Fotografo: Bere Rivera

Hola soy Bere Rivera o BRO como muchos me conocen, soy egresada de la carrera de Diseño y Comunicación Visual de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM.

Me especializo en la fotografía de retrato y espectáculos principalmente. He trabajado para Bud Light, Dos Equis Mx, Mercedes Benz Fashion Week México y colaboro en Indie Rocks! Magazine.

Instagram: @bereriveraoficial

Entrevista con Jungle

La banda inglesa que fusiona ritmos del mundo.

Previo a subirse al escenario del festival Vaivén 2022, platicamos con la banda Jungle y nos contaron brevemente su sentir al ser parte del cartel de este festival.

Jungle, como ya muchos saben es un proyecto de música electrónica que sus sonidos están compuestos por una variedad de instrumentos que hacen de su set una fiesta total. Jungle, comenzó su carrera en el año 2013 con el dúo Josh- Lloyd Watson y Tom McFarland. Como parte de la gira mundial de esta banda procedente de Inglaterra, se escogió a México como uno de los lugares que forman dicho recorrido. En nuestro país estarán mostrando su éxtasis musical en el Vaivén como uno de los headliners del encuentro musical.

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Al preguntarles cual eran sus expectativas sobre esta presentación, respondieron. “La gente mexicana tiene una buena energía hacia la banda, es muy pasional y entregada hacia la música. Tal respuesta se debe a la entrega que el público mexicano tiene con sus artistas y del mismo modo a la energía cuando escuchan este tipo de géneros musicales.”

La Ciudad de México tiene muchos de los mejores festivales, nos sentimos muy halagados de ser partícipe de uno de ellos. Así que esperamos solo buenas cosas para esta presentación.”

Existen razones especificas por las cuales las bandas regresan a nuestro país, en el caso de Jungle la razón por la cual México es parte de ellos es por la explosión musical que existe cuando pisan el escenario.

“Lo dije antes, buena energía, en contraste con Londres, existe un choque cultural porque allá suelen ser más serios en nuestros conciertos, pero aquí las personas nos contagian de esa energía lo cual hace que al final todos seamos uno en la fiesta. La razón por la que regresamos a México simplemente es porque amamos el país. La gente es increíble aquí.”

Siempre es curioso, pero no menos importante conocer los gustos musicales de los artistas, en este caso para el dúo de Jungle el repertorio de bandas es una mezcla de distintos géneros.

Es una muy buena pregunta, todas las preguntas relacionadas con la música son buenas. Dentro de las bandas que nos inspiran y que nos gusta escuchar está Radiohead, DJ Shadow, The Beach Boys, knowledge, y más, creo que las posibilidades musicales en la actualidad son infinitas, puedes escuchar a un artista que comenzó hace 50 o 60 años atrás, pero al mismo tiempo a uno que apenas tiene unos cuantos años en la música; sin embargo, los sonidos son y serán influencias de creaciones pasadas. Son tantas las bandas favoritas que no se pueden recordar en este momento. Es como escuchar géneros musicales en un día, ¡no puedes! Son tantos que nadie sabe con exactitud cuántos existen”.

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Con este comentario, Jungle terminó la amena charla horas antes de pisar el escenario Vaivén. Lo que podemos esperar de su show es una gran fusión de sonidos y sin duda mucho baile.

“Muchas gracias por su apoyo y estaremos regresando al país para futuras presentaciones”.

 

Entrevista con Charlie Rodd

Experiencia, el efecto de ver desde otra perspectiva.

“Todo lo que se expresa en arte precisamente eso es lo que busca; llevar a la gente a ese lugar tuyo que no conocen, y a ti, el llevarte por ese mundo de recuerdos que alguna vez sentiste y que te hicieron ser la persona que eres ahora”.

El arte como actividad humana ha logrado tanta conexión entre los individuos que cuando se habla de las Bellas Artes, la música siempre está en los primeros lugares del pensamiento del hombre, y cómo negarlo si todo el tiempo estamos escuchando alguna melodía, para seguir el recuerdo o para dejarlo ir, para los mejores y peores momentos, en los tiempos de compañía y en los de soledad y encierro como los que recientemente experimentamos con la pandemia, entonces recurrimos a esta expresión y es justo ahí cuando Charlie Rodd decide comenzar a escribir canciones, pasando por un momento de introspección donde sus composiciones van de la mano con el aprendizaje y una nueva manera de ver las cosas desde otro ángulo:

Aprendí a saber que las cosas externas nos afectan pero no tienen que cambiar nuestra manera de ser y de pensar”.

Para el regiomontano la construcción del disco inició como una manera de manifestar su sentir del día a día, pero al notar que iba en el quinto tema, se decidió por crear el disco completo llamándolo Algo Mejor, surgido de la tempestad y trayéndonos la calma.

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Este proceso de escribir y componer, Charlie lo inició de una manera muy profunda con el track “Amor Sincero”, que habla de notar cuando las cosas ya no son como antes, y siguiendo “Con el Tiempo”, éste “muestra el espacio de conocer los diferentes relieves que hay en la vida y saber que el camino te va a ir llevando por donde tienes que llegar”.

En este su tercer disco, él quiso trabajar en el aquí y el ahora, interesándose en acercarse más hacia la gente lo escucha y en tratar de entender sus puntos de vista, por ello el joven cantante a través de “La Vida nos Hizo en Pares”, creó este proceso tan interesante de poder guiar a sus fans a hacer una canción y ver qué les gustaría escuchar y sentir:

Estar más cerca y entender más a las personas te hace ser más empático, te cambia la manera de ver las cosas y por ende la manera de transmitirlas y escribirlas”.

Parte de los cambios que hubo y la nueva manera de ver las cosas, el productor Rudy Martínez junto con Charlie, tuvieron la idea de meter un cuarteto de cuerdas y una orquesta para algunas de las canciones, “a veces una canción muy íntima solo lo puede ser mostrada con unas cuerdas, un violín, un violoncello…” por lo que al final se decidió hacer lo mismo para otras más, permitiéndonos disfrutar gráciles melodías y dando un toque especial al álbum.

En cuanto a las canciones preferidas, todos tenemos alguna y al preguntarle a Charlie cuál era la suya, respondió para Indie Rocks!: “'A mi Lado' es una canción que disfruto mucho tocar en vivo y que me encanta escuchar también, es una canción que tiene mucho que expresar y que en vivo lo transmite”, pero también está aquella que trae recuerdos tristes y que sin embargo no excluyó del álbum, se trata de “Amor Sincero”; “una canción fuerte, dramática y nostálgica”, que hace la plenitud de un buen disco para poder disfrutar de varios sentimientos en uno solo.

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Si hay algo que nos entusiasmó mucho fue la colaboración con Leo Rizzi, el chico español que encantó a miles con su voz en “Amapolas”, entre los fascinados estuvo Charlie quien lo contactó para participar en su sencillo “Algo Mejor”. “Aportó algo muy diferente a lo mío, pero le dio algo especial a la canción, una chispa” menciona, pues existió una empatía en las emociones creadas.

Venimos a vivir cosas sin ver qué nos gusta, qué no nos gusta, qué queremos volver a vivir y de qué nos alejamos, pero si no lo vivimos de qué sirve saberlo”. Expresó el artista

Si hay algo que para Charlie evolucionó desde su primer disco a este último, fueron los aspectos personales. El proceso de aprendizaje del 2020 a la fecha fue un “parteaguas” en su vida pero que agregó esa esencia a su álbum logrando una peculiaridad destacable de entre otros discos surgidos de la pandemia.

La palabra experiencia puede conformarnos como individuos, pero así es como Charlie Rodd definió a su álbum con tan solo una palabra, y es que con este material discográfico él pudo viajar a España para presentarse con la banda Tu Otra Bonita, una experiencia “loquísima” que lo volvió muy feliz y seguro de sí, para poder en un futuro volver y conectar con “una emoción universal, saber que todos sentimos lo mismo sin importar el país en el que estés porque a veces la música no tiene lenguaje”.

Definitivamente las composiciones que Charlie nos presenta son aquellas que han salido del alma para conectar con todo aquel individuo dispuesto a abrir su corazón y poder comenzar a disfrutar lo que está en el aquí y ahora.

Hipnosis Presenta: DIIV + No Somos Marineros en el Foro Indie Rocks!

Explosiones de sonido para jamás mirar atrás.

Hipnosis ha sabido curar uno de los espacios sonoros más disfrutables entre los afines al desgarre en overdrive, presentando nuevas propuestas a viejos oídos y dando rienda suelta a proyectos ya consolidados de la lisergia colectiva. La marejada de soundscapes presentada la noche de ayer, al interior del Foro Indie Rocks!, es el fruto más reciente de esta madurez colectiva, reventando las paredes del venue a filo de melomanía nacional.

Tras la conmoción inicial debido al sold out, sería tarea de Andrés Pérez y compañía irnos aclimatando a la gama de texturas sonoras que teníamos por delante. Así, y tras una breve introducción armónica, No Somos Marineros dispararía contra el público capitalino soltando "Eurosport" a la cabeza del setlist, seguida por un breve intercambio de palabras partidas pedazos en "Cul-de-Sax".

Si bien la multitud parecía resistirse a la navaja melódica del cuarteto, el avance del concierto dio paso a las tajadas más profundas de la agrupación, ganándose la exhalación de los asistentes hilando cortes del D'arcy (2017) con más de un track del celebrado Lomas Verdes (2014). Culminando en el desolle sónico de "Cutlass 96" y arrancando el aire sobrante de nuestros pulmones vía "D'arcy".

No Somos Marineros terminaría su presentación con una canción inédita, dando paso a un interludio de hum como único augurio de la ola de sonidos neoyorquinos próxima a impactar contra nosotros.

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DIIV se abría paso entre la atmósfera post rock al tronar de "For the Guilty", rellenando el poco espacio libre entre la multitud de recursos shoegaze, efervescencia indie y el grito eufórico de todos los presentes.

La noche avanzaría en un popurrí de estridencia pareada perfectamente con la línea de melancolía harsh presente en los visuales, presentando grabaciones en VHS distorsionadas entre rasgueo y rasgueo y dando rostro al sonido proveniente de las cuatro delgadas siluetas sobre el escenario; el recuerdo de una juventud prendida psych.

Tracks como "Under the Sun", "Past Lives" y "Take Your Time" destacarían al correr del setlist, pasando de la ligereza de sonidos garage o distorsiones de grunge tiradas stoner, dando cátedra y fe del torrente de influencias noventeras en las venas del cuarteto.

DIIV cerraría entre versiones extendidas y salvajismo a seis cuerdas hasta prender en ruido el foro con la más que celebrada "Blankenship", llegando el release de encore vía "Earthboy", "Sometime" y "Doused"

 

Camila Moreno en el Foro Indie Rocks!

Camila Moreno y una noche de sucesos post apocalípticos.

¡Maldita sea la pandemia! Antes de que el tiempo se congelara por dos años en un limbo interminable, Camila Moreno andaba presentando Pangea con una serie de conciertos que eran una completa locura… ¡Y nos los perdimos!, ¡Porquería de pandemia!

Pero por fin tenemos a la Camila de regreso en una pequeña gira que inició en Puebla, llegó a la CDMX con dos shows acústicos, uno más privado e intimo que el otro y cerró en el Foro Indie Rocks! para quemar el reino y todo a su paso.

Que dios te salve María

Completamente sola arriba del escenario, rodeada de instrumentos sin dueño y armada solo con una laptop, MARÍA se trepó a la tarima a refinarse unas cuantas rolitas de pop electrónico con letras de empoderamiento y amores pasados. 

¿El público la recibió bien? Hubo algunos que tardaron en entender lo que estaba pasando, pero al final terminaron bailando, aplaudiendo y tomando videos. Pero lo importante aquí es que ella se trepó sin miedo a derramar la vibra sensual que impregnan sus canciones.

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Post Apocalipsis Now

La pantalla arriba del escenario nos introduce a la experiencia conceptual que estamos por vivir, las luces rojas y azules comienzan a iluminarnos y Camila Moreno se planta frente a nosotros en forma de trio para dar inicio con “Rey”.

La gente ama a la Camila, todos bailan, gritan, aplauden, están contentos de estar junto a ella gozando la nueva música… Y de repente algo sale mal con los samples de la laptop, hay un breve silencio extraño y la cara de la Camila explotando de enfado mientras se arregla.

Camila Moreno se despoja de dos kilos de ropa y da indicaciones a su público para cantar la siguiente canción: “Es Real”. “Que se acaben Kast y Piñera, vamos a quemar el reino, todo gratis y todo gay”, ese nuevo coro suena bastante bien… Sobretodo la parte gratis y gay.

Invitados post apocalípticos

Para combatir a todos los farsantes que deben ser eliminados del nuevo mundo se necesita un poco de ayuda. Al trio post apocalíptico se le une MARÍA para cantar “Déjame”, canción que originalmente canta con Lido Pimienta y Ximena Sariñana.

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Se abre un portal para dejar entrar canciones del pasado y los hermanos Durán de Los Bunkers se unen a la Camila para interpretarlas. El primero en salir es Francisco Durán quien con un bajo Rickenbacker como arma toca “Tú Mamá Te Mato” y “Sin Mi”.

Mauricio Durán hace relevo y se sube con una poderosa Fender Jaguar color crema para darle punch a “Libres y Estúpidos” e “Incendié”, logrando darles esa energía que necesitan esas canciones para ser cantadas a volumen alto.

El demonio está en lo acústico

Una de las cosas que más agradecemos y amamos de Camila es que no tiene miedo de entregarse al público por completo y desnudar su alma.

En un momento Camila dice algo como: “Estoy harta de la amplificación”, se desconecta de todo y sale Paz Court a acompañarla a cantar una parte de la trilogía del despecho: “Lo Cierto”, ellas dos y una guitarra acústica al demonio.

En “Villano”, mi favorita de favoritas del Rey, son dos guitarras acústicas solamente, sin batería, sin samples, solo dos guitarras sonando y Camila Moreno dejando que la voz se eleve.

“Te Quise”, otra más de la trilogía del despecho, es solo Camila y su piano. Solo con guitarra eléctrica en mano, Camila interpreta “Raptado” y “Ojos Azules” a petición del público.

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Pero la parte más intima del concierto es cuando Camila se despoja de todo, no hay ningún instrumento sonando, solo ella y su voz cantando “Corderito Mío” un poema de Gabriela Mistral que forma parte del Rey.

Toda esta sección fue la que más disfruté del concierto, no quería se acabara nunca, Camila tampoco quería irse, ojalá hubiera durado hasta la eternidad, cantando canciones de toda su discografía u otras que fueran saliendo a vuelo.

Los sucesos desafortunados no nos importan

Claro, hubo varios errores técnicos. Los detalles técnicos comenzaron con samples salidos de control, sobre la marcha hubo micrófonos que no sonaban, guitarras con amplificadores apagados y uno que otro sample con un volumen muy bajo.

Pero una de las cualidades de un en vivo de Camila Moreno es que sus canciones suenan con mucha más potencia y las sensaciones que impregnan cada una de sus rolas incrementan su poder en comparación a las versiones de estudio. Eso es lo único que importa al final.

Ceremonia 2022 en Parque Bicentenario

El esperado retorno de los festivales, Ceremonia 2022.

Sol, calor y outfits que irán perdiendo su glamour conforme avance el día, es lo que se vio durante las primeras horas del Festival Ceremonia, que regresa tras los dos años de inactividad generalizada a raíz de la pandemia. El cambio de sede y el line up, auguraban un día exitoso para la organización y así lo fue.

Era hora de iniciar y los primeros actos comenzaban a darse, en este grupo estaba Noah Pino Palo, cuarteto regiomontano, que mostró su emoción por el regreso a los escenarios, agradeciendo a su público con una enérgica presentación, y tocando material inédito. Selene también se presentaba en esta primera tanda, despidiéndose coreada y ovaciona. Estas primeras presentaciones muchas veces sirven para descubrir talentos emergentes, al igual que, darnos cuenta que estos artistas tienen un nicho fiel.

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Ya entrando en ritmo el dúo de Chicago, Drama, hizo vibrar al Ceremonia, su combinación de R&B y electrónica puso a bailar a los asistentes, la poderosa presencia de Via Rosa lidero esta fiesta. Baja el sol en el parque bicentenario, y Molchat Doma interpretan música ad hoc, el synth pop oscuro de los bielorrusos baja los decibeles del Ceremonia, pero no su calidad, prueba de ello es la cautivante atmosfera que lograron crear en el escenario principal.

Después de recorrer el festival, y sus largos trayectos entre escenarios debido no tanto a su colocación, sino al manejo de las vías de acceso, hacía que por momentos se perdiera cierta fluidez, era tiempo de descansar, pero no se pudo gracias a uno de los momentos más esperados, la presentación de Snow Tha Product, rapera mexicoamericana, quien hizo explotar el escenario Agua Rifada, con un set lleno de confesiones, relacionándola íntimamente con sus fans. A media tarde y después de inicio accidentado, la británica Shygirl se recuperó tomando el escenario Traición, quedándole un poco corto a ella y su público, caso que se repitió varias veces en ese lugar.

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Caída la noche, Nicola Cruz cautivó a los asistentes con su set en vivo, creando sonidos hipnóticos con visuales que lo acompañan en una muestra clara de destreza por parte del productor. Lleno total en el escenario Ceremonia para ver a la figura central del corrido tumbado, y una de las más controvertidas de la música mexicana, tal vez divida opiniones aún, pero aquí, Natanael Cano, estuvo cobijado por su público. Mientras tanto, la argentina Nathy Peluso, llenó el escenario con su presencia y mostró versatilidad, saltando de géneros en cada canción, yendo del pop a la salsa, pasando por el hip-hop y el trap, con plena naturalidad.

La nicaragüense Tokischa, conquistó al público con su mensaje de empoderamiento femenino a través de los ritmos urbanos. Descritas como crudas y directas, pero a fin de cuentas contundentes, sus fans no sólo gustan de sus letras, sino que las viven, su presentación no se sintió opacada en ningún instante por quien era una de las cartas fuertes del Ceremonia, C. Tangana, que nuevamente nos invita a la mesa. Esta es la tercer puesta en escena de El Madrileño en nuestro país, y como cualquier obra comparte la dualidad de que es otra y la misma cada noche que se presenta, en está ocasión no desaprovecho la oportunidad de interpretar “Ateo” con Nathy Peluso, momento que esperaban los asistentes desde la develación del line up completo.

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Luego siguió el turno de Tainy, la mente detrás de prácticamente todos los éxitos del reggaetón y con casi 20 años de trayectoria, le bastaron los primeros dos hits para movilizar un mar de gente a corear, nos guste o no, los himnos de una generación. Llegaban las últimas presentaciones, y el legendario Wu-Tang Clan hacía acto de presencia, un repaso por su discografía hizo ondear el signo de la W por todo el Parque Bicentenario. Poderoso, carismático, es difícil encontrar el adjetivo correcto que describa el show de esta noche, sólo hicieron gala de la experiencia que les ha dado tantos años de trayectoria.

Otra de las figuras que se dio cita en el festival fue Arca, que convocó a sus seguidores desde temprana hora, esperando llegara el momento de esta misa electrónica llena de beats pesados e intervencionismo musical, mucha energía en espacio que quedó pequeño para contenerla. El primer escenario que cerraba sus actividades lo hizo con A$AP Rocky. Un show espectacular del oriundo de Harlem, fuegos artificiales, mosh pit, e incluso él lanzándose al público, hit tras hit, llenó las expectativas de quienes tanto lo esperábamos.

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El segundo en cerrar fue Traición, siendo Channel Tres el encargado, con un concierto íntimo, atrapado en el ajuste de horario, que sin embargo se pudo disfrutar en una atmosfera idílica; la madrugada, el lago artificial y el hecho de que poco a poco salían los asistentes, dejando sólo a los necios y los fanáticos que también acompañaron a Bicep para cerrar esta edición del Ceremonia, los beats del dúo de Irlanda del Norte retumbaban por las instalaciones vacías y acompañaban a quienes emprendían su camino a casa, finalizando una nueva edición del festival, que en esta etapa de sanación y retorno, después de la ausencia obligada, aún sigue posicionado dentro de la agenda, dada su calidad y combinación ecléctica al elegir el talento. 

The Drums en el Pepsi Center WTC

Elegante y divertido, así es un concierto con Jonny Pierce.

Era un viernes dos de septiembre de 2011, cuando The Drums compartía Portamento; un álbum que con gran responsabilidad daba continuidad a su homónimo, debut y aclamado material discográfico, el cual incluye temas como “Me And The Moon” y “Down By The Water”, joyitas que en la actualidad son cien por ciento atesoradas por sus fieles seguidores, y que hace 12 años nos volvían locos por primera vez. Para fortuna de todos, la que para aquel momento era la segunda y nueva entrega trajo consigo una decena (y eventualmente un par más) de nuevas canciones que, en pleno 2022, juntan más de 300 millones de reproducciones en plataformas digitales. En agradecimiento a ello, Jonny Pierce decide visitar de nueva cuenta a uno de sus públicos favoritos: el mexicano. 

Es así como la noche del 23 de marzo el Pepsi Center se cubrió de magia, brillo, elegancia y destellos. Pero antes de llegar al punto clave, debo mencionar que Los Blenders fue la banda local que se encargó de abrir el show. Entre emoción por algunos asistentes que sintieron esto como un premio doble, y desconcierto por otros tantos que al parecer no estaban enterados de este acto, en punto de las 20:15 H comenzaron a escucharse las rolitas “Ponte Punk” y “Amor Prohibido II”, entre algunas más que dejaban ver en la pista una que otra cabeza moviéndose en modo de goce y aceptación. 

En pequeños momentos que se presentaban en el inter de canción y canción, Alejandro Archundia agradecía el buen recibimiento; y no es para menos, la banda se presentó el pasado fin de semana en el festival Vive Latino y a principios de esta abrió el show gratuito de IDLES en House Of Vans. ¡Días muy activos para Los Blenders! Su fugaz participación en el recinto del World Trade Center culminó cuando comenzó a escucharse “Ha Sido”, una buena elección para dejar a todos con los ánimos en alto y con ansias de querer que lo que estaba por venir llegara ya.

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Para eso de las 21:20 H, de lo más alto del escenario comenzó a bajar un letrero que durante el resto de la noche sería parte protagónica del concierto; Portamento es lo que decía, y mientras este llegaba al centro de la vista de todos, los gritos, empujones y celulares en alto listos para capturar la aparición de The Drums no se hicieron esperar. Todo estaba casi listo, solo faltaba lo más importante…¡Jonny Pierce! Salió al escenario con un par de guantes azules brillantes y una playera amarilla que, en conjunto, bien podría ser una referencia a Brutalism, álbum que la banda lanzó en 2019. 

Llegó la primera canción y la emoción de aproximadamente 4 mil asistentes cada vez era más grande, los gritos y coros se hacían uno con la voz proveniente del micrófono, y las luces blancas y repentinas daban ese toque de elegancia y diversión que Jonny tiene siempre presente, dentro y fuera de los shows. Para eso de la cuarta canción la sofocación, sudor, brincos, gritos, fotos y videos estaban más que presentes. ¿La razón? “Money”. Al ritmo de “I want to buy you something, but I don’t have any money. No I don’t have any money” y de los característicos pasos de baile que se iluminaban desde la tarima, el Pepsi Center retumbaba de felicidad.

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Así fue como “I Need A Doctor”, “How It Ended”, “I Don’t Know How To Love”, “Days” Hard To Love” y el resto del álbum celebró en grande un año más de vida. Un año que suma poco más de una década y que a pesar del paso del tiempo se sigue disfrutando como si recién se hubiera estrenado. Portamento es un LP clave el la historia de The Drums, tiene canciones que son icónicas para la banda y que en giras especiales como esta, o en cotidianas como las que se acostumbran en cualquier otro momento, se disfrutan muchísimo arriba y abajo del escenario. Tanta fue la emoción por parte de Jonny Pierce que en distintos momentos se detenía para capturar con la mirada y corazón el cariño tan grande que le tienen sus seguidores, y evidentemente lo agradeció en repentinas ocasiones.

El setlist referente al disco estrella de la noche se terminó, pero eso no fue suficiente para la banda. Se sumaron canciones aclamadas por el público, como “Lets Go Surfing” y obviamente “Meet Me in Mexico”. El concierto culminó en punto de las 22:40 H; y entre vasos de cerveza, vacíos y tirados, los asistentes regresamos a la vida cotidiana, la vida de un miércoles cualquiera por la noche, la vida en la que The Drums sigue viajando por el mundo para compartir su magia mientras que aquí nos quedamos nosotros, con un gran recuerdo de una visita más de la banda a nuestro país.

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Vive Latino 2022: Día 2

El cierre del Vive Latino superó las expectativas de los asistentes quienes saturaron varios escenarios.

Después de haber quedado con un gran sabor de boca al finalizar el primer día de actividades del Vive Latino 2022, todas las personas que se dieron cita ayer en las inmediaciones del Foro Sol salieron más que satisfechas de poder presenciar actos que obtuvieron su consolidación en carpas pequeñas y también artistas que lo dieron todo en los escenarios principales. El segundo día de Vive Latino 2022 fue inaugurado con las presentación de Technicolor Fabrics Son Rompe Pera, estos últimos pusieron a bailar a la gente que decidió ir al escenario Indio. Varios quedaron sorprendidos al escuchar a la banda originaria de Naucalpan y cómo mezcla el punk, reggae y psychobilly con el sonido particular de la marimba. Fue un gran acierto calentar motores con Son Rompe Pera, hace varios años que no se veía que una banda debutante tuviera tan buena química y recibimiento por parte del público. ¡Cumbia is the new punk!

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Mientras Son Rompe Pera seguía poniéndole sabor al Vive Latino, en la carpa VL Ramona le daba un toque más sentimental y romántico. Los comandados por Jesús Guerrero demostraron por qué se van a aventurar a salir de gira por todo México, tienen una base de fans muy sólida que los respaldó llenando la explanada de la carpa VL. Ramona tiene una conexión especial con la CDMX y quedó claro después de escuchar cómo todos los que estaban ahí cantaban cada una de las canciones que sonaban, aunque sin duda los temas más gritados fueron "Los Esclavos" (sin Little Jesus), "Regresarás" junto a Gianna Sotera"Roja Flor" y su magnífico cover de "La Gata Bajo La Lluvia" con visuales de la gran Rocío Durcal al fondo del escenario.

Inmediatamente después de que le bajaron la luz a Ramona, en el escenario de a lado Bruses hizo su debut en un festival. "Este es el tercer festival de toda mi vida" dijo la cantante tijuanense que tuvo como buena idea salir a cantar rodeada por un cuerpo de bailarines que constantemente lanzaron rosas de varios colores a los asistentes, además también en la tarima estuvieron presentes cuatro fans que mediante Tik Tok se ganaron la oportunidad de estar con su artista favorita. Las sorpresas continuaron en el acto de Bruses vino cuando invitó a BrattyArroba NatGreta Ela a cantar un cover de "Wannabe" de Spice Girls y todo el público enloqueció, aunque después fue Elsa y Elmar la que compartió micrófono con Bruses y ahí sí todo se estremeció en el escenario Claro Música. Junto a la colombiana Bruses estrenó en vivo la canción "¿Qué Voy a Hacer Conmigo?", la cual saldrá a la luz oficialmente el 24 de marzo.

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Otro que también debutó a lo grande fue Kevin Kaarl ya que en el Escena Indio la cantidad de personas que fueron a ver al joven músico rebasó la mitad del gran aforo de aquel escenario. "Vámonos a Marte" fue la canción más coreada del surtido repertorio de Kevin. A pesar de tener el tiempo de su show muy justo, esto no le importó a Kevin Kaarl que observó que el padre de una chica la estaba buscando desesperadamente y el cantante detuvo su canción "Toda Esta Ciudad" para pedirle al público que ubicaran a la chica desparecida y así que pudiera reunirse con su papá. Al final se logró y la gente pidió al unísono que Kevin subiera al escenario a la chica, pero por cuestiones de organización y tiempo esto no fue posible.

Lido Pimienta no decepcionó a nadie en la carpa VL, con su voz espectacular seguramente erizó la piel de más de uno. "Eso Que Tu Haces" fue la pieza que hizo resaltar más el canto de la cantante colombiana con esos coros largos en los cuales sostiene notas muy altas y potentes. Al final de su show, Lido Pimienta no se quería ir, a pesar de que le cortaron el audio regresó y a capella nos regaló un coro más, además lanzó una agradable advertencia: "Gracias, nos vemos muy pronto que vuelvo otra vez eh". Un fenómeno que ocurrió varias veces en escenarios distintos a diversas horas, fue el de carpas y escenarios que le quedaron demasiado pequeños a algunos artista. Tal fue el caso de Vanessa Zamora que dejó en ridículo a la capacidad de la carpa Intolerante porque la gente que se reunió para verla no solo sobrepasaba el aforo de la carpa, sino que la afluencia fue tal que había personas viendo el concierto desde el paso hacía a otros escenarios.

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El rapero argentino Wos tuvo el infortunio de competir con un consentido del público asiduo al Vive Latino como lo es Siddhartha, pero aún así el escenario Claro Música no lució para nada vacío, al contrario, fueron muchas las personas que se dieron cita para oír las rimas de canciones como "Luz Delito" y la favorita de muchos "Andrómeda"Siddhartha vivió ayer su consolidación como un artista grande en el escenario principal del Vive Latino, no solo llenó al 75% el lugar, sino que el recibimiento del público fue más que grato, todos cantaban cada una de las canciones que el tapatío lanzaba. "Loco""Paraíso Lunar", "Bacalar" "80 Días" fueron coreadas por miles de personas, pero el punto más alto del show de Siddhartha llegó cuando invitó a la tarima a mariachis para cantar "00:00".

En una noche de reencuentros y revanchas, Love Of Lesbian dejó en claro que México es su segundo hogar. Incluso Santi Balmes se mostró más emocionado que otras veces ¿Cómo no estarlo si saturó el Escena Indio? Aún con algunos problemas técnicos, la banda española ofreció un show con un repertorio de lo más variado con canciones de distintas etapas de su carrera. "Bajo El Volcán""El Sur""Belice", "Club de Fans de John Boy" y la clásica "Allí Donde Solíamos Gritar" fueron algunas de las canciones seleccionadas por Love Of Lesbian para este concierto que marcó su regreso a México después de casi cuatro años.

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Quien también tuvo su revancha fue Residente luego de que con su proyecto Calle 13 fuera abucheado en otra edición del Vive Latino, este año regresó por la puerta grande y pudimos constatar que los tiempos cambian ya que en el escenario Indio se pudo ver una participación del público bastante buena. Canciones que hace años pudieron haber sido repudiadas, ayer fueron coreadas, un ejemplo fue "Atrévete-Te-Te" "Cumbia de los Aburridos" que son canciones de reguetón. Canciones como "La Vuelta al Mundo""Latinoamérica" y "No Hay Nadie Como Tú" dieron el cerrojazo al concierto de Residente y sí, sí cantó la tiradera para J Balvin.

En otra muestra de las explanadas que se quedaron cortas, hablemos del fenómeno que es C. Tangana. El español abarrotó el Escena Indio. Literalmente llegó un punto en el que ya no había manera de entrar a ver al rapero, no se podía mover nadie ni para atrás ni para adelante, nadie se quiso perder este acto. C. Tangana  le "robó" público nada más y nada menos que a Black Pumas e indirectamente hizo que Los Fabulosos Cadillacs iniciaran su concierto con la mitad del aforo del escenario principal. El formato de la presentación de C. Tangana nos hizo recordar el Tiny Desk que grabó y las canciones seleccionadas fueron gritadas por las miles de personas que lo vieron, pero si tuviéramos que dar una mención honorifica esa tendría que ser compartida entre "Demasiadas Mujeres" y "Tú Me Dejaste De Querer".

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El final de esta edición del Vive Latino llegó con tres agrupaciones históricas en sus géneros: Los Fabulosos Cadillacs en el escenario Indio, Pixies en el Escena Indio y Banda MS en el Claro Música. Despues de las 23:00 H esas eran las tres opciones y aunque al inicio de los shows no estaban llenos, poco a poco la gente fue decidiendo qué quería ver. En orden de afluencia, Pixies fue la más afectada porque ni con su concierto lleno de energía pura, ni con "Where Is My Mind?" pudieron hacerle frente a las otras dos bandas en cuestión. Los Fabulosos Cadillacs cumplieron, no fue el mejor show que han dado en México pero dejaron contentos a sus fans con temas clásicos del rock latinoamericano como "Siguiendo La Luna""Vasos Vacíos" "Manuel Santillán, el León". Lo que ya no es una sorpresa es que la banda que "desentona" en el cartel del Vive Latino termine gozando de presentaciones con escenarios al máximo de su capacidad. En años anteriores lo hicieron Los Tucanes de TijuanaLos Tigres del NorteBronco Intocable, para esta edición la banda encargada de poner a todos a bailar y a cantar despechadamente fue la Banda MS y fue un evento sin precedentes ya que le compitieron al tú por tú a Los Fabulosos Cadillacs y quien haya estado ayer en el escenario Claro Música nos darán la razón cuando decimos que no cabía ni siquiera un alfiler.

A la salida, ya habían colocado anuncios en los que se podía leer "Nos vemos el próximo año" y aunque en estos tiempos no tenemos la certeza de que el próximo año se pueda realizar un festival, el panorama luce alentador para la música en vivo en México y para el Vive Latino. 

Entrevista con Porter

Un viaje al pasado a través del presente.

Después de las batallas internas viene la larga búsqueda de un nuevo camino, se presenta la oportunidad para renovarnos inmersos en un viaje infinito de auto descubrimiento para encontrarnos a nosotros mismos y realmente esa pesquisa nunca termina, se vuelve incierta, se convierte en una historia sin fin. Sin querer Porter se ha embarcado en una travesía mágica llena de casualidades y situaciones que giran en torno a su nueva producción.

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La Historia Sin Fin es la quinta producción de la banda mexicana la cual nos sumerge en las múltiples facetas en las que Porter ha trabajado a lo largo de su carrera. Y es que si nos ponemos a analizar el disco nos encontramos con ese “Ranchito” semejante a “Kiosko”, el pop duro del Atemahawke se hace presente con “Sol@”, la irreverencia de Donde Los Ponys Pastan reflejada en “Tx8” y los nuevos sonidos de “Guirnalda” da como resultado un homenaje a lo que Porter ha sido, un viaje al pasado a través del presente.

La historia sin fin es esa búsqueda de no querer que se acabe esta banda, Las Batallas fue un proceso muy difícil para todos y es partir de ¿Cómo le hacemos para seguir?, entonces este disco es como un punto de partida para lo que se viene, es un resumen de Porter, es revisitar todo lo que hemos hecho y darnos un respiro con la tranquilidad de no tener que sacar un disco conceptual", comentó Villor.

La Historia Sin Fin nace a partir de un viaje creativo a Chapala en donde surgieron canciones como “Cachito de Galaxia” y “Guirnalda”. La situación y el contexto social en el que nos encontrábamos como humanidad por la pandemia hizo que las cosas se acomodaran a la perfección para la banda, lo que los llevo a poder exprimir de lleno toda esa creatividad, logrando un proceso creativo totalmente orgánico.

Para este disco Porter realizó el doble de temas en comparación a sus producciones pasadas, tomándose la oportunidad de realizar un proceso de selección de canciones con la finalidad de elegir los temas que iban más a ad hoc con lo que la banda quería comunicar.

Fue muy loco de repente tener el disco listo desde hace un año y por cuestión de otras cosas, te tienes que esperar. Hubo mucho tiempo para revisar el disco una y otra vez, fue sumamente difícil soltar las canciones y decidir hasta donde ya no meterle mano a cada tema”, mencionó David.

La Historia Sin Fin trae consigo una atmósfera llena de cosas curiosas para Porter, la vibra que gira en torno al disco ha acogido de manera positiva a cada uno de los integrantes, envolviéndolos en un manto donde logran cerrar círculos negativos con fantasmas de su pasado, dando una apertura a una nueva percepción que les ha dado la oportunidad de lograr a superarse así mismos como individuos y sentir una liberación plena.

Es el quinto disco y justo nos encontramos en el quinto septeno de nuestras vidas, nos encontramos en esta etapa en donde estamos regresando a lo que fuimos cuando comenzábamos a tocar nuestras primeras canciones, es nuestro reset como banda”, comentó Fernando.

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Como parte de la exploración de los nuevos sonidos del disco percibidos en canciones como “Guirnalda”, la banda mexicana ha decidido experimentar por primera vez una colaboración dentro de su discografía de la mano de la cantante y ex integrante del grupo Mecano, Ana Torroja, quien colabora para la canción “Cachito de Galaxia”.

Aprovechando la esencia de la música ochentera y retomando la influencia que Mecano tiene en Porter, se fue concretando a que fuera Ana Torroja quien diera su voz para dar esta justificación artística, empujando la canción hacia un plus místico y cósmico, suavizando el mensaje político que tiene el tema.

Nunca nos había gustado el trasfondo comercial que tiene realizar un feat, pero en este disco llegó el abrirnos a esta posibilidad de realizar uno pero encontrar la justificación de hacerlo desde nuestra perspectiva de manera artística y la forma artística fue hacerlo con Ana, quien perteneció a una banda que fue de gran influencia para nosotros”, comenta Bacter.

El trabajo, la superación de fortuitos, el amor y las ganas de crear música ha llevado a Porter a colocarse como una de las bandas más importantes de la escena nacional. Su nueva producción les ha abierto las puertas de uno de los escenarios más importantes de México, el Auditorio Nacional en donde estarán presentando este 27 de mayo su quinto álbum de estudio y en donde celebrarán también el lanzamiento físico de La Historia Sin Fin.

 

Nochenegra en el Foro Indie Rocks!

Festejando 5 años de universos sonoros llenos de diversidad.

Tras una pausa provocada por la pandemia, Nochenegra volvió para darlo todo. La fiesta que eligió al Foro Indie Rocks! como su hogar, contó con invitados locales, así como de otras partes de Latinoamérica, Inglaterra y Estados Unidos. El evento que se caracteriza por mezclar y presentar música en formato análogo (vinil) realizó una fina selección de música que abarcó diversos géneros  que, aunque distintos entre si, son la perfecta combinación para armar una fiesta: Salsa, funk, disco, house, psicodelia y tropical, entre otros.

Ha pasado un tiempo considerable, pero la fiesta regresó y Nochenegra dio sus asistentes la dosis necesaria de energía, baile y mucho ritmo, en una noche emblemática que,  simplemente ya se extrañaba.

 

 

 

 

Entrevista con Spoon

"Back to basics". La frase que describe el nuevo álbum de Spoon y qué influyó en la producción del décimo material.

La banda estadounidense, Spoon, se encuentra en tierras mexicanas para presentarse en el Wilco’s Sky Blue Sky en la Riviera Maya y como promoción de su nuevo álbum Lucifer On The Sofa. En Indie Rocks! Platicamos con Britt Daniel mente, vocalista y guitarrista de la banda para compartirnos más detalles sobre su estreno. 

Para su nuevo material Spoon vuelve a Austin como una corazonada. “Nunca me alejé de Austin, siempre regreso. La idea era salir, inspirarnos, retomar la energía de los shows para regresar al estudio y comenzar a grabar con eso”, comenta. “Funcionó por un tiempo, pudimos estar juntos y grabar la mitad del álbum, pero terminé escribiendo más y más hasta que los temas comenzaron a sentirse diferentes.

Austin es más grande y cara, pero algunos lugares todavía se sienten rústicos, eso le dio sabor al álbum”.

Para la producción se apoyaron Mark Rankin (Queen of the Stone Age e Iggy Pop) con quien nunca habían trabajado. “Cuando conocí a Mark, me agradó. Se parecía a nosotros, interesado por la música, pero no en la industria musical”, expresa, “No queríamos un álbum de computadoras donde pegaremos pieza por pieza, sino que tratamos de hacer el álbum con una banda tocando en un cuarto, ya sabes, gente real en espacios reales. Mark es bueno en eso”. 

 El décimo álbum parece ser una celebración importante en el que los esfuerzos regresan a las primeras prácticas de grabación. Sin embargo, siempre destacan los pequeños detalles que la el contexto y los recuerdos juegan una parte fundamental para su creación. “Nunca me escucharon cantar así, y nunca me van a escuchar hacer una armonía de dos partes”. 

Es un álbum terrenal, nos puso las pies en la tierra, tanto que la última canción del álbum roza otros territorios”.

“Wild” el sencillo que hasta el momento logró cautivarnos por el contraste entre un mundo vívido y de oscuridad, llega a sentirse como un predicción para lo que nos espera en un futuro cercano. Para Britt es mucho más complejo y que eso, solo basta con ver en retrospectiva los últimos dos años. ¿Qué hemos hecho?

“El tema trata sobre la vida reglamentada llena de control. Como cuando sientes que todo lo que haces es trabajar o que tienes que hacer todo de la manera correcta así que no tienes tiempo para ti mismo. Al final nos encontramos con el llamado de un mundo salvaje, sabiendo que es el lugar en al que solías viajar, el sol brillaba y la vida era una locura. De eso trata la canción, de anhelar eso. 

Creo que el mundo (como lo conocíamos), sigue ahí afuera y algún día lo encontraremos”. 

Así el líder de la banda se aventura a contarnos la importancia de la última canción “Lucifer On The Sofa” que también da nombre al álbum. “También es la letra de una de las canciones, trata   sobre ese horrible sentimiento de Lucifer mirándome desde el sillón. El resto de la canción soy yo caminando por Austin tratando de superar ese momento, pero al final solo me pregunto ¿qué es esa figura (Lucifer)? ¿Quién es? Caigo en cuenta que es el personaje en el que me he convertido, y otras personas también, al experimentar estrés, ansiedad, y horas de presión. Así que esa figura comenzó a formarse por la poca motivación y el uso de alcohol y drogas para complacernos. 

Con esa reflexión, Spoon nos espera con un sonido crudo que nos abre las puertas a una nueva realidad. Escucha Lucifer On The Sofa el próximo 11 de febrero a través del sello Matador Records.