Entrevista con Budaya

La búsqueda de la humanidad es lo que realmente tiene valor en cualquier creación artística.

El dúo originario de Durango y Guanajuato estrenó su más reciente disco titulado CLAR%SCURO y en Indie Rocks! platicamos con ellos acerca de los detalles, inspiraciones y anécdotas detrás del disco. 

Parte de la inspiración para este disco fueron los matices que se pueden encontrar detrás de un CLAR%SCURO, todos aquellos grises que se cruzan para poder llegar de la claridad a la oscuridad. El disco está planteado como un viaje entre colores más claros y luego tonos más oscuros, haciendo una analogía de cómo pueden ser representadas las emociones e imperfecciones humanas detrás de esta música.

Sentimos que si escuchas el disco desde principio a fin, viéndolo como en sentido de colores, va de colores más brillantes y frescos a colores más oscuros. Y es porque nosotros nunca nos hemos dejado guiar, por a fuerzas,  solo hacer un género o un sub género, sino que siempre hacemos canciones de cómo nos estamos sintiendo en ese momento e inspirándonos de lo que estamos escuchando actualmente, y lo que queremos proyectar. No nos cerramos, y al final creo que lo que pueden escuchar en el disco es el reflejo de eso de sentirnos libres al momento de crear”, comentó Tulio.

A su vez, y como son un dúo, las inspiraciones vienen de dos formas distintas, elemento que hace de la composición de Budaya la analogía perfecta entre ellos como integrantes del proyecto y el nombre que han escogido para este álbum. Sobre esa otra parte Maya nos comenta: 

Guillermo del Toro ha sido para mí una fuerte inspiración para la creación de este disco al momento de hablar de la imperfección, en el momento en el que él crea sus monstruos en sus historias, se inspira mucho en la imperfección de las cosas y de ahí crea narrativas. Siento que estamos muy acostumbrados a tener una normativa en las narraciones y narrativas de ciertas historias y lo mismo pasa con la música, son muy cerrados los temas que se tratan en la música, hablar de amor y desamor es algo que desde el punto de vista del que crea se sabe que eso va a gustar porque sí, está bien el ‘te amo’ y ‘te extraño’ y todos esos sentimientos,  pero ¿en dónde queda el resto de nuestras emociones? y en ese sentido creo que sí somos muchos artistas los que estamos intentando plasmar otras visiones en la música, y por mi parte si me inspiraron mucho los monstruos de Guillermo como con la idea de buscar esas imperfecciones humanas que nos trastocan a todos y que era muy importante manifestar en el disco".

Dentro de este viaje de claros y oscuros los artistas nos hablan de cuáles creen que son, dentro del disco, las canciones que representan más la claridad y las que representan más la oscuridad, Maya nos comenta.

La principal canción que yo llamaría intermedio (risas) pero más luz es ‘Tu Color’. En esta canción estamos planteando un tema de depresión, estamos hablando de alguna amistad, o familiar o alguien de tu circulo que está pasando por un momento difícil y para ti se torna complejo saber cómo apoyarla, sin embargo creo que quisimos imprimir mucho calorcito en esta canción, justo para poder alumbrar a esa persona, para enviarle ese cariño, luz y apoyo que necesita. Para mi es la canción con más luz que justo busca alumbrar ese tipo de emociones y saber que siempre tendremos a alguien que nos desee el bien. Entonces sí, para mí ‘Tú Color’ es esa luz que ayuda a el otro a encontrar ese camino".

Y a su vez Tulio hace la contraparte comentándonos:

Yo creo que la que habla de temas más densos, y que también la armonía es como más frigia es la canción que cierra el álbum, ‘Duérmete Clavel’ que habla más sobre la muerte, el duelo, el descanso eterno pero que a su vez no la tratamos como de una forma muy literal, sino que con otro elementos hacemos presente la referencia a estos temas en la canción; también creo que los humanos somos mucho de describir las cosas para poder entenderlas y es por eso que siempre la muerte la relacionamos con la oscuridad, pero no necesariamente quiere decir que sea malo, es más como parte del proceso de vivir, pero si se tiende a relacionar con la oscuridad, con el dolor. Intentamos también desde la instrumentación irla llevando por cómo es el proceso del duelo, que al principio puede ser un poco más confuso o caótico y al final de la canción pues hay una resolución, en donde incluso en un momento hay un cambio armónico que de frigio se va a algo más menor,  y es justamente como esta tranquilidad de ya soltar la presión y pues aceptar la partida. Finalmente si tiene como varios colores la canción, pero sí sentimos que es la que habla de algo que quizás no queremos hablar, entonces por eso pudiese ser la más ‘oscura’".

En los aspectos más técnicos de la producción de este álbum que estuvo a cargo de Alan Santos además del mismo dúo, encontramos grandes referencias al synth pop y a sonidos electrónicos muy característicos de Budaya, sin embargo y por la temática del disco, en esta oportunidad se integran a la mesa elementos más orgánicos como un saxo o jaranas que le dan ese toque de imperfección y humanidad del cual comentaron Maya y Tulio al principio de esta entrevista, esto fue lo que nos comentaron al respecto:

Con este disco quisimos acercarnos más a lo orgánico, sin dejar nuestra parte electrónica, antes la producción fue más la experimentación y el aprendizaje de Maya y mío pero en este disco ya trabajamos con Alán Santos que tiene un proyecto que se llama Centavrvs, él también toca muchos instrumentos, en realidad su instrumento principal es la marimba, entonces tiene mucha educación también de lo que es la instrumentación folklórica de México y quisimos aprovechar esa posibilidad de combinar ambas cosas.Eso hace que evidentemente haya mucha influencia de él en el disco, pero por otra parte quisimos mantener la línea que ya veníamos trabajando en ‘Gotas de Vinagre’ que es uno de los tracks de nuestro disco anterior, en la que pudimos hacer esta combinación con Son Jarocho y que aunque nosotros no somos Jarocheros, podemos abrazar el folklore de nuestro país. También nos pareció importante poder implementar esto en el disco porque tenemos la idea de ya ir presentando nuestra música en formato full band, antes teníamos el set solo de Maya y yo, pero la idea ahora es poder contar con músicos que nos ayuden a darle vida a este disco en el en vivo".

Otras de las cosas más relevantes acerca de CLAR%SCURO es la participación de Pahua y Pønce como artistas invitados que hacen de este disco un viaje dentro de las sonoridades tropicales, electrónicas y mexicanas una simbiosis armónica entre estos ft’s. Acerca de el criterio para la escogencia de sus colaboradores Maya nos comentó.

Algunas de las cosas más bonitas que nos ha dejado el proyecto es la red que se ha ido tejiendo alrededor, siendo nosotros de provincia, agradecemos mucho la red tan chida que se ha creado en el país. A Pahua la conocimos desde que ella estaba en Sotomayor y congeniamos muy chido con ella, nos hicimos muy buenos amigos casi instantáneamente. Cuando empezamos a pensar en el disco supimos que con ella sería una muy buena idea colaborar. ‘La Marea’ en realidad fue compuesta principalmente para otro proyecto, pero nos dimos cuenta que nos gustaba mucho y ya nos pusimos recelosos y no las quedamos, pensamos que estaba muy muy Pahua la vibra de la canción, es decir muy tropical y Pahua es la reina de la electrónica tropical en México así que quedaba perfecto. En realidad quisimos que estas colaboraciones fuesen entre amigos ya que te expones a un espacio muy vulnerable como músico y compositor cuando estás creando con otros artistas porque no sale perfecto, la verdad es que no es como que te sientas y sale una letra increíble en cinco minutos. En este caso nosotros ya traíamos el tema de la canción, que es como una platica contigo mismo, de que muchas cosas te pueden hacer sentir mal, problemas mundiales y así, pero al mismo tiempo no tienes poder sobre eso pero sí tienes el poder de tu interior y de tí mismo. Y con Pønce también fue una coincidencia que seamos tan buenos amigos ahorita, porque en realidad no nos conocíamos y de repente todo empezó a coincidir con él, un día llegamos a un Sofar Sounds y estábamos con él, y luego nos fijamos que teníamos muchos amigos en común y pues así se fue dando nuestra amistad. Y también sentimos que fue muy fluido, le presentamos la idea para 'Quiero Decirle' que era hablar sobre el miedo que puede tener cierto compromiso en el amor, y sentimos que Pønce es perfecto para abordar esos temas".

Dentro del disco encontramos el focus track del álbum llamado “Duérmete Clavel” a ella nos introducimos con el sonido de un teclado midi en un ritmo constante, mientras que escuchamos la voz un tanto desnuda de Maya; esta canción fue compuesta con la idea de que tuviese 4 movimientos, tal y como sucede en las composiciones clásicas, y que relatara los procesos de un duelo. Ellos sienten que estos movimientos son una cuestión más sensorial dentro de la música, sin embargo hay ciertos aspectos a destacar en cada uno de ellos. El primer movimiento es el momento en que ya se está yendo la persona por cual se manifiesta el duelo, es decir ese último aliento o suspiro antes de que todo suceda, y los rituales de despedida que hay en torno a esto. En la letra de la canción encontramos frases que nos sugieren esto como “Duérmete clavel, a tu lado me puedo romper. Duérmete rosal, en silencio me pongo a llorar”.

El segundo movimiento es la aceptación pero al mismo tiempo la entrada hacia el dolor, una vez que pasa la sensación de despedida entran las preguntas, el llanto y el cómo? ¿Cómo es posible que este pasando esto? Es un shock emocional que musicalmente se refleja como un cambio en donde ya entra la mayoría de la instrumentación y el sonido se vuelve más pesado. Luego está el tercer movimiento que es la idea de sentirlo todo dentro del duelo, dejar que las emociones transiten y hagan lo que tengan que hacer dentro de tu cuerpo y dentro de tu ser, acá encontramos en la pista la entrada del solo de saxo, haciendo esa analogía del caos y las emociones densas. Y el cuarto movimiento es la asimilación, la resignación desde el amor y la aceptación. Es la idea de descansar luego de tanto caos y dolor, es la premisa de dejar ir para continuar con la vida, musicalmente se representa con un cambio armónico que rompe con la tensión que veníamos acumulando tal y como soltar un puño de arena que sostenías en tu mano.

Budaya también compartió algunas ideas y proyectos que tienen en mente con el lanzamiento de este disco y posterior a él.

La idea del próximo año es seguir tocando este álbum y llevarlo a todos lados que podamos con la full band. También estamos trabajando en nuevo material que probablemente lancemos el año que viene y con una onda un poco más distinta a lo que hemos presentado hasta ahora. También estamos pensando en planes para salir del país y poder llevar nuestra música a Latinoamérica y seguir posicionándonos en México y seguir haciendo crecer la red de Budaya que a fin de cuentas significa cultura".