevando a los presentes por un viaje inigualable, el cantautor tiene la capacidad para emocionar con una voz suave y su música son elementos que manejó con maestría.

Sin embargo, un aspecto que podría mejorar es la falta de equilibrio entre las canciones más íntimas y atmosféricas y aquellas que invitan al público a moverse con el ritmo del beat que, por momentos, te llevaba a un espacio más desatado y libre, hubo algunos momentos que corrieron el riesgo de volverse demasiado íntimos y personales para un evento masivo, pero su destreza y talento logró culminar de forma exitosa.

James Blake logró algo que pocos artistas pueden: transformar un espectáculo de calidad masiva en una experiencia de manera muy personal para cada asistente, conectando con cada uno de ellos y brindando un toque de humor y grandes momentos de libertad. Con un setlist muy cuidado y puntual, una producción impecable y una sinceridad que desarmaba, la noche quedó grabada en la memoria de quienes tuvieron la fortuna de estar presentes.

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Simi Fest 2024 en Parque Bicentenario

Fiesta de virtuosismo, peluches y botargas por una buena causa. La primera edición del Simi Fest dejó a todos sonriendo.

Los festivales de música tienen que ser más accesibles. Y no solo hablo del costo de los boletos, sino del horario, por ejemplo, ya que alcanzar Metro o Metrobús significa, para decenas de miles, la diferencia entre pagar $5.00 MXN o pagar $500.00 MXN en un taxi de aplicación. También se pueden hacer más accesibles en cuanto a los espacios entre bandas para que escuchar música a todo volumen no nos sature. Y, finalmente, podrían ser más accesibles en cuanto al ambiente, para que quien paga por ir no sienta que le están haciendo un favor por traer a sus bandas favoritas, sino que le incluyan en actividades sanas y divertidas, y parece que el Simi Fest entendió perfectamente cómo conectar en estos tres aspectos.

Luego de que irrumpiera en los festivales en 2022 la figura del Doctor Simi, famosa botarga que está en todo México animando al consumo de medicamentos, la marca ha aprovechado para hacer llegar a los jóvenes sus iniciativas en pro de la salud y las ayudas a personas en condiciones vulnerables, así como el cuidado del medio ambiente.

Pero seamos honestos, ir con peluches a los festivales no es algo nuevo. A finales de los 90 e inicios de los 2000 los fanáticos del ska iban a los toquines con peluches de Plaza Sésamo, mientras que los fans del surf hacían lo propio con figuras de la caricatura Mucha Lucha.

En el caso del ska, podría significar la "infancia perdida", como alguna vez narró Dr. Shenka, vocalista de Panteón Rococó, mientras que en el caso del surf era la relación directa que se tiene con la lucha libre.

Ahora, tras la pandemia, ir a un festival es todo un ritual para miles. Desde el outfit hasta el maquillaje y, por supuesto, las expresiones que nunca se deben limitar, donde el Dr. Simi encontró un lugar, ya sea como un 'reconocimiento' a los artistas internacionales o como un homenaje a su estilo. En cualquiera de los casos, es un referente de cómo asimilamos los conciertos y festivales en una época donde prácticamente a diario hay un evento musical relevante en urbes como la Ciudad de México.

Es entendible que el Dr. Simi tuviera su festival, que fue acompañado por un atardecer colorido en el Parque Bicentenario y un ambiente alegre.

Hitazos de años pasados y nuevas propuestas en el Simi Fest

Desde muy temprano y con imágenes del Dr. Simi por dónde sea, el Simi Fest arrancó con Romoo, quien recibió a los primeros asistentes con su propuesta pop bailable y melancólica.

Siguió Ruzzi, la reconocida artista y productora mexicana que se midió ante una tarde intensa y calurosa y que dio un repaso por su carrera, acompañada de invitados como Miranda Santizo.

Más tarde llegó el turno de Ely Guerra, quien a lo largo de este año ha presentado un set introspectivo, donde destaca el uso de formatos acústicos que dan drama y potencia a su interpretación.

Con Motel comenzaron los saltos y las ovaciones, ya que su energía en el escenario se tradujo en cánticos desenfrenados y que muchos usaran los muñecos Simi que regalaron para levantarlos y hacer una especie de océano de peluches. "Dime Ven" y "Lejos Estamos Mejor" fueron algunas de las canciones más destacadas dentro y fuera del Simi Fest, ya que hubo decenas de personas que desde afuera, y ubicadas en las partes altas del Parque Bicentenario, observaban a las bandas. Algunos de ellos con pizza y refresco, como una idea fantástica de picnic.

Technicolor Fabrics siguió el ritmo y dejó bien plasmado su estilo y baile pese a algunas intermitencias con el audio. Además, la agrupación destacó por su buena vibra y por su excelente ejecución.

El volumen subió con Plastilina Mosh, la banda regia más chilanga del país, que volvió a los orígenes y prendió a la gente con improvisaciones, la implementación de secuencias y canciones que la mayoría sabemos de memoria.

Simi Fest Parque Bicentenario Ernesto Pareja (15 Of 30)

En este punto, y más allá de las bandas, entre el público pasaba algo interesante. Las botargas de Dr. Simi, así como de otros patrocinadores, se paseaban entre el público, animaban a bailar e incluso armaron el slam.

Otras botargas más, sabiendo que el público las observaba, intentaron que los vendedores de cerveza se pusieran 'la del Puebla', aunque sin mucho éxito. Parece que esto fue una buena apuesta, ya que la gente se entretuvo no solo con lo que vio en el escenario, sino con el ambiente que tenían a un lado.

Bombas de vida y un mensaje del Papa Francisco

Pasadas las 18:15 H, Víctor González Herrera, CEO de Farmacias Similares, ofreció un mensaje en el que recordó que lo recaudado del boletaje iba para obtener bombas de vida, que son bolas de arcilla que contienen semillas, composta y tierra y se utilizan para reforestar zonas a las que no es fácil el acceso.

Se informó que a esa hora iban más de 23 mil paquetes de bombas de vida, mismas que se utilizarían para la reforestación, por lo que agradecieron a los asistentes por contribuir al medio ambiente con la compra de sus boletos, así como a quienes contribuyeron mediante otras vías.

Luego, leyeron un mensaje del papa Francisco, relacionado con el cuidado del medio ambiente y de que, como comunidad, se cuide la casa en la que viven todos, que más allá de la religión, empataba con la intención de cuidar al planeta que traía detrás la iniciativa del festival.

Posteriormente entró un 'ejército' de doctores Simi a bailar en el escenario, con lo que animaron a la gente con sus coreografías y pasos 'chuscos' de baile.

Jungle y el dominio del éxtasis

Cayó la noche y bajó la temperatura, y fue ahí cuando las letras de Jungle se pintaron de naranja y la virtuosa banda salió al escenario del Simi Fest.

Fue una hora y cuarto de energía, baile, emoción y fiesta. La gente retó al viento y se puso a bailar. Una vibra bastante positiva con miles moviéndose y coreando música bien ejecutada, y es que era emocionante saber que podías escuchar perfectamente una guitarra ligera haciendo palm mute o unas maracas.

Los mexicanos, fans de Jungle, y Jungle, fans de los mexicanos, lograron una conexión muy linda de ver, en la que bastaba el sonido de un sintetizador para que identificaran la canción.

Simi Fest Parque Bicentenario Ernesto Pareja (21 Of 30)

Además, presentaron nueva música y retomaron temas icónicos de la talla de "Keep Moving", "Casio", "Busy Earning" o "Holding On".

Parece que Jungle encontró en los festivales mexicanos un área de oportunidad para consolidarse y también para dar mucho a su público, y con su presentación en el Simi Fest nos damos cuenta de la fortaleza que tiene su relación con el país.

El regreso de Anderson .Paak a México

Sonriente, brillante y poderoso. Anderson .Paak firmó un regreso histórico a México luego de años de su última visita, y acompañado de The Free Nationals dejó un cierre intenso y electrizante en el Simi Fest.

A veces corriendo por el escenario, y en otras ocasiones pegando fuerte desde su batería, el artista dejó una presentación en vivo notable junto con su banda. Todo encajaba perfecto, todo salía bien, y la música era algo diferente a cualquier otra sensación. Además, en la lista de invitados estuvo el rapero mexicano Alemán.

Repasó éxitos, tocó algunas de sus primeras canciones y le dejó en claro a México que extrañaba venir, y pese al tiempo, se notó su cariño y vínculo con miles de fans, quienes aguantaron las bajas temperaturas y la alerta naranja por frío en Azcapotzalco, con temperaturas mínimas de 1 grado de acuerdo con Protección Civil.

Simi Fest Parque Bicentenario Ernesto Pareja (28 Of 30)

El despliegue de las coristas, los músicos y el propio Anderson .Paak fueron alucinantes, y si el público no respondía bailando lo hacía asombrado y gritando cada solo, despliegue artístico o grito de agradecimiento, una verdadera fiesta para el cierre del festival, que promete volver.

Los festivales de música deben ser más accesibles

La valla de hasta adelante en un festival es de lo más interesante, te encuentras a gente que viajó de diversas partes del país para ver a un artista, o que llevan horas aferradas a ese lugar con tal de estar lo más cerca posible, de respirar el aire de sus ídolos.

Un joven nos contó que llegó desde las 14:00 H, y a pesar de que hubo un problema al momento de escanear sus boletos digitales, logró llegar hasta adelante para ver a Jungle, y como reconocimiento se llevó una baqueta de la banda y el setlist. Más allá del cansancio, su emoción se contagiaba.

Otro más se aventuró a la parte de la valla a la hora de Anderson .Paak. Traía en sus manos el álbum Ventura, lanzado en 2019, y coreaba cada una de las canciones. Se veía desbordado y con una emoción que solo da el esfuerzo de esperar durante horas, que pocas veces se reconoce.

Por esa gente, a la que posiblemente le costó mucho tiempo y esfuerzo ir a ver a sus bandas favoritas, y por aquellos que quieren disfrutar de la música en ambientes sanos o pasarla bien con amigos sin comprometer sus finanzas y su seguridad en las noches es que los festivales de música deben ser más accesibles, y el Simi Fest es el ejemplo de que pueden haber muchos cambios para bien.

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Corona Capital 2024 (Día 2)

¿Quién decide al headliner

A veces me gustaría que todos los festivales duraran solamente un día, porque tener casi 30 y querer seguir viviendo la música es cansado, jefe; pero bueno, eso es imposible cuando es gigante la cantidad de artistas en el cartel, lo cual eventualmente te lleva a la gran probabilidad de no poder ver un set completo en todo el día. ¿O sí?

Por la tarde el sol estaba potente, pero no insoportable y, sorprendentemente, durante la noche el frío no fue bestial como en los últimos años, así que llegar tempranito para escuchar a Michelle y EKKSTACY fue una buena decisión. Primero una girl band que, entre coreografías perfectamente planeadas y coros muy cute, me hicieron sentir como en los 2000; por otra parte un morrito que, si no lo conoces, eres juzgón y solo lo observas, podrías pensar que va a cantar cualquier otra cosa que no sea rock alternativo con algunos destellos de post punk.

Después de ello iniciaron diversas presentaciones de bandas y artistas que han visitado México al menos una vez desde que el mundo volvió a ser el mismo tras esa época horrible de conciertos en línea. Una de ellas fue mxmtoon, que no importa el día, la hora ni el lugar, siempre logra crear una atmósfera dreamy en la que se siente que nada malo va a pasar. 

Primal Scream-2024

Black Pumas reunió una gran cantidad de personas para hacer sonar sus mejores canciones en el escenario Corona Cero y, al mismo tiempo, pero del otro lado del Autódromo Hermanos Rodríguez estaba American Football, que visitaba México por primera vez y lo gozó al máximo.

Entre canciones clásicas y otras tantas nuevas de Got a Story to Tell, Thee Sacred Souls armonizó el momento más romántico, mágico y especial del Festival Corona Capital. Pero si el amor te da flojera, podías encontrar a St. Vincent en el escenario principal, lugar indicado para que demostrara por qué la guitarra es su mejor amiga. 

 

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Llegó un momento conflictivo en el día, decidir si ir a Jessie Reyez, Primal Scream o a Boy Harsher, pero como estos últimos están a punto de comenzar a ser vecinos de Interpol en la CDMX, así que para mi quedaron completamente descartados. En cualquier parte del mundo, Jessie siempre interactúa con el público y crea una conexión que transmite envidia de querer estar en primera fila. En cambio, Primal Scream aún con pocas personas viéndole, no dejó de mostrar toda la energía que contiene el cuerpo humano y la hizo reventar de un lado a otro.

Alguien que también visitaba el país por primera vez para cantar, fue Jorja Smith. Durante toda la hora que duró su presentación, mostró genuina emoción por el gran recibimiento que obtuvo. Poco antes de terminar su set, inició al mismo tiempo el de New Order y Melanie Martinez, dos que definitivamente pudieron y merecieron ser el acto principal del día. New Order, a pesar de haber tenido un sideshow días antes, hicieron que el espacio que les asignaron quedara completamente pequeño. Melanie Martinez, al crear un mundo de fantasía en un escenario y hacer que miles de personas sacaran su lado llorón, también pudo estar en un espacio mayor. 

Jorja Smith-2024

El segundo día del Festival Corona Capital tuvo grandes shows en los que las y los músicos y coristas fueron pieza clave una increíble experiencia, pero no solo eso, también y esencialmente lxs asistentes que lograron de alguna u otra forma, sencilla o complicada, comprar un boleto y hacer que sus sentimientos y emociones reventaran al ver y escuchar a su artista favoritx. 

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Y NO OLVIDES LEER LO QUE SUCEDIÓ EL DÍA 1. 

Entrevista con Air

Redescubriendo el mundo, 25 años después, con Moon Safari.

La Ciudad de México se transforma en un mosaico de luces mientras la noche desciende sobre el Estadio Fray Nano. El público, entretenido con los demás actos, también permanece impaciente por el momento de escuchar el álbum debut de Air de pies a cabeza y celebrar juntos los 25 años del disco. 

Jean-Benoît y Nicolas, a pesar de los años y los kilómetros recorridos gira tras gira, mantienen su entusiasmo por descubrir el mundo, un mundo que como ellos va evolucionando. Viajar para ellos es más que una parte de su agenda: es una oportunidad para redescubrir lo que su música significa en cada cultura, en cada rincón del planeta. 

“Es emocionante viajar tanto porque vemos el mundo, recientemente fuimos a Estados Unidos y, bueno, cuando uno sale de gira puedes ver cambios positivos y darte cuenta de los cambios de un país. Es algo muy interesante. (...) Siempre es un placer para nosotros estar en México, somos de Francia pero ambos son países latinos y la comida y el lenguaje nos hacen sentir cercanos y más cómodos que en Estados Unidos". 

En cuanto a México, podemos notar que hay algo en el calor de esta tierra que resuena con ellos, una conexión que va más allá de lo evidente, un sentimiento de familiaridad y misticismo que los envuelve cada vez que pisan suelo mexicano. 

“La audiencia mexicana nos sorprendió desde la primera vez porque, aunque es algo parecido a Sudamérica, la gente es muy diferente aquí. Las personas son muy románticas, pueden tener pensamientos obscuros o pueden ser muy profundos. Es una vibra que nos sorprende mucho porque también podemos sentir el pasado de los aztecas. Por ejemplo en Argentina escuchas casi solo español pero aquí es diferente porque las civilizaciones y costumbres del pasado siguen vivas. Para nosotros es muy emocionante, no hay nada parecido a los aztecas o a los mayas en París.” 

El viaje musical de Air no ha sido fácil, pero ha estado guiado por una constante búsqueda de autenticidad y honestidad en su arte. Para ellos, la incertidumbre es parte del proceso, y después de más de dos décadas, la banda ha aprendido a abrazarla. 

Cuando uno hace música uno nunca sabe qué es lo que la gente va a pensar o qué es lo que esperan de ti. Lo único que puedes hacer es dar lo mejor de ti y prepararte lo mejor posible. No sabes lo que les va a gustar o lo que no les va a gustar. Tratamos de evitar errores así que en una gira es muy importante estar en buena forma, comer bien y dormir bien, porque la música también es un reto. Se requiere disciplina, luego de 21 años necesitas mucha disciplina.”

Air Ernesto Pareja

Sobre Moon Safari, el disco que tuvo al público de esa noche expectante, el grupo menciona sobre la atemporalidad del disco y cómo han dirigido sus decisiones creativas. 

“Es imposible hablar de Air sin mencionar su obra maestra, Moon Safari. Han pasado casi tres décadas desde su lanzamiento y, sin embargo, su sonido sigue siendo atemporal, como si el tiempo no hubiera pasado. Moon Safari, nuestro primer disco, es muy conocido y probablemente es el disco que funciona mejor. Lo hicimos hace 27 años y no entendemos por qué este álbum, llegó a ser más que los demás y es que mientras hacíamos más música también estábamos logrando un sonido más sofisticado. No sé si a la gente no le gusta la música más sofisticada, creo que prefieren algo más simple y con emociones, y este álbum es muy emotivo que nunca dejó de hablarle a la gente. Creo que esa es la definición de un clásico”. 

“No tenemos temas favoritos, porque cada canción trata sobre nuestras vidas y cada canción cuenta una historia diferente. También ambos tenemos un punto de vista muy diferente sobre cada una de esas historias y canciones. Para mí (Jean-Benoît) sería 'New Star In The Sky' porque es una canción que escribí sobre el nacimiento de mi hijo y un momento para mi familia que fue único. Cuando tocamos este disco es como abrir un álbum de fotos en el que cada canción es un recuerdo. La música tiene la habilidad de capturar momentos e interpretarlos en un escenario es volverlos a vivir y compartirlos”. 

El dúo vuelve a remarcar sus motivaciones por los aplausos o los reflectores. En lugar de eso, hay un genuino deseo de conectar, sin importar el tamaño del escenario o la magnitud del público. 

“Para el siguiente año esperamos dar más conciertos, este es un muy buen tour, ha sido un éxito y hay mucha gente que quiere vernos así que tenemos que hacer todo lo posible para ir. No importa si es un festival o concierto en solitario, cuando uno viaja a diferentes partes del mundo y hace giras así se debe acostumbrar a que en algunos países vas a ser un acto grande y en otros países será todo lo contrario. No sabemos nunca qué será hasta que llegamos al país y por supuesto nunca nos ponemos a pensar si vamos a ser importantes aquí o allá porque son expectativas sin sentido.” 

Esa necesidad de crear algo significativo es palpable en cada uno de sus álbumes, especialmente en su debut Moon Safari, que sigue siendo un clásico por derecho propio. Para Air, lo más importante en su música es la exploración de lo que se siente, de lo que puede conectar, en lugar de un medio para alcanzar la fama. 

Nunca tuvimos esa expectativa de ser estrellas de rock, para nosotros era más como una fantasía de replicar lo que era entrar al cuarto de tu hermano mayor y ver sus discos de The Police y The Clash y saber dentro de ti que algún día harías un disco así. Nunca se trató sobre la fama o ser grande, sino de crear algo significativo.”

Air Ernesto

Jean-Benoît lo resume con una sinceridad que deja ver su amor genuino por tocar en vivo. “Solo queremos que la gente sea muy feliz escuchando este disco en vivo, sabemos que hay muchas bandas que se reúnen solo por el negocio y para nosotros no es así. A nosotros nos tomó mucho tiempo entender la bendición que fue crear este álbum y es un placer tocar para ustedes.” 

Es este deseo de hacer feliz a su audiencia lo que distingue a Air de tantas bandas que se embarcan en giras por razones puramente comerciales. Para ellos, tocar en vivo es un privilegio, una oportunidad de compartir un momento especial con quienes los han seguido durante años. 

La noche cayó y las primeras notas de Moon Safari empezaron a resonar, abrazando al público con una experiencia que solo Air puede ofrecer.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

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Dillom en la Carpa Velódromo

Una misión suicida y "el amor llamado locura": Dillom da un show para la historia en CDMX y revienta a saltos y empujones la Carpa Velódromo.

Cada que toca Dillom en la Ciudad de México ocurre algo fuera de lo común. El año pasado un sismo sacudió la capital del país minutos antes de su show y este sábado 28 de septiembre se desató una lluvia incansable durante horas, que puso a varias alcaldías bajo alerta, de acuerdo con Protección Civil.

Con la ciudad colapsada, el transporte público inoperante e inundaciones, parece que ver el show de Dillom era todo un desafío; sin embargo, cientos de personas acudieron a la Carpa Velódromo, hicieron fila bajo el agua, se subieron a las rejas para evitar los encharcamientos, y dieron su vida en cada salto como respuesta a uno de los conciertos más pasionales e intensos de este año.

Dillom es uno de los artistas hispanos más importantes de este año. Por Cesárea, álbum que presentó en su gira por México, se ha colado entre los nominados al Latin Grammy para la categoría Mejor Álbum de Música Alternativa.

¡Y vaya disco! Por Cesárea es una obra sumamente interesante, que llega a los extremos, que estalla, que habla de las malas decisiones que te llevan a los peores lugares, la búsqueda de redención y no encontrarla, así como los finales que no son felices, esos que viven millones en el mundo real.

Dillom Carpa Velodromo Ernesto Pareja (1 Of 35)

Su gira ha estado plagada de energía, moshpits y covers de artistas locales, en Nuevo León tocó "¿Comprendes, Mendes?" de Control Machete y en Jalisco "Labios Compartidos" de Maná.

Los memes también acompañan a Dillom en su gira, lo que ha generado chistes locales. Cabe recordar a una señora que le dio 100 pesos argentinos para que se comprara lo que quisiera y que en México también le dieron dinero. Además de la legendaria imagen de un niño en su concierto cantando sus canciones de inicio a fin. Incluso cuando Boca Juniors perdió el clásico argentino contra River Plate amagó con no tocar; sin embargo, salió avante.

Ha sido un tour emocionante, en el que dedicó "Sr. Cobranza" de Bersuit Vergarabat al ministro de economía, Luis Caputo, y pidió que "lo mataran" en la Plaza de Mayo. En otros recitales ha covereado a La Mona Jiménez, así como otros artistas a los que ha rendido homenaje durante meses.

Para la Ciudad de México, Dillom tenía guardado uno de sus shows más potentes. Dijo que quería hacer historia y vaya que la hizo, acompañado de una banda con formato rockero, guitarras distorsionadas, samples y pasajes musicales brillantes.

En CDMX yo, y Ramones en NYC

Poco después de las 21:20 H comenzó a sonar una música instrumental que forma parte del final de la canción "La Carie". Todo era oscuridad y comenzó el interludio "(Irreversible)" mientras una enorme lona cubría el escenario. Si veías al frente veías sombras, si mirabas a un lado veías decenas de círculos de personas abriéndose para después colisionar.

Cayó el telón y comenzó "Coyote", un estallido rock punk en el que todos en la Carpa Velódromo saltaron y se empujaron con rabia mientras gritaban "Acá estoy, vengan a buscarme".

Era lo que todos esperaban, energía desde el primer momento y una sensación de estar en medio de una masa de gente que, en cualquier momento, podía deformarse. "Si alguien se cae lo levantamos en friega porque se va a poner denso", dijo un asistente que estaba cerca mío, porque en ese momento no había opción: entrabas al moshpit sí o sí.

Con pocas pausas, Dillom continuó con "Piso 13" y los beats de trap también se saltaron mientras el argentino rasgaba su voz. Siguió "Mick Jagger" y "Pelotuda", temas que se corearon mientras se calmaban las aguas.

La noche avanzó entre canciones de Por Cesárea y temas memorables de su primer álbum, llamado Post Mortem, y con la canción "La Primera" quedó detrás el slam y comenzó el perreo con un beat de reggaetón mezclado con cumbia que le dio un poco de color a la noche oscura y lluviosa de Dillom.

Dillom Carpa Velodromo Ernesto Pareja (30 Of 35)

En un momento de calma, temas como "La Carie", donde se escuchó de fondo la voz de Lali, y "Mi Peor Enemigo", donde canta Andrés Calamaro, el show de Dillom en la Ciudad de México se llevó los aplausos ante la buena ejecución de sus músicos y esa evolución narrativa y musical del artista que es tan importante y que acaparó los reflectores este año. En ese momento estábamos más allá de un concierto de rap o uno de rock, era la energía colisionando con la muerte, la culpa y "el amor llamado locura".

"Yo también tengo ascendente en sagitario..."

Llegó el punto máximo del concierto, el del estallido y la violencia. Luego de oscurecer la atmósfera con "Rili Rili" el escenario explotó con una seguidilla de canciones de Dillom diseñadas para saltar, para dar golpes y gritar hasta reventarse la voz.

Comenzó con "1312", tema en el que colaboró con Pussy Riot. Ahí comenzaron a abrirse los círculos mientras se cantaba en contra de la policía.

Siguiendo con la tradición, Dillom hizo un cover y ahora tocó de una banda chilanga: Molotov. En un momento de expectativa comenzó a sonar un bajo que todos reconocieron de inmediato, y entre gritos de emoción se entonó "Chinga tu Madre" de la banda mexicana.

Dillom pidió más energía, que se siguieran abriendo los pogos, y fue ahí que sonó "Buenos Tiempos", uno de sus temas más polémicos, que con el acomodo de su letra parece que se hace referencia a la muerte del presidente de Argentina, Javier Milei, aunque el propio artista ha dicho que no la compuso pensando en eso, y más allá de la letra, fue un momento frenético, de caos y samples a Beastie Boys y Kanye West.

La energía continuó con "Ola de Suicidios", otro tema en el que el rap coquetea con el punk rock y que dejó un intenso pogo como resultante para luego dar paso a "Reality", que se mezcló con "Personal Jesus" (la versión de Marilyn Manson).

La respuesta de la gente con Dillom fue de lo mejor. No se cansaron en ningún momento y llegamos a un punto en el que toda canción terminaba en empujones y saltos. "Side" y "Post Mortem" son ejemplo de ello, y francamente, qué bueno que los asistentes, a pesar de la lluvia y de que la entrada al evento no fue lo mejor, pusieron mucho de su parte y tenían mucho entusiasmo para ver al artista.

"Para sentir que algo se viene no hace falta ser vidente..."

Luego del segmento de pogo y energía aún quedaba más por ofrecer este concierto, y era la mirada compleja y alucinante de Dillom, esa que habla de la muerte, el dolor y el sufrimiento.

Sonó "Muñecas", una de las canciones más polémicas del artista, ya que se relata un feminicidio. Respecto a este tema, Dillom ha dicho que forma parte del concepto y la historia de su álbum Por Cesárea y que este tipo de escenarios es común que se narren y vean en las películas, por lo que en entrevistas ha pedido a la gente no mal interpretar y "tener dos dedos de frente".

Dillom Carpa Velodromo Ernesto Pareja (20 Of 35)

Continuaron canciones en las que el amor se eclipsa con la obsesión y las malas decisiones, tal es el caso de "Últimamente", "Ciudad de la Paz" o "Cirugía", que fueron coreadas y llevaron a algunos asistentes a las lágrimas.

"220" fue un momento particularmente bonito del concierto de Dillom. Es una canción tremenda, donde el alcohol y el dolor son las alas con las que un joven quiere amar y sentir que vuela. El público aprovechó para cantarla a sus parejas o para mandar notas de voz cantando.

El show terminó con "Reiki y Yoga" y un bis con la canción "Opa", que prendió de nuevo el escenario y dejó una sensación de alivio en los fans. Finalmente, quedó de fondo la versión de "My Way" de Frank Sinatra mientras el argentino se despedía, prometiendo volver en cada gira ante el cariño de las y los mexicanos.

Por Cesárea, el álbum que reventó 2024 que debes escuchar

Por Cesárea es uno de los álbumes más interesantes del año. Se trata de una pieza conceptual producida por el propio Dillom, así como Fermín Ugarte y Luis La Madrid.

En él se cuenta la historia de Dylan, una persona a la que los traumas lo llevan a tomar las peores decisiones hasta un desenlace trágico.

El álbum tiene referencias musicales geniales, además que se acompaña de colaboraciones como Lali y Andrés Calamaro. Por momentos es poético y en otros es explosivo, hay cambios de ritmo y una constante sensación de oscuridad y dolor.

Este fue el set de Dillom en la Carpa Velódromo:

  • "La Carie (outro)"
  • "Irreversible"
  • "Coyote"
  • "Piso 13"
  • "Mick Jagger"
  • "Pelotuda"
  • "La Novia de un Amigo"
  • "La Primera"
  • "La Carie"
  • "Mi Peor Enemigo"
  • "Rili rili"
  • "1312"
  • "Chinga tu madre" (cover de Molotov)
  • "Buenos tiempos"
  • "Ola de suicidios"
  • "Reality"/ "Personal Jesus" (Marilyn Manson)
  • "Side"
  • "Post Mortem"
  • "Muñecas"
  • "Últimamente"
  • "Cirugía"
  • "220"
  • "Ciudad de La Paz"
  • "Reiki y yoga"
  • "Opa"
  • "My Way (Frank Sinatra)"

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Coca-Cola Flow Fest 2023

Fin de semana con música deliciosa para sentirte vivx

¿Qué? ¿Reggaeton en Indie Rocks!? Así es, soporta y si crees que lo estamos haciendo mal, déjame decirte que tienes la definición de “indie rock” bien alterada. Ahora sí, puedes seguir leyendo porque voy a contar cómo es el Coca-Cola Flow Fest.

Desde hace varios años el festi ha sido cómplice del bellakeo, trayendo a lxs mayores exponentes del género alrededor del mundo y a su vez siendo estxs quien dan paso a que las futuras promesas también formen parte del evento más importante que les corresponde dentro del país; pero bueno, el resto del año también hay shows de menor volumen pero con la misma o mayor cantidad de flow, solo debes buscarle.

Este año, el último fin de semana de noviembre hizo que el Autódromo Hermanos Rodríguez tuviera una afluencia de más de 100 mil personas por día, así que desde el primer hasta el último set estuvo repleto. Me parece bien cuando compras un boleto de festival y llegas temprano para disfrutar, conocer y explorar más allá de la música; y si bien el reggaeton y trap no tienen el mejor sonido en vivo, es indiscutible que se agradece que no se aplique lo mismo que en la mayoría de conciertos y festivales y las canciones más esperadas se suelten al inicio y/o mitad de cada show.

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A las 15:00 H la temperatura del sábado era de 24ºC, pero cuando llegó el turno de El Bogueto la sensación térmica cambió a 847ºC porque el escenario principal se veía como si estuviéramos en la recta final del día y en ninguno de los otros dos se estuviese presentando nadie. Es increíble e impresionante que alguien de Neza cante en el mismo festival que Tego Calderón, ¿no?

Más tarde Farina llegó al mismo escenario. Era su primera vez en México y pese a que sufrió más de una falla técnica la energía nunca paró, e incluso comenzaron a nadar pelotas gigantes y de colores entre las decenas de cabezas que estaban frente a ella.

En esta cobertura tuvimos la oportunidad de disfrutar de la Experiencia Plus, así que Latin Mafia y Young Miko llenaron tanto que hicieron que ni siquiera desde las alturas se pudiera encontrar dónde terminaba la cantidad de personas viéndoles. ¿Salir de ahí para cambiar de escenario? Imposible.

Cuando oficialmente llegó la noche y lo mejor estaba por comenzar, con un outfit full Versace, Maldy soltó pequeños pedacitos de Plan B que acompañaron bien el set y dejaron todo listo para recibir a Ivy Queen como se merece, y aunque desafortunadamente su presentación tuvo que terminar antes de lo esperado, el tiempo que se disfrutó me sentí la morrita más poderosa del lugar.

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¿Hay algo que Wisin y Yandel no haga bien? La noche terminó con ellos y a su vez mencionaron que ahora sí, esa era su última vez en vivo. Próximamente averiguaremos si era mentira, pero mientras puedo decir que entre fuegos artificiales, papelitos de colores, gritos, brincos, saltos y un montón de buenas canciones, ese fue el mejor show del fin.

El domingo el clima fue distinto, nubes grises, pequeñas gotas de lluvia y frío entre repentinos y fugaces rayitos de sol, pero nada de eso fue impedimento para que los outfits estuvieran fresquitos y combinaran bastante bien con la temperatura del perreo. Cosculluela tenía varias cosas en el escenario Coca-Cola: las mejores gafitas, los mejores visuales, una fiestota y mucho fuego; pero tomando en cuenta que el tiempo dentro de un festival es corto, no se si repetir “Prrrum” fue lo más inteligente de su parte.

Aunque en mi mente Tito el Bambino tiene más de 45 años y tal vez así es, cuando llegó su turno no dejó de bailar y correr de izquierda a derecha como si acabara de nacer. Qué coraje me da cuando no cantan mis canciones favoritas, como Tito que fue experto en eso y en convertir otras en versiones de 10 minutos.

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Justo después siguió el momento histórico del Flow Fest, ¡Tego Calderón! Y nada en contra de Dani Flow que chocaba un poco en el mismo horario, pero cómo vas a elegirlo cuando sabes que es más que obvio que pronto tendrías oportunidad de escucharlo cualquier otro día en cualquier otra parte de la CDMX o del país. Aún así Tego llenó y todo bien excepto el volumen, una subidita no habría caído nada mal y tampoco una escuchada a algo que no sea “Pa’ Que Retozen”, digo, para que lo disfruten más y sea un momento inolvidable.

Antes de terminar, vale la pena mencionar que Flow Fest es un festival que crece sin límites pese a la opinión desacertada, clasista y muchas veces sin fundamentos que crean distintas personas en en el transcurso de su realización. Pero dentro hay colores, sorpresas de las que puedes ser parte en el 2024.

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Corona Capital (Día 3)

La cura musical y definitiva.

El Festival Corona Capital es, sin duda, uno de los eventos musicales más importantes y esperados del año. En esta edición realizada los días 17, 18 y 19 de noviembre en el Autódromo de Hermanos Rodríguez conquistó una vez más a los fanáticos de la música, en esta ocasión fue sobre todo británica, que estaban ávidos por escuchar a sus artistas favoritos o que deseaban pasar buenos momentos entre amigos. 

Es así que la actitud y ánimo se sintieron desde las primeras horas de la jornada. El punk de OFF! puso a derrochar energía en el pequeño moshpit que se armó para el pogo. Si buscabas una opción más tranquila, Feist te esperaba con una voz parsimoniosa y una propuesta que combina el rock, jazz-pop, bossa nova y campfire folk.

Una voz igual de singular nos brindó Arlo Parks, quien a través de sus letras nos habla de una nueva generación que aborda temas de salud mental y sexualidad sin tabúes o prejuicios de por medio. 

Esta vez damos un salto cuántico a los noventa y encontramos su esencia musical con The Breeders. Kim y Kelley Deal recordaron su exitoso álbum Last Splash y, como si fuese poco, invitaron al violinista de Feist para tocar "Drivin’ on 9" y concluyeron su presentación con "Gigantic", una joya del álbum Surfer Rosa de Pixies, en la época en la que Kim estuvo en la banda.

The Lumineers llevaron un setlist que resumía adecuadamente su discografía. Canciones como "Sleep on the floor" o "Ho Hey" son ya un clásico. Si buscamos una propuesta con mucho girl power, Sleater-Kinney son el ejemplo perfecto si de empoderamiento en el escenario se trata. Corin Tucker comentó lo feliz que se sentía al estar en México y que este es su festival favorito. Grandes temas como "Jumpers" o "Modern girl" no dejaron de ser vitoreados por un público fiel. 

Noel Gallagher con los High Flying Birds dieron en el blanco al saber balancear su presentación con temas de su más reciente álbum Council Skies, sus primeros álbumes solistas, como el homónimo y Chasing Yesterday, con los que marcaron la discografía de Oasis. Inclusive, lados b como "Going Nowhere" y "The Masterplan" tuvieron lugar en la presentación. Los fans se lo agradecemos. Con "Live Forever" y "Don't look back in anger" las banderas de Reino Unido y de Oasis se ondeaban entre gritos, cantos y aplausos. Momento único.

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La decisión difícil llegó: o ibas a The Chemical Brothers o a Pet Shop Boys. Sea la elección que tomes, con ambos ganabas. Presentando su nuevo álbum, For That Beautiful Feeling, The Chemical Brothers como siempre prolijos tanto en lo musical como en los visuales, mientras que Pet Shop Boys cuenta con un historial envidiable que, cuando estas viéndolos en vivo, te das cuenta la experiencia que hay detrás y que hace que los mantenga vigente. 

El gran cierre de la noche llegó. The Cure sale al escenario en medio de un mar de gente de todas las edades. Es ya una de esas bandas o artistas atemporales, como The Rolling Stones o Paul McCartney. Durante dos horas con quince, Robert Smith y compañía nos deleitaron con temas como "Pictures of you", "Lovesong", "Why can I be you?" y las infaltables "Boys don’t cry" y "Friday I’m love". Una fiesta total, en la que también comprobamos el carisma natural de Robert y la calidad de músicos y música que con justa razón trasciende. 

De esta manera concluye el tercer día del Corona Capital 2023 y por ende del festival, con una edición que consintió a los fans de la música británica, pero que también fue la cura para el alma de aquel que busca en la música un refugio y la mantiene como una de las artes más vivas y hermosas. 

 

Buscabulla en el Foro Indie Rocks!

La energía caribeña de alegría y sabrosura se apoderó del lugar.

La noche empezó a encenderse de grandes outfits y un ambiente muy cálido y bailable a partir de las 20:00 H. Podíamos ver a los asistentes compartiendo y disfrutando de una chela y una plática entre la música house y dance que amenizaba el lugar a cargo de Alena Vox, DJ originaria de la Ciudad de México que se especializa en mezclar temas de house, trance, downtempo, dance, disco etc y que esta noche no fueron la excepción.

Ya entrando en ambiente veíamos también como los asistentes iban tomando lugar para disfrutar de lo que sería un show inolvidable por parte de Buscabulla y listos para la noche de baile que les esperaba. 

Unos 20 minutos antes de que comenzara el show pudimos escuchar algunas rolas de las legendarias bandas de reggae como Gondwana, Cultura Profética, originarios también de Puerto Rico, y Los Cafres, para que ya a las 21:22 H empezará el show del tan esperado dúo Buscabulla. Pudimos ver como Luis en el bajo, y miembro base de la banda, en conjunto con el baterista y el guitarrista que les acompañaría durante la noche entran a escena mientras solo escuchamos la voz de Raquel por los primeros segundos de la rola con la que abrieron esta noche especial “La Fiebre” para luego verla incorporarse al escenario de una forma muy auténtica y llena de energía.

La noche seguía transcurriendo al compás de rolas como “Vámono”, “El aprieto” y “NTE” en donde no faltaron los grandes coros del público. Siempre con la energía bien en alto y manteniendo al público en un constante baile llegó “Ta Que Tiembla” una de las canciones más icónicas de su álbum Regresa y a la que la gente reaccionó con un gran coro al unísono que decía: “Esta noche está que tiembla, esta noche está que tiembla, eae- au- ea ‘ta que tiembla”.

Buscabulla_Foro Indie Rocks_Ernesto Pareja

Acercándonos a lo que sería el cierre del primer cuarto de set presentan una canción inédita llamada “11:11” dando la noticia de que se aproxima nueva música por parte del dúo.

Uno de los momentos más icónicos de la noche sin duda fue la invitación a tarima al gran artista Ecuatoriano/Estadounidense Helado Negro para cantar su colaboración juntos “Frío” el público super eufórico disfrutó de la presentación en conjunto de los artistas y luego de culminada gritaban con emoción “Toquen 'Agosto'” colaboración que tienen también Buscabulla y Helado Negro.

Durante el show comentaron en varias ocasiones lo agradecidos y emocionados que se sentían de estar tocando por primera vez un sólo show en la Ciudad de México. Luego de varias presentaciones por distintos festivales por el país, el dúo puertoriqueño pudo tener su primer solo show para presentar todas las canciones de su disco Regresa estrenado en el 2020 en plena pandemia.

Siguió transcurriendo la noche y se seguían asomando clásicos del dúo entre los que resonaban “Temporal”, “Caer”, “Métele”y “Nydia” en los que los visuales jugaron un papel interesante, en varias de las ocasiones coincidiendo con el ritmo de la música, para así irse acercando al final en donde cerrarían la velada que contó con un set de 15 canciones y nos mantuvo al son del baile y el disfrute a todos con “Tártaro” en una mezcla interesante y divertida con parte de la canción que tienen en colaboración con el también puertoriqueño Bad Bunny “Andrea” por si fuese poco y como ya es ritual en los recitales más esperados de la Ciudad de México los artistas pudieron llevarse su Dr Simi customizado al mejor estilo boricua a lo que Raquel respondió: “Puñeta se pasaron me van a hacer llorar”.

Poniendo fin así a un concierto lleno de energía, sabrosura y alegría directamente desde Puerto Rico. Buscabulla logró una noche inolvidable para los asistentes, en dónde no sólo salieron contentos y agradecidos con el público mexicano sino que dejaron su sazón en los corazones de muchos y su invitación a que el perreo y la gozadera también puede traer consigo grandes reflexiones sociales y personales. 

 

Austin TV en el Pepsi Center WTC

Los sonidos instrumentales pueden transmitir mensajes más poderosos que las palabras.

Una de las múltiples virtudes de la música instrumental es que no se enfrenta a la barrera del lenguaje. Los sonidos sin voz, por su naturaleza, generan una gran variedad de sentimientos que van desde la furia hasta la melancolía. Una de las bandas que mejor ha aprovechado esta cualidad ha sido Austin TV. Y justo en el momento en el que parecía que el cielo era el límite, una abrupta “separación” le puso punto final al proyecto.

Tuvo que transcurrir una década y sin previo aviso, el grupo enmascarado favorito de los millennials está de regreso. A lo largo de este 2023 el quinteto ha ofrecido diversas presentaciones aunque la más especial ocurrió en el Pepsi Center WTC. Un recinto de gran capacidad fue el escenario idóneo para recordar los viejos días de adolescencia.

Las casualidades no existen porque todo es rizoma

La jornada empezó con un eclipse solar. Mientras algunos afirman que funciona para “recargar” la energía del cuerpo, los más escépticos aseguran que es un simple fenómeno natural. Lo que demostraría Austin TV algunas horas más tarde es que en la vida no existen las casualidades porque todo es rizoma.

Para tener una comida completa es necesario empezar por el aperitivo y en este caso el combo español Cala Vento fue el encargado de abrir el concierto. El dueto catalán no le teme a los retos e incluso mantiene una relación de tiempo completo con la música porque tiene su propio sello llamado Montgrí. Su presentación sirvió para conocer los sonidos independientes que actualmente se gestan del otro lado del Atlántico aunque el protagonista de la noche sería otro.

Con puntualidad y precisión quirúrgica, Chiosan (teclados y samplers), Xnayer (batería), Názari Jentcrauper (guitarra), Rata (bajo) y Acky (guitarra) aparecieron sobre el escenario para demostrar que se mantienen en forma y con la firme intención de continuar con el legado que iniciaron hace poco más de décadas.

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Aunque estuvieron ausentes durante tantos años, hoy su popularidad es incluso mayor que durante su época de mayor actividad. El grupo ha generado un fanatismo único en México no sólo por su trabajo sino también por su actitud. Además es el máximo ejemplo de que se puede decir mucho sin decir nada.

Los reencuentros musicales son un buen negocio porque sólo consisten en generar nostalgia y recordar el pasado. Aunque en este caso Austin TV es distinto a los demás porque tiene un nuevo álbum que fue grabado en tiempo récord y con el que desea demostrar su trabajo actual.

Con esto en mente, la primera pieza que se escuchó durante la velada fue “De La Orquídea Y La Avispa”. El tema con el que el quinteto regresó a la vida pública fue una forma para demostrar que están orgullosos de lo que hicieron en el pasado aunque lo más importante es que no han perdido el interés por crear música.

Ahora bien, las canciones antiguas y que marcaron a la generación que creció con el iPod no tardaron en sonar porque de forma inmediata sonaron los primeros acordes de “Roy Rogers”. El sonido bien ecualizado permitió escuchar con perfecta claridad cada palabra de la conversación entre Marty McFly y el Dr. Emmett Brown en su doblaje latino del Canal 5. La ejecución fue igual que en esas viejas noches del Foro Alicia cuando se presentaban junto a Gula y Sad Breakfast.

Una banda sin jerarquías en la que hoy todos son líderes

A lo largo de la noche todos los integrantes tomaron el micrófono al menos en una ocasión para transmitir mensajes de solidaridad y fraternidad. En la etapa actual del conjunto se han olvidado las jerarquías porque hoy todos son líderes por igual.

Por otra parte, también fue una ocasión perfecta para hacer experimentaciones que probablemente jamás se van a repetir. Con el acompañamiento de un ensamble de violines se interpretaron versiones introspectivas de “Más Que A Nada En El Mundo”, “Lattice” y “Voló Al Cielo”. La música se escucha con los oídos pero se disfruta con el corazón.

Al ser una noche tan especial Austin TV ofreció uno de los conciertos más extensos de su carrera. A lo largo de dos horas y media se hizo un repaso por todas las etapas de la banda e incluso hubo un intermedio para permitir el cambio de vestuario de los integrantes y recordar la faceta de “conejitos” y “hombres árboles”. Desde algunas de las primeras composiciones del combo como “Les Choses Sont Bizarres” hasta las más recientes como “Su Nombre Es El Tuyo” fueron parte de la celebración.

Lo que empezó como un grupo de punk melancólico ha logrado superar todas las adversidades del camino. El viaje no ha sido sencillo pero a través del apoyo mutuo y la autogestión se ha convertido en uno de los proyectos mexicanos de mayor relevancia en la actualidad. Algunas veces los sonidos instrumentales transmiten más que las palabras.

Bad Gyal en el Pepsi Center WTC

Del frío a la ‘fiebre’ en una fiesta enorme patrocinada por Bad Gyal.

Viernes 13 y comienza la aventura para ir en camino al Pepsi Center WTC y disfrutar del show de la reina Bad Gyal que se presentó para sus fans más queridos de la Ciudad de México. Entre el público apreciamos grupos variados de edades y amistades que estaban más que listos para entrar al concierto y que para asegurar su espacio en primera fila llegaron a la formación antes de las 18:00 horas.

El clima favoreció la noche para que nadie sufriera por la lluvia u otros inconvenientes, aunque hacía un viento fresco los outfits de poca ropa no podían hacer falta; pues entre colores, accesorios, maquillaje y prendas ajustadas es como la fila para entrar al evento parecía una pasarela con outfits icónicos perfectos para bailar al ritmo de la música.  

El encargado de preparar los oídos y abrir la fiesta fue Dinamarca con un DJ Set en el que dejó relucir temas suaves para relajar el cuerpo y disfrutar el momento previo a la llegada de Bad Gyal. La presentación de Dinamarca contó con temas como “mwah :3”, “delixoxo” e incluso “Cómo Te Voy A Olvidar” de Los Ángeles Azules. 

El reloj marcaba las 21:15 H cuando de pronto las luces se ausentaron y entre gritos que resonaron en todo el recinto recibieron a Bad Gyal que abrió la noche con “Blin Blin” acompañada de su grupo de bailarines para comenzar el show que puso a bailar a todos durante la noche.

Dentro del primer acto del show disfrutamos de “Tu Eres Un Bom Bom” que puso a corear y bailar a todo el público para que en el punto exacto se hiciera la transición a “Chulo pt.2”. En este punto el frío desapareció y conforme avanzaba el concierto la temperatura seguía subiendo en donde la mayoría de asistentes bailaba pegadito o se lucía en pasos individuales.

Bad Gyal se apoderó del escenario con cada canción que interpretaba, además de que gracias al equipo de producción el evento contaba con diversas cámaras que dieron imagen en directo del escenario haciéndote vivir una experiencia completa. 

Bad Gyal_WTC Pepsi Center_Ernesto Pareja 18

El montaje del escenario fue sencillo, ya que solo contaba con una plataforma y la mayoría de visuales eran meramente decorativos para poder centrar así toda la atención en las canciones. Sin embargo, en algunos temas específicos disfrutamos de diversas proyecciones visuales, donde sin duda la más memorable fue un momento en que se nos transportó al espacio y la voz de Bad Gyal nos guió durante el recorrido mientras sonaba “Yo Sigo Iual”.

En una etapa del concierto Bad Gyal aprovechó para dirigir unas palabras al  público de anoche expresando el cariño especial que le guarda a México, ya que fue el primer país en el que se presentó fuera de España. Al terminar la última palabra todo el mundo gritó correspondiendo al cariño de la artista. 

Adentrándonos a la parte final del show comenzó a sonar “El Sol Me Da” para poner a todo el mundo a bailar con un ritmo que gritaba verano y playa en cada verso, canción seguida por los temas “Real G”, “La Prendo” y “Sexy” que nos transportaron a una fiesta enorme.

Llegó el momento que nadie quería que pasara, Bad Gyal se despidió del público y salió del escenario, pero todo el mundo aclamaba el regreso de la reina en un enorme coro bien coordinado. De pronto las luces se apagaron y  Bad Gyal volvió al escenario para concluir su show con dos canciones que pusieron la noche en el punto más alto con “Alocao” y “Fiebre”.

Sin duda el show de anoche se convirtió en una memoria que vivirá en los corazones de los fans de Bad Gyal por siempre y que de acuerdo a las declaraciones de la artista al final del concierto volverá lo más pronto posible para regalarnos una noche más para recordar.