Fotografo: Diego Figueroa

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Hipnosis 2024

Expresividad variada rumbo a un mismo destino sensible.

Desde 2017, los primeros días de noviembre se han convertido en sinónimo de sónica salvaje, garage y psicodelia cortesía de Hipnosis. Esta edición, albergada en el campo central del estadio Fray Nano, arrancaría sin miramientos rumbo al gran filo nostálgico de los headliners. Esto con la cáustica jazz de Demencia Infantil recién abiertas las puertas del venue.

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Estadio Fray Nano

Mientras el público se familiarizaba con la disposición de áreas intrafestival, tocaba el turno de Laurence-Anne para inaugurar el segundo escenario a filo de soft sound multilingüe. Dando pie a la calurosa tarde que nos esperaba rodeados de gradas y walls of sound.

Melody Fields, Boogarins y El Shirota serían los encargados de transportarnos entre psicodelia y distorsión a lo largo del día, contribuyendo al dinamismo de un público cada vez más encendido a la llegada de Frankie and the Witch Fingers. Los estadounidenses harían gala de su alta energía sobre el templete para marcar un punto y a parte pasada la primera mitad del lineup.

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La transición lumínica del atardecer a las primera horas de la noche se sentían como el momento adecuado para visitar la zona de alimentos. Desde hot dogs gourmet hasta barbacoa y opciones veganas, el paladar de los asistentes se consentía tanto como sus oídos. Atravesados por la mezcla de ritmos en el virtuosismo de Mdou Moctar y el grito contestatario de Gang of Four en una histórica primera presentación en suelo mexicano.

La antesala de los estelares se convertiría en una experiencia variada y casi surreal debido a los terrenos sonoros cubiertos por los grupos siguientes. De la experimentación electrónica vía SUUNS, a la brutalidad envuelta fuzz de High on Fire, al jazz neo fusión de Mildlife, los asistentes de Hipnosis no podían sino dejarse atravesar por la multiplicidad de sensaciones entre oído y oído.

Nos enfrentamos a la recta final del evento primero acompañados por el dueto angloparlante The Kills. Quienes arrancarían toda la potencia posible de la drum machine para dar cátedra de la crudeza y musicalidad de rock and roll. El impacto hard sound nos daría tiempo suficiente para tomar aire y respirar momentos antes de que Slowdive se plantara sobre la parte derecha del escenario gemelo. Rachel Goswell y compañía nos transportarían a lo largo de un set tan honesto como expansivo. Resignificando las navajas sensibles de blues driver y reverb en lo más profundo de nuestros oídos.

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El cierre de esta edición correría a cargo del proyecto francés Air, quienes exprimirían hasta la última gota de energía dance entre el público nacional. Concentrando un setlist icónicos, visuales absorbentes y un clímax alcanzado al coro de “Sexy Boy”.

La edición 2024 del festival Hipnosis llegaba a su fin entre la catarsis musical compartida, rostros familiares y el house groove de L’éclair acompañándonos en la suavidad de la madrugada restante.

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Cigarettes After Sex en el Palacio de los Deportes

La banda de dream pop pone un ambiente romántico con sus más grandes éxitos.

Este 15 de octubre, la banda estadounidense, Cigarettes After Sex deleitó a su público mexicano con temas de su más reciente álbum X's, en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México.

 Aunque la banda interactuó poco con su público, Greg Gonzalez expresó lo emocionados y agradecidos que se sentían por estar de vuelta en el país, “Es uno de los shows más grandes de nuestra carrera”, dijo en algún momento de la noche.

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El concierto inició pasadas las 21:15 H bajo el sonido del melancólico piano y un juego de luces que le dio al recinto una sensación de intimidad. Con éxitos como “Pistol”, “You’re all I want”, “Falling in love” y “Dreams from bunker hill”, el romance se sentía en el aire. Real. Por lo que si estás en pareja, este debe ser uno de los planes que no te recomendamos saltarte.

A diferencia de otros eventos, en los que se encuentra a los fanáticos coreando a todo pulmón cada rolita, en este concierto, los asistentes disfrutaron de la melodiosa y susurrante voz de Greg la mayor parte del tiempo; sin embargo, conforme aparecieron los mayores éxitos de la banda, como “Touch”, “Sweet” o “Heavenly” la emoción aumentó y sí se logró distinguir las voces de fondo de los asistentes. Aunque no hubo gargantas desgarradas en cada rola, el público sí aplaudió y se emocionó en cada canción.

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El momento mágico de la noche se dio con “Apocalypse”, su canción más reproducida en Spotify, donde la banda de dream pop se lució con un increíble juego de luces que se sintió como la escena final de una película.

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MONO en el Foro Indie Rocks!

Intensidad visceral y momentos de divina contemplación sonora se vivieron con Mono en el Foro Indie Rocks!

Si los dioses necesitaran amenización sonora para sus fiestas o eventos más especiales, sin duda, la banda a cargo tendría que dominar una técnica impoluta, pero no solo digna de los oídos más exquisitos, sino que también debería ser una banda que te acompañara al límite sensorial, llevándote a visitar el edén y el inframundo en una misma canción, esto es lo que hace precisamente la agrupación japonesa, Mono.

El pasado jueves 4 de abril, el escenario del renovado Foro Indie Rocks! fue testigo de una experiencia musical inolvidable con la presentación de Mono tras siete años de ausencia en tierra Azteca, y aunque el cuarteto nacido en Tokio tocaba hasta las 21:00 H, lo cierto es que el impaciente público llegó mucho antes al show.

Desde las 19:00 H, decenas de personas uniformadas con prendas en color negro y matices de alternativa oscuridad, arribaron al Foro Indie Rocks!, para primero abrir sus oídos y despejar sus sentidos con la banda chilanga De Osos que, en punto de las 20:00 H, encendió las primeras notas de una fragancia experimental que duraría toda la noche.

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La banda mexicana, que brilla por su fusión de géneros que van desde el rock alternativo y el post rock hasta ondas más electro-experimentales, de inmediato encendió a los presentes, calentando así los motores hasta que llegó el momento cumbre: el cuarteto japonés, Mono, apareció en escena.

Mono nos dejó esperando, para luego darlo todo

Aunque la espera fue larga debido a que Takaakira Goto, Suematsu "Yoda", Tamaki Kunishi y Dahm aparecieron para probar sus instrumentos y se esfumaron inmediatamente, lo cierto es que al transcurrir algunos minutos se hicieron visibles nuevamente en el stage, esta vez para darlo todo, en serio, todo.

Con una propuesta sonora única que fusiona el rock experimental con influencias del género shoegaze, desde el primer acorde, Mono cautivó al público, especialmente desde el momento en que Goto y Yoda, los guitarristas de la banda, tomaron el escenario, para hacer del Foro Indie Rocks! un lugar de atmósfera etérea creada por el uso magistral de la reverberación, la distorsión y el delay en sus instrumentos.

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Estos efectos, característicos del sonido de Mono, transportaron a la audiencia a un viaje sonoro emocionante y envolvente, creando paisajes sonoros que fluctuaban entre momentos de intensidad apasionada y momentos de serena contemplación. 

Un viaje en cada acorde, desde el edén hasta el purgatorio

El público respondió con euforia y admiración ante la habilidad y la emotividad con la que Mono ejecutaba cada pieza, pasando por temas de toda su historia musical en más de 20 años, pero especialmente puntualizando melodía de su último álbum, Pilgrimage of the Soul.

La combinación de la esencia enérgica y la introspección melancólica en la música experimental de Mono creó un ambiente único en el Foro Indie Rocks!, donde los asistentes fueron transportados a un estado de trance musical, el cual Iliana Loera, una fan destacada entre el público definió como.

Una impresionante energía que emanan de su ser hacia nosotros, es increíble que tienen esa combinación perfecta entre melodía y armonía, además de riffs superpesados y energéticos, es una fusión perfecta entre lo nostálgico y lo rudo”.

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Fue así que, con su sonido innovador y su ejecución magistral, Mono demostró una vez más por qué es considerada una de las bandas más emocionantes e influyentes en el panorama de la música experimental a nivel global, ahora si que ¡de Japón para el mundo!

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Momentos extraordinarios del Corona Capital 2023

¡Ya extrañamos el festival! Recuerda tus momentos favoritos.

El fin de semana del Corona Capital llegó a su fin, con la nostalgia de tus artistas favoritos o con las rodillas cansadas porque ya no estamos jóvenes, emociónate con los mejores momentos del festival.

Hubo de todo, presentaciones únicas, primeras visitas a México y regresos esperados por los fans. También momentos irrepetibles, como Arcade Fire que luego de dar uno de los mejores sets del festival salió a comprar merch fuera del Autódromo. Sí, esa misma donde los mexicanos demuestran su creatividad y termina encantando a los mismos artistas. Unos cuantos afortunados aprovecharon para tomarse foto con los músicos.


Al día siguiente, tuvimos el regreso de Thirty Seconds To Mars, con el increíble Jared Leto, que le hizo honor a su lado teatral y extrovertido, saltando desde el techo de su escenario hasta el público emocionado.

Pulp se robó la noche del viernes, con una presentación especial, cercana con los fans al extremo de ver una postal inolvidable: Jarvis Cocker regalando pulparindos, el dulce tradicional mexicano con el que comparte nombre, luego de tocar “This Is Hardcore”.


El Corona Capital se volvió tendencia internacional porque la cantante Suki Waterhouse confirmó su embarazo en el escenario. La actriz británica lució hermosa con un vestido brillante, con el que interpretó “Good Looking Boy”, que no sirvió para distraernos de la noticia de su próximo bebé con Robert Pattinson.

Por si ya habías perdido las esperanzas en el amor, a una chica afortunada le propusieron matrimonio al ritmo de “Just Like Heaven” con The Cure en el escenario. Obviamente respondió que sí y festejaron con gritos de “qué emoción” del público a su alrededor.

@omarenlaruta Chavo le pide #matrimonio a su novia en el #coronacapital23 mientras tocaba The Cure. Le dijo que si #omarenlaruta #thecure #coronacapital2023 #pedirmatrimonio #triunfoelamor #parejasdetiktok ♬ sonido original - omar en la ruta

Hablando de postales icónicas, Damon Albarn hizo real la colaboración con Peso Pluma y, dentro de su set con Blur, tocó un pedacito de “Ella Baila Sola” en el piano. Para rematar con un “amo esta canción”, por si alguno tenía la duda.


Las directioners que vieron el show de Niall Horan se llevaron uno de los momentos más graciosos, mientras el músico repitió la forma única en que se dice su nombre en español: "Na-yal".


Así termina el Corona Capital 2023, que nos deja con un buen sabor de boca, sets inesperados que se quedarán hasta que recibamos una nueva edición del festival. ¡Nos vemos en el 2024!

Corona Capital 2023 (Día 1)

La calidez musical y la nostalgia son el mejor remedio contra la frialdad nocturna.

Los viernes de quincena suelen ser monstruosos pero cuando se trata del inicio del Corona Capital 2023 al menos hay un motivo para celebrar. El festival más patrocinado del país está de regreso para una fiesta de tres días con presencia de agrupaciones de todo el mundo. Pero además de la música también se ha consolidado gracias a la experiencia que ofrece a todos los asistentes mediante una rueda de la fortuna y otras atracciones.

Al igual que ocurre con la comida, no puedes empezar de forma directa con el plato principal. Primero están los aperitivos que ayudan a calmar las ansias y de forma gradual se avanza hasta llegar con los manjares.

Música emergente de todo el mundo

Con una tarde esplendorosa y unos rayos solares que llegaban hasta lo más profundo del ser dio inicio la primera de tres fechas. A pesar de ser viernes hubo fanáticos que acudieron de forma puntual al encuentro para obtener los mejores lugares. Dentro de los grupos iniciales fue Yard Act el que provocó las primeras sacudidas. El proyecto inglés tiene una historia demasiada corta pero luce como una promesa en ascenso.

El combo navega entre el post punk y el dance punk. Es música que se puede cantar y bailar sin seguir parámetros establecidos. Debido al ascenso que ha tenido la banda es bastante probable que muy pronto regrese a México en solitario porque su segundo álbum está planeado para salir los primeros meses del 2024.

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Por su parte, en festivales multitudinarios como el Corona Capital 2023 no pueden faltar los teclados acaramelados y las voces de terciopelo. Precisamente en uno de los escenarios secundarios se presentó Caroline Rose con su folk tierno y relajado que acaricia el alma. Música relajada para una tarde en plenitud que se empezó a fundir con la noche.

Mientras que en otros de los escenarios se presentó The Walkmen con su sonido rasposo y gritón que emergió en Nueva York en pleno nacimiento del Siglo 21. Han pasado más de dos décadas desde que el grupo fue parte de la última generación que le dio protagonismo a las guitarras y alcanzó a tener videos en rotación en MTV.

Los integrantes ya no son unos adolescentes tiernos pero ahora tienen un extenso bagaje y experiencia acumulada. Detrás de las arrugas y las canas hay personas que mantienen su gusto por la música y en parte fue el motivo de su gira de reencuentro. Uno de los puntos más altos de su presentación fue escuchar “The Rat” con la aguardientosa voz de Hamilton Leithauser y ejecutada a máximo volumen.

Con la oscuridad de la noche sobre la CDMX y los primeros vientos gélidos en los alrededores llegó el turno de Two Door Cinema Club. El conjunto de indie rock es la máxima representación de música bonita para corazones melancólicos. La voz de Alex Trimble es demasiado dulce que puede provocar diabetes aunque junto con sus demás compañeros logró crear una mancuerna con los varios miles de aficionados que para ese entonces ya se encontraban en el lugar. Nada que reprochar porque el sonido fue espectacular.

Entre la elegancia francesa y el desenfreno sueco

Por otra parte, con la llegada de la noche también llegó la hora de los actos principales. Uno de los más esperados por el público mexicano fue Phoenix y así lo demostraron sus canciones coreadas al unísono. Su regreso a tierras aztecas fue el perfecto perfecto para hacer un recorrido por su discografía. La dulce voz de Thomas Mars que incluso logró conquistar a Sofia Coppola engalanó temas como “Lisztomania” y “If I Ever Feel Better”. Aunque tal vez lo que más se recordará de este día fue que León Larregui se subió al escenario para cantar a dueto “Artefact”.

Después de la elegancia francesa llegó el momento del desenfreno sueco. Nadie puede negar que la parte más energética del primer día del Corona Capital 2023 fue gracias a The Hives. Cada integrante del combo se subió a la tarima con un elegante traje en blanco y negro y de manera inmediata empezó el caos.

El primer de garage con punk fue “Bogus Operandi” que se desprende de su nuevo álbum. A pesar de los años el proyecto se mantiene fresco y se niega a caer en las baladas depresivas. Mientras que de manera inmediata fueron enlazadas con “Main Offender” y “Walk Idiot Walk”, dos clásicos de la discografía de los europeos que jamás pueden faltar en sus conciertos.

Mientras que Howlin' Pelle Almqvist demostró que es uno de los mejores cantantes de rock de la actualidad. No sólo por su voz sino por su presencia escénica y la forma en que puede controlar a miles de personas con tan sólo decir un par de palabras. Para esta ocasión especial aprendió español y aunque su pronunciación no fue la mejor al menos fue de gran ayuda para lograr una conexión directa con el público.

Teatralidad y nostalgia por los noventa

Ahora bien, cuando se habla de vocalistas que imponen no se puede pasar por alto a Jarvis Cocker. Tuvo que pasar casi una década pero al fin regresó a México al frente de Pulp y su presentación fue lo más cercano a una obra de teatro. En todo momento se mueve por el escenario y hace bailes eróticos que fueron la delicia de los fotógrafos.

El recital empezó de forma lenta y misteriosa con “I Spy” pero al instante el escenario explotó cuando se escuchó la guitarra demoledora de “Disco 2000” y fue el regreso a la adolescencia para muchos. En tanto que debido al cariño que la banda tiene por el público mexicano decidió estrenar una canción titulada “Background Noise”. ¿Acaso muy pronto habrá un nuevo álbum de Pulp?

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La elegancia del combo inglés se mantuvo a lo largo de todo su concierto aunque se vio ensombrecida por el audio que jugó en contra. De cualquier forma, la noche fue perfecta para escuchar temas que hoy son clásicos de la música británica como “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” y “Do You Remember the First Time?”. Aunque de manera obligada el punto final llegó con “Common People” y varias personas entre el público que llevaron una máscara de cartón con el rostro de Jarvis.

Para continuar con la nostalgia por los noventa, en otro de los escenarios se presentó Alanis Morissette. El punto negativo fue la demora de 15 minutos para salir al escenario aunque en cuanto la canadiense apareció todo lo malo se convirtió en alegría. Lo mejor es que su regreso a México fue para interpretar las 12 canciones que conforman su laureado álbum Jagged Little Pill.

La cantante que hablaba de feminismo cuando era un concepto que parecía una utopía dejó complacidos a todos su fanáticos de antaño al recordar el disco que rompió todos los récords de ventas y logró un cruce perfecto entre el rock y el pop. Desde “Ironic” hasta “You Oughta Know” y “You Learn” fueron parte importante del Corona Capital 2023.

El punto final, al menos en el escenario principal, llegó con Arcade Fire y su regreso triunfal a México para ofrecer un recorrido por su abundante discografía. Con el controvertido Win Butler al frente dio inicio una montaña rusa de emociones gracias a canciones que lo mismo transmiten energía que melancolía.

Un protagonista importante de la noche fue Funeral porque es un álbum que se encuentra a punto de cumplir 20 años de su lanzamiento. Los seguidores más antiguos de la banda salieron complacidos con “Neighborhood #3 (Power Out)”, “Rebellion (Lies)” y “Wake Up” que se niega a envejecer. Aunque también se pudieron escuchar otras piezas emblemáticas como “Reflektor” y “No Cars Go” con arreglos majestuosos que brindaron calidez en una noche friolenta.

La primera jornada de un festival que se consolida con cada edición dejó varios momentos memorables que perdurarán por los años. La música como protagonista principal junto a las demás atracciones son la parte esencial de un proyecto que ha colocado a México en el panorama internacional aunque las sorpresas todavía no terminan.

Mastodon y Gojira en el Velódromo Olímpico

El duelo de los mega monstruos que enloqueció a la Ciudad de México.

The Mega Monsters Tour aterrizó a México con la presencia de Gojira y Mastodon presentándose en el Velódromo Olímpico “Melchor Ocampo”. En este primer encuentro las bandas no decepcionaron al público. 

La hora de comenzar se acercaba y el recinto lucía vacío. En punto de las 8 de la noche salió la banda originaria de Estados Unidos, Mastodon y como por arte de magia la celebración comenzó con “The Wolf Is Loose”, la energía de la gente ya se sentía. Desde el primer momento el fuego y sus visuales hicieron sinergia para apoderarse de los asistentes. 

Entre criaturas de otro mundo y kaleidoscópicos elementos de la naturaleza que nos llevaron a un viaje introspectivo, interpretaron temas como “Megalodon”, “Sultan’s Curse” y “Bladecatcher”. Sin embargo, el sonido no le hizo justicia y el público lo reclamó. 

Sin embargo, también tuvimos tiempo para apreciar una vida agonizante y la disputa entre el cuerpo, el alma y la siguiente vida con “The Czar”. Para cerrar y levantar el ánimo, Mastodon se despidió con “Blood and Thunder” e hizo que aquellos que no habían sacudido la cabeza lo hicieran por primera vez en toda la velada. 

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En cuanto terminó el show, las personas se reacomodaron y entre el público comenzaron a nacer unas ballenas inflables. Un símbolo que representa a Gojira y que sus fans han tomado, en este caso, para hacer honor a su famosa “Flying Wales”. 

22:20 H. Las luces continúan encendidas y no hay señales de la banda francesa. Cuanto menos lo esperaron, las luces se apagaron, siendo una cuenta regresiva en las pantallas lo único que alumbraba el lugar. Cuando parecía que el público lo había dado todo, se arrodilló ante un monstruo más gigante que comenzó con “Born For One Thing”. 

El fuego era mucho más intenso, la batería más poderosa y Mario Duplantier lo sabía. Después de “The Art of Dying” pudimos disfrutar de un solo que también invitaba al público a participar. “The Chant” no fue la excepción para que el público se uniera y coreara el tema. Las bengalas y el cirle pit tampoco faltaron y emocionaron a los fans que se encontraban un poco alejados. 

Todo show debe terminar. En el encore de Gojira pudimos disfrutar temas como "The Heaviest Matter of the Universe", "Amazonia" y "The Gift of Guilt".

Este duelo… un empate. Así que esperaremos la próxima batalla en el México Metal Fest.

Hipnosis presentó: Acid Mothers Temple en el Foro Indie Rocks!

Mentes derretidas tras un trance psicodélico.

De nueva ocasión y tras varios años de espera, Acid Mothers Temple regresaron a tocar a la CDMX, siendo el Foro Indierocks! el recinto que albergaría este cósmico espectáculo. 

Las Visiones, proyecto tapatío underground, administró las primeras dosis de estridentes riffs e hipnóticas melodías que prepararían a nuestros oídos para la explosiva noche que nos esperaba. 

Seguidos de ellos, Sunset Images nos trajo un mágico set lleno de contrastes, donde la atmósfera sonora pasaba sutilmente de la armonía de las guitarras chirriantes al caos de los potentes riffs de bajo, con súbitos aumentos en el volumen y ritmo de sus temas, generando gran emoción y vitoreo entre un público que conectó profundamente con su música, pues se les mostraba unidos en el headbanging al ritmo de doom metal.

El momento había llegado. Cada miembro de la banda japonesa tomó lugar en el escenario. Tras unos cuantos ajustes, “Dark Star Blues” arrancaría con la catártica experiencia del show. Distintas capas de visuales psicodélicos se desplegaron frente a nosotros, mientras que la guitarra de Kawabata Makoto nos llevaba por un hipnótico riff que llevaría los cánticos de Jyonson Tsu como mantra rumbo al nirvana.

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La intensidad del baterista Nani Satoshima es la constante a lo largo de todo el set, pues su entrega y concentración al interpretar le agrega muchísima fuerza a la presentación. Los sonidos agudos del sintetizador que Higashi Hiroshi ejecuta con suma calma y concentración genera altibajos que acompañan el aullante lamento de la guitarra de Makoto.

“Santa Maria” inicia, Jyonson canta con sumo entusiasmo en su interpretación y ecos pulsantes, envolviendo al público en un trance espacial, para que después el caos colectivo instrumental se desatara, alineado perfectamente con los fractales tras ellos que le añadirían ese estímulo adicional a nuestro cerebro para magnificar el espectáculo.

Acid Mothers Temple es una de esas bandas que justifica perfectamente la extensión alargada de sus temas. “Disco Pink Lady Lemonade”, un viaje auditivo de poco más de un cuarto de hora donde se combinan elementos del disco y del rock dentro de esta composición astral, que conectó con un público envuelto en el manto psicodélico de esta noche, al que se le veía emocionado, meditabundo, donde los pensamientos van y vienen mientras las pupilas se dilatan y el cuerpo se mueve al ritmo de la estridencia de la guitarra de Makoto.

Tanta fue la concentración tanto de la banda como del público que no nos percatamos de que ocurría un sismo a mitad del evento, que continuó sin ninguna clase de aviso o medida de seguridad para evacuarnos del recinto. La última media hora del concierto es dividida en tan solo dos temas, uno seguido del otro, manteniendo al escucha dentro del vaivén de ritmos y decibeles, que acompañadas de las transiciones visuales terminaron por derretir nuestra mente mientras vemos a Makoto agitar su guitarra por las alturas e invirtiéndola para tocarla desde el brazo hacia el puente, poniéndole fin a uno de los mejores conciertos que el Foro Indie Rocks! ha albergado este año.

UNKLE en Frontón México

Un potente espectáculo audiovisual no apto para cardiacos.

La noche del sábado fuimos testigos del DJ set del conjunto inglés UNKLE, un show que prometía calidad y una maravillosa fiesta.

El cantante y productor australiano, Driftwood, fue encargado de calentar los ánimos al inicio del show y aunque contara con poco público por las largas filas frente a las barras de bebidas y los accesos, sumados a las fallas constantes en el audio, su agradecimiento al público y gran actitud y energía fueron las constantes.

Tras un buen rato de espera donde el público silbaba impaciente por ver a los ingleses, finalmente las luces se apagaron y dieron lugar al inicio del show. UNKLE hizo aparición entre aplausos, arrancando su set con “Ar.Mour”, haciendo notar una gran producción audiovisual y un potentísimo audio que impactaba en nuestro pecho.

“Eye for an Eye” libera al público de la pose y de sus asientos para comenzar a mover el cuerpo. Este DJ set contó con grandes reversiones de sus temas originales, uno de estos fue “On my Knees” que fue creciendo en velocidad hasta alcanzar el ritmo de “Restless”, creando una combinación donde era imposible no bailar.

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Sin lugar a pausa alguna, “Looking For the Rain” nos hipnotizó con los maravillosos fractales mostrados en los visuales. La experiencia inmersiva era única, el recinto se inunda de color carmesí al sonar “Feel More / WIth Less”, el baile incesante nos lleva directo a “Catch Me When I Fall” y el goce en el rostro del público refleja el gran ambiente que se vivía.

Con freno de mano, “U.N.K.L.E. Main Title Theme” reduce nuestro movimiento al ritmo del trip hop, mientras que en pantalla vemos visuales que hacían referencia a la portada del álbum Psyence Fiction, lanzado por ahí de 1998. Tras haber recuperado energía, el mejor momento de la noche se hizo presente de la mano de “Burn My Shadow”, donde nuestra mente colapsa por la perfecta combinación entre penumbra y luces estroboscópicas, de la mano de un potentísimo audio que impactaba fuertemente en nuestro pecho, acelerando al máximo nuestro ritmo cardiaco.

“Touch Me” nos mantiene bailando sin cesar, pasando por el éxtasis durante “Reign” y concluyendo esta primera parte del show con una reversión de “Bloodstain”, muy contrastante a la original, pues esta mantuvo el enérgico ritmo para hacernos sudar por el beat.

Tras una breve pausa, UNKLE vuelve al escenario para desgarrar gritos de júbilo entre el público, pues un cover a “Unfinished Sympathy” de Massive Attack sonaría por todo lo alto. Después, “Lonely Soul”, aquel tema grabado con Richard Ashcroft daría lugar al momento más cadencioso y sensual de la noche, donde la gente no se limitó en cuanto a demostraciones públicas de afecto.

James le pide al público que prenda las luces de sus celulares, iluminando el Frontón México a lo largo y ancho, mientras que “Heaven” apaciguaba nuestra mente. Finalmente, “In A State” detonó nuestras últimas gotas de energía mientras bailamos desquiciadamente, dándole fin a uno de los mejores shows que he visto este año, gracias al cauteloso detalle en la producción del material visual, la asombrosa programación de luces y el impecable y potente audio.

The Smile en el Auditorio Nacional

La banda ofrece en su primera gira mexicana un sonido tan delicado como una mariposa y tan imponente como un dragón.

La vida está llena de emociones que se complementan entre sí y también es lo que ocurre al escuchar el trabajo de The Smile. No es un proyecto que se puede etiquetar en un género porque navega por varios y en ninguno se queda estacionado. La libertad es una de las máximas virtudes de este trío de reciente creación pero que tiene demasiada experiencia detrás de cada uno de sus integrantes.

Apenas ha transcurrido un año desde que el mundo descubrió la existencia de esta nueva banda de Oxford. Durante este lapso ya dejó constancia de un álbum y además ha recorrido diversos países con presentaciones tanto en grandes festivales como en íntimos foros.

¿Las segundas partes nunca han sido buenas?

Pero aunque las canciones en estudio del combo se escuchan bien, nada se compara con la experiencia de la música en directo. Por eso la primera visita a territorio mexicano de The Smile o Radiohead 2.0 generó altas expectativas. Una fecha en el Auditorio Nacional no fue suficiente y se tuvo que abrir una segunda por todos los boletos vendidos.

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En primer lugar se podría pensar que tres personas no pueden crear una combinación musical demasiado extensa pero es un error. La experiencia de cada uno y el cambio constante de instrumentos provocan que el resultado sea tan delicado como una mariposa y tan imponente como un dragón.

Ahora bien, algo que han dejado en claro los integrantes del tridente es que su máxima aspiración es trasladar al escenario la experiencia de estar en un pequeño estudio de grabación. Con esto en mente, no hay grandes recursos visuales ni otros accesorios de apoyo que muchas veces sólo funcionan para alimentar el ego de los músicos. Aquí se trata de generar sensaciones y no caer en la superficialidad del show del medio tiempo de un Super Bowl.

La relación que existe entre Thom Yorke, Jonny Greenwood y Tom Skinner es tan fuerte que ni siquiera necesitan voltear a verse entre sí. Cada uno conoce a la perfección su papel sobre el escenario y el resultado es un engranaje perfecto. Al mismo tiempo, la interacción con el público es mínima y tan sólo se escucharon un par de frases durante toda la noche. La solemnidad hace pensar que se trata de un proyecto alterno de Kraftwerk pero no es así.

Al igual que su álbum debut, A Light for Attracting Attention, el recital empezó con la tranquilidad de “The Shame”. La introspección de la melodía fue acompañada con un juego de luces que marcó el inicio de un viaje a otra dimensión. Pocas veces la tristeza se puede disfrutar como cuando se escucha la voz de uno de los compositores de “Creep”.

Por su parte, la sensación de inmediato dio un giro al escuchar las primeras notas de “Thin Thing”. La pieza contiene ligeros guiños al math rock y es ideal para demostrar las capacidades de Skinner en la batería. Estar junto a dos de los fundadores de una de las bandas más importantes de las últimas décadas implica una fuerte responsabilidad.

De la introspección a la estridencia

Mientras que en la parte central del escenario y en medio de sombras el dueño absoluto es Greenwood. Sus capacidades son tan grandes como su altura y por eso se resiste a ejecutar un instrumento porque en cada canción cambia de arma de trabajo. De igual forma, tiene el talento para hacer que una nota de guitarra suene como una copa de cristal o como un trueno.

Al finalizar cada canción existe un reacomodo de instrumentos que hace pensar que se trata de un ensayo y no de una presentación frente a 10 mil seguidores. En un punto el staff dejó un piano en la parte frontal del escenario y aunque algunos fanáticos de antaño pedían a gritos “Karma Police” en realidad lo que sonó fue “Pana-Vision” con Yorke al frente de las teclas. La melancolía va implícita en su voz que tiene el mismo tono hipnótico de una sirena.

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En diversos puntos de la noche el trío se convirtió en cuarteto con la incorporación de Robert Stillman en el saxofón. Sus participaciones fueron breves pero le dieron un sabor distinto al pastel llamado The Smile.

Al contar con tan sólo un álbum prácticamente todas las canciones del material se escucharon aunque también hubo lugar para algunas sorpresas. Dentro de lo inesperado, el trío aprovechó su paso por México para estrenar “People in Balconies”. Pero la mayor rareza de la noche fue “Feeling Pulled Apart by Horses” de Thom pero ahora con un nuevo arreglo que la llenó de poder y catarsis auditiva.

Tal y como lo dice el nombre del proyecto, al finalizar la presentación la consigna general es ver una sonrisa en el rostro de cada uno de los asistentes. Todavía no hay una fecha para un hipotético regreso de Radiohead aunque mientras existe un jugoso aperitivo para los más hambrientos.

The Sisters of Mercy en el Circo Volador

Una noche de contrastes entre su pasado y presente.

Escuchar algunas grandes bandas es apreciar a todo un género en su conjunto. Así se siente la música de The Sisters Of Mercy y pese a que su vocalista, Andrew Eldritch disentiría, son uno de los eslabones más importantes de lo que ahora conocemos como gothic rock, estilo que estaría incompleto sin el paso de la banda por la escena musical de los años 80.

La relevancia musical de este conjunto radica en que fueron importantes en la consolidación del rock gótico, por ende, inspiración de bandas subsecuentes de gran calado, por ejemplo, Fields of the Nephilim o The Mission. Además, su influencia alcanza al metal, pues bandas como Cradle Of Filth o Kreator han covereado sus canciones. 

Lograr tal autoridad musical, trascendencia y permanencia, tanto en el tiempo y gusto de la audiencia, es algo que pocas agrupaciones pueden presumir y lo cual fue contundentemente claro durante su presentación en la Ciudad de México.

La banda volvió a la CDMX luego de su concierto en Guadalajara, luego de su última presentación antes de la aparición del Covid-19 en el mundo. Pese al calor que azota la capital, previo a la puesta del sol, decenas de personas enfundadas en atuendos negros comenzaron a invadir el histórico Circo Volador

Dentro del recinto, la temperatura era más elevada, la cual, ascendía con el continuo arribo de la gente y la temprana presencia de luces estroboscópicas que dieron paso a los teloneros locales, Prismatic Shapes. Con ritmos frescos que dan nuevos bríos al post punk, el trío capitalino demostró que la innovación compositiva para el género no está paralizada. 

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Luego de una pausa con música instrumental bastante anticlimática, Andrew Eldritch, Ben Christo y Dylan Smith saltaron al escenario con una nueva canción, “Don’t Drive on Ice”, apenas interpretada en vivo el año pasado en Países Bajos. Con esta y otras nuevas canciones como “Eyes of Caligula” corrió la primera hora del concierto que erradicó las críticas hacia la agrupación por no presentar material nuevo desde hace varios ayeres. 

Con lo anterior, Andrew Eldritch demuestra que su calidad compositiva no declina, lo mismo que su cavernosa voz, a la cual las malas ecualizaciones nunca le hacen justicia, al menos durante sus presentaciones en México. 

El gran ausente de la noche fue el mítico álbum First and Last and Always del cual apenas se interpretó “Marian”, esto quizá para dejar un tanto de lado su pasado más lejano y adentrarse en nuevas canciones, lo cual, deja la esperanza de ver a Andrew Eldritch volver al estudio. En compensación a ello, la banda tocó clásicos como “Alice”, “More” y “Dominion/Mother Russia”.

Luego de una breve pausa, la banda volvió para enloquecer a su audiencia con enérgicos clásicos para culminar su presentación: “Lucretia my Reflection”, “Temple of Love” y “This Corrosion”. Esto provocó que por momentos el entusiasmo de los asistentes, traducido en gritos, superara el audio y por lo cual, al finalizar la agrupación se inclinó hacia su público en muestra de reconocimiento.

En muchos sentidos, The Sisters Of Mercy es considerada un clásico, ya sea del estilo o de los lugares en donde suele escucharse música similar, aunque a veces se olvida que muchas de sus canciones son melodías insignia de todo un movimiento contracultural que se hace presente con fuerza en noches como esta.